Eselhale. «eselhale» Modernistiske malerier er malt med en eselhale

Eselets hale"- en av de mest kjente og til og med oppsiktsvekkende kunstneriske foreninger i landet vårt. Foreningen ble organisert i 1912 av russiske avantgarde-artister Mikhial Fedorovich Larionov og Natalya Sergeevna Goncharova. Denne organisasjonen av kunstnere vakte offentlig oppmerksomhet helt fra begynnelsen. Den forente likesinnede skapere som var nær avantgardekunstbevegelser.

Navnet "Donkey's Tail" kommer fra et av maleriene som ble stilt ut på en utstilling i Paris i 1910. Dette maleriet var uvanlig ved at det var malt med halen til et esel. Dessverre, til tross for sin raske start og til og med litt skandaløse popularitet, varte ikke sammenslutningen av kunstnere lenge og gikk i oppløsning i 1913, og etterlot seg bare minnet om en historisk begivenhet i avantgardekunsten.

I tillegg til Mikhail Larionov og Natalya Goncharova, inkluderte "Donkey's Tail" slike artister som: Kazimir Malevich, Vladimir Tatlin, V. Bart, A. Shevchenko og andre. I motsetning til andre avantgarde kunstneriske foreninger, fremmet kunstnere fra Donkey Tail foreningen av den europeiske skolen og den russiske tradisjonen folkekunst, russisk primitivisme, lubok og så videre. Maleriene til disse kunstnerne bekreftet fullt ut deres teser. Bevisst forenklede former, som minner litt om etno-primitivisme kombinert med avantgardestilistikk som var utbredt på begynnelsen av 1910-tallet. For mange er "Donkey's Tail" nært forbundet med begrepet primitivisme i maleriet. Sammenbruddet av gruppen skjedde på grunn av det faktum at mange av artistene som var en del av foreningen, etter å ha prøvd seg i denne stilen, gradvis begynte å bevege seg bort i forskjellige retninger og prøve seg i andre sjangre og retninger.

Verker av K. Malevich

Kazimir Severinovich Malevich (1878 - 1935) er en kunstner kjent innen sjangeren avantgarde, impresjonisme, futurisme og kubisme.

Hans første malerier ble malt under påvirkning franske impresjonister og seg selv, selvfølgelig, ble også skapt i stil med impresjonisme. Etter en tid ble han lidenskapelig opptatt av futurisme. Han var nesten den mest aktive deltakeren i alle futuristiske utstillinger, og jobbet til og med med kostymer og kulisser, med et ord, han designet en futuristisk opera kalt "Seier over solen" i 1913. Denne forestillingen, som ble holdt i St. Petersburg, ble et av de viktigste stadiene i utviklingen av hele den russiske avantgarden.

Det var geometriseringen av former og maksimal forenkling i design som fikk Kazimir Malevich til å tenke på å skape en ny retning - Suprematisme.

Malevichs verk

Kunstneren gjorde en revolusjon, tok et skritt som ingen i verden kunne ta før ham. Han forlot fullstendig figurativitet, til og med fragmentert figurativitet, som tidligere hadde eksistert i futurismen og kubismen.

Kunstneren viste sine første førtini malerier til verden på en utstilling holdt i Petrograd i 1915 - "0,10". Under verkene hans plasserte kunstneren et skilt: "Maleriets suprematisme." Blant disse maleriene var den verdensberømte «Black Square», malt i 1914 (?), som forårsaket voldsomme angrep fra kritikere. Disse angrepene avtar imidlertid ikke den dag i dag.

Allerede neste år publiserte Kazimir Malevich en brosjyre med tittelen «Fra kubisme til suprematisme. Ny billedrealisme», der han tydelig underbygget sin innovasjon.

Suprematisme hadde til syvende og sist en så stor innflytelse ikke bare på maleriet, men også på den arkitektoniske kunsten i Vesten og Russland at den brakte virkelig verdensberømmelse til sin skaper.

Suprematisme

Musikkinstrument

Blomsterjente

Som alle artister av en ikke-standard, "venstre" bevegelse, var Kazimir Malevich veldig aktiv under revolusjonen.

Kunstneren designet kulissene til Vladimir Mayakovskys første skuespill "Mystery Bouffe" i 1918, han ledet kunstavdelingen til Moskva-rådet. Da han flyttet til Petrograd, ledet og underviste han ved Free Art Workshops.

Høsten 1919 dro Casimir til byen Vitebsk for å undervise ved People's Art School, som ble organisert av Marc Chagall, og som snart ble forvandlet til Art and Practical Institute. Han forlot Vitebsk først i 1922 for å returnere til Petrograd og jobbe på en porselensfabrikk, finne opp flere og flere nye former for maleri og studerte mulighetene for å bruke suprematisme i arkitektur.

I 1932 oppnådde Malevich stillingen som leder av det eksperimentelle laboratoriet ved det russiske museet, hvor han utviklet teorien om "overskuddselementet i maleriet", som han hadde fremmet tidligere.

Samme år, 1932, vendte Malevich seg plutselig igjen til tradisjonell realisme. Kanskje var dette på grunn av trendene i den nye tiden, men på en eller annen måte klarte Kazimir Malevich aldri å fullføre denne nye perioden av arbeidet sitt. I 1933 ble han alvorlig syk, og to år senere, i 1935, døde han.

Kreativiteten til P. Filonov

Pavel Nikolaevich Filonov (8. januar 1883, Moskva - 3. desember 1941, Leningrad) - russisk, sovjetisk kunstner, grunnlegger, teoretiker, praktiker og lærer i analytisk kunst - en unik reformerende retning innen maleri og grafikk i første halvdel av det 20. århundre.

Filonovs kreativitet

Først betydelige arbeider Filonov, vanligvis malt i blandede medier på papir (Man and Woman, Feast of Kings, East and West, West and East; alle verk – 1912–1913, Russian Museum, St. Petersburg), er nært knyttet til symbolikk og modernitet – med deres allegoriske figurer - personifikasjoner og lidenskapelig interesse for " evige temaer» å være.

De utvikler kunstnerens originale måte å konstruere et bilde med krystallinske fargeceller - som en fast "laget" ting. Imidlertid forblir han (i motsetning til V.E. Tatlin) så å si en "futurist-konservativ" og går ikke over til design, forblir innenfor rammen av ren, glitrende, fargerik maleriskhet.

I 1913 tegnet han kulissene for Vladimir Mayakovskys tragedie "Vladimir Mayakovsky" I de neste to årene jobbet Pavel Filonov som illustratør av futuristiske hefter, publiserte sitt transrasjonelle dikt "Preken om verdens vekst" og begynte å utvikle kunstnerisk. teorier: "Ideology of Analytical Art" og "Principles of Madeness" .

I 1919 Kunstnerens malerier ble stilt ut på den første statlige gratis utstillingen av arbeiderkunst i Petrograd. På grunn av fortsatt hard kritikk og angrep mot Filonov, var utstillingen hans planlagt for 1929-1930. fant ikke sted på Russemuseet.

I 1932 Hans liv og virke ble ikke avkortet av krigen. Han døde av lungebetennelse under beleiringen av Leningrad i 1941. I 1967 En posthum utstilling med verk av Pavel Filonov ble holdt i Novosibirsk.

Først de siste årene har Filonovs maleri fått verdensomspennende anerkjennelse. Bildene skapt av tanken hans ga en enorm drivkraft til utviklingen av avantgarden i Sovjetunionen. Han fant sin kunstnerisk stil, takket være de kompromissløse idealene han trodde på.

Allerede i hans tidlige arbeider er hans avvisning av ideologien til Malerakademiet i St. Petersburg tydelig synlig. Filonov forlot akademiet i 1910 og tok valget om å ignorere hovedretningen i maleriet for å videre utvikling stilen din.

I sitt maleri observerte og realiserte Pavel Filonov kreftene som utgjør menneskehetens eksistens. Målet hans var å oppnå en systematisk kunnskap om verden og dens menneskelige befolkning.

Filonovs malerier var resultatet av mer enn bare semantiske bilder. Maleriet hans er en uttalelse om intellektuelle prinsipper, hvorav noen er hentet fra kunstnerens teori og ideologi. I Filonovs malerier kan man se "designintelligens" i bildet.

Pavel Filonov viet mye tid og krefter til x

kunstneriske oppfinnelser og kreative ideer. Han jobbet 18 timer i døgnet.

I 1925, etter å ha funnet mange tilhengere og tilhengere av uttrykksstilen hans, grunnla han en skole i Petrograd. Denne skolen ble stengt av regjeringen i 1928. sammen med alle private kunstneriske og kulturelle organisasjoner.

Kunstnerens verk

• Sjostakovitsj symfoni
• Hellig familie
• Kollektivbonde

Kollektivbonde

De som ikke har noe å tape

Vårformel

Mann og kvinne

Kongefesten

Dyr

De som ikke har noe å tape

"Donkey's Tail" er en gruppe russiske avantgarde-kunstnere knyttet til utstillingen med samme navn, iscenesatt i 1912 i Moskva. Det sjokkerende navnet kommer fra skandalen på den parisiske Salon of Independents (hvor en gruppe svindlere stilte ut et abstrakt maleri i 1910, som faktisk ble "malt" av et esel som brukte halen). Kjernen i Moskva-utstillingen bestod av verkene til M.F. Larionovs gruppe, som kort tid før dro sammen med N.S Goncharova og en rekke andre kunstnere fra foreningen "Jack of Diamonds", og bestemte seg for å organisere sine egne, mye mer. radikalt avantgarde-utstilling. Verkene til de største mesterne av russisk futurisme ble vist her (i tillegg til Larionov og Goncharova - K.S. Malevich, V.E. Tatlin og M.Z. Chagall).

Stilen var dominert av bevisst primitivitet, kraftig farge-formelt uttrykk og motiver av landlig arkaisme eller grov urban folklore.

I motsetning til «Jack of Diamonds», som ble en tradisjon og en langsiktig stilistisk trend, gikk «Donkey's Tail», uten å ta form organisatorisk, i oppløsning allerede i 1913, uten å danne et felles kunstnerisk paradigme. I alle fall gikk den flyktige gruppen inn i historien som viktig stadium Russisk futurisme, som i denne korte perioden beveget seg fra "neo-folklorisk" primitivitet til spontan "strålende" abstraksjon.

M.F. Larionov studerte ved Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture med V.A. Levitan. Der møtte han N.S. Goncharova, som ikke bare ble hans kone, men også en likesinnet i arbeidet hans. Fra begynnelsen av 1900-tallet deltok Larionov aktivt i kunstnerlivet, og stilte ikke bare i Russland, men også i Europa, og franske malere hadde stor innflytelse på Larionov. I 1902-06 arbeidet han i stil med senimpresjonisme ("Lilac Bush in Bloom"). I 1907 - opplever påvirkningen av fauvisme og naiv kunst, vendt til en primitivistisk stil, og skapte minneverdige (rike farger, skarpe linjer, skarpe scener) lerreter ("Resting Soldier"; "Spring").

Siden han var i forkant av det kunstneriske livet på den tiden, skapte han i 1912 et nytt kunstnerisk konsept - rayisme, et av de første eksemplene på abstrakt kunst i kategorien såkalt "ikke-objektiv kreativitet", der former ble dannet som et resultat av skjæringspunktet mellom stråler reflektert fra ulike objekter.

Maleriet og grafikken til N.S. Goncharova - opprinnelig impresjonistisk, deretter bestemt i fauvismens ånd - står ved opprinnelsen til russisk futurisme. I 1907–1911 klarte hun, kanskje mer organisk enn noen av hennes samtidige, å kombinere tradisjonene til det "primitive" (populære trykk, malte skilt, etc.), samt tradisjonene til ikonet, med nye avant- garde trender. En spesiell plass i kunsten hennes er opptatt av sjanger- og hverdagstemaer (“Hømaking”, “Washing the Canvas”), samt religiøse motiver (“Evangelistene”-syklusen). "Mystical Images of War" imponerer med sitt truende apokalyptiske uttrykk. Ved å bryte ned formene til den synlige verden, vendte kunstneren seg til Cubo-Futurism ("syklist").

Goncharova og Larionov forvandlet avantgarden til "livets kunst", og var involvert i teater (prosjektet til den kunstneriske kabareten "Pink Lantern") og kino (deltakelse i innspillingen av den første russiske futuristiske filmen "Drama in Cabaret No. . 13"). Derfor var overgangen deres til scenografi så organisk (på invitasjon fra S.P. Diaghilev). Den kraftige, pittoreske plastisiteten til Goncharovas produksjon av N.A. Rimsky-Korsakovs opera «Den gylne hane» var en dundrende suksess i Paris. Mens hun jobbet i russiske årstider, forlot Goncharova og mannen hennes Moskva, og slo seg til slutt ned i hovedstaden i Frankrike i 1919.

Utstillingen "Donkey's Tail" (1912), organisert av lederne av den russiske primitivismen M.F. Larionov og N.S. Goncharova, virket for mange å være en utfordring ikke bare for det konservative publikum, men også for "Jack of Diamonds". I følge Larionov behandlet medlemmer av "Jack of Diamonds" vestlig kunst med overdreven oppmerksomhet og undervurderte russiske kunstneriske tradisjoner.

Kunstnerne som deltok i Donkey's Tail-utstillingen forsøkte å kombinere maleteknikkene til den europeiske skolen med resultatene av russisk broderi, populære trykk og ikonmaleri. En skjult protest mot vestlig innflytelse var inneholdt i selve foreningens navn. Dette var et snev av den skandaløse situasjonen som oppsto ved "Salon of Independents" i Paris i 1910. Motstandere av nye former i maleriet forsøkte å gi bort et lerret malt med en eselhale som et mesterverk av avantgardekunst.

Deltakerne i utstillingene klarte ikke å skape en sammenhengende retning, og alle gikk sine egne veier, men for de fleste forskere er navnet "Donkey's Tail" fast forbundet med begrepet "primitivisme", og fremfor alt med arbeidet til dens ledere .

Mikhail Fedorovich Larionov (1881 - 1964) ble født i byen Tiraspol, Kherson-provinsen, i familien til en militær paramedic. Fra 1898 til 1910 studerte han ved Moskva-skolen for maleri, skulptur og arkitektur; lærerne hans var Valentin Aleksandrovich Serov, Isaac Iljitsj Levitan, Konstantin Alekseevich Korovin. I 1900 møtte Larionov Natalia Sergeevna Goncharova (1881 - 1962), som studerte her. De giftet seg, og siden har deres liv og kreative måter var uløselig forbundet.

I 1906 begynte unge malere å stille ut aktivt: navnene til Larionov og Goncharova ble kjent for allmennheten takket være en utstilling fra Moskvas kunstnerforening. Samme år deltok de i utstillingen til Union of Russian Artists. Og to år før det, i 1904, møtte Larionov den berømte teatralske og kunstneriske figuren Sergei Pavlovich Diaghilev og viste i 1906, på hans invitasjon, verkene sine på St. Petersburg-utstillingen til World of Art-foreningen. Snart dro han sammen med Diaghilev og kunstneren Pavel Varfolomeevich Kuznetsov til London og Paris, hvor Diaghilev, av pedagogiske årsaker, presenterte i tolv saler i Høstsalongen russisk kunst ulike perioder og retninger. Verkene til Larionov, Goncharova og Kuznetsov ble inkludert i den "mest innovative" delen.

Etter 1907 ble Larionov interessert i primitivisme. Dette er bevist av energiske strøk, rike, fargerike flekker, klare konturer, uhindret fantasi, og fremfor alt, scener hentet fra provinsbylivet: "A Walk in a Provincial Town", "Outdoor Cafe", "Provincial Frantiha" (alt arbeid) 1907). I 1907 ble Larionov nær poeten og kunstneren David Davidovich Burliuk (1882-1967), en av grunnleggerne av russisk futurisme; sammen organiserte de utstillingen "Stefanos" i Moskva. Og i 1910 var maleren blant grunnleggerne av "Jack of Diamonds"-foreningen, rundt hvilke tilhengere av den primitivistiske bevegelsen samlet seg. Men i 1912 forlot Larionov og Goncharova "Jack of Diamonds" og organiserte utstillingen "Donkey's Tail". Et år senere åpnet den ny utstilling"Target", og etter det dukket en kreativ gruppe opp under samme navn.

I 1912-1913 Larionov og Goncharova jobbet mye med utformingen av bøkene til futuristiske poeter. Dette var de såkalte litografiske bøkene – håndskrevet på litografisk stein og illustrert med samme teknikk.

På begynnelsen av 10-tallet. mesteren kom til ideen om rayonisme - en av de første variantene av ikke-objektiv maleri. I en brosjyre under samme tittel forklarte han dette konseptet som følger: "Rayisme refererer til romlige former som kan oppstå fra skjæringspunktet mellom stråler av forskjellige objekter, former fremhevet av kunstnerens vilje." I Larionovs første «strålende» lerreter er naturmotivene tydelig synlige: «Yellow Autumn», «Rooster» («Radiant Study»), «Radiant Landscape» (alle arbeider 1912).

I 1914 hjalp Larionov Goncharova med å skape kulissene for Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakovs operaballett "The Golden Cockerel" for Diaghilevs "Russian Seasons", laget i avantgarde-stil.

Så begynte den første verdenskrig, som ble en vanskelig prøve i mesterens liv. Kreative planer måtte utsettes på ubestemt tid. Larionov, innkalt til hæren, deltok i kamper i Øst-Preussen, ble sjokkert og ble demobilisert etter behandling på sykehus.

I verkene til Natalia Goncharova kan litt forskjellige motiver spores. Temaene for noen av verkene hennes er tydelig inspirert av maleriene til Paul Gauguin og Vincent Van Gogh (Peasants Picking Apples, 1911; Sunflowers, 1908-1909; Fishing, 1909). Påvirkningen fra Gauguin merkes i de myke, som om viskøse konturene til figurene, i kontrastene til tette, litt matte farger. Imidlertid tiltrakk russiske folklore-tradisjoner Goncharova like sterkt. På lerretet "Phoenix Bird" (1911), vendt til et eventyrbilde, formidler kunstneren atmosfæren til en fantastisk handling først og fremst gjennom farger - uvanlig lys, som om den flammer innenfra. Spesielt gode i arbeidet til Natalia Goncharova er maleriene, hvis opprettelse var inspirert av ikoner. Et slående eksempel på dette er «Spas in Strength» (1911).

For bare hundre år siden var kunst sentrum for samfunnet og seriøse lidenskaper kokte rundt det. Denne artikkelen, publisert i 1920 i Niva magazine, er et forsøk på å latterliggjøre de progressive artistene fra Salon of Independents. Hvor vellykket dette forsøket er er opp til deg å bedømme.

Hvordan en fransk journalist latterliggjorde modernistiske kunstnere med et esel

Mange ganger har fornuftsmessig kunstnerisk kritikk falt på dekadente kunstnere med deres eksentriske, åpenbart absurde verk: men aldri har noen kritikk oppnådd så dundrende resultater som den vittige farsen som nylig ble utført av det parisiske magasinet Fantasio på kunstnerne i kretsen «Independents».

"Independents" har sin egen "Salon", flittig besøkt av publikum, som er overrasket, indignert, ler, men villig går til "Independents" for nysgjerrighetens skyld og litt kjærlighet til skandalen. I år var det virkelig en skandale med disse artistene - en enestående, ondsinnet en ...

For omtrent en og en halv måned eller to siden dukket et brennende manifest av "School of Excessivists" opp i noen aviser. Manifestet ble signert med det klangfulle, hittil ukjente navnet til Joachim-Raphael Boronali og lyder som følger: «Overskudd i alt er styrke, den eneste styrken! Solen kan aldri bli for varm, himmelen for grønn, det fjerne havet for rødt, skumringen for svart... La oss utrydde meningsløse museer! Ned med den skammelige rutinen med håndverkere som lager godteribokser i stedet for malerier! Ingen linjer, ingen tegning, ingen håndverk er nødvendig, men lenge leve den blendende fantasien og fantasien!»

Like etter dukket et ekstraordinært maleri opp i Salon of Independents, signert av samme Boronali. De "uavhengige" var fornøyd med det: det var egentlig ingen linjer eller mønstre i det, men et slags kaos av prangende, åpenlyse farger. Rødt, blått, grønt - fargene danset i den som en vill tarantella... Innholdet i bildet var helt uforståelig og umulig. Den bar imidlertid en svært poetisk bildetekst: «Et le soleil s’endormit sur l’Adriatique» («Og solen sovnet over Adriaterhavet»). Det skal imidlertid bemerkes at andre malerier på «Independents»-utstillingen var av samme type...

Boronalis maleri ble høydepunktet på utstillingen. De "uavhengige" så på henne med følelser. Navnet på den "berømte" Boronali var på alles lepper. Og plutselig skjedde noe høyst uventet: visse herrer kom til salongen og presenterte en notariusertifikat som sier at maleriet "Og solen sovnet over Adriaterhavet" ble malt av et esel med halen ...

Notarprotokollen, utarbeidet av notarius I. A. Brionne, uttalte følgende på en meget detaljert og forretningsmessig måte: «Redaktørene av Fantasio magazine, som ønsket å diskreditere dekadente kunstnere, «engasjerte» et esel fra Lapin smidig kabaret. I nærvær av en notarius ble en pensel med maling bundet til eselets hale, eselet ble plassert med ryggen til lerretet, og en av "inntrengerne" begynte å mate den med småkaker. Eselet ristet takknemlig på halen - og... han malte Adriaterhavet med den... Penselen ble endret flere ganger - og resultatet ble det ovennevnte bildet, "fantastisk med rikdommen og sofistikeringen av fargen."

Eselet uttrykker sine behagelige smaksopplevelser i farger

Skandalen viste seg å være fantastisk ... Og først nå innså "Uavhengige" at det klangfulle "italienske" etternavnet Boronali ganske enkelt er et anagram av det franske ordet Aliboron, dvs. "esel", "ignoramus".

Denne rent franske farsen med deltagelse av en representant for offentlig myndighet og påføring av et statlig segl viste seg å være en utmerket måte å bekjempe uvitenheten og arrogansen til modernistiske malere. «Funny kills», sier franskmennene, og det er trygt å si at «Excessivists» som «Independents» eller våre «Triangles» kan bli fullstendig avkreftet på denne måten i publikums øyne, som de lurer med kunsten sin. Montmartre Aliboron rørte ikke bare uvitende franske kunstnere med halen: historien om Boronalis maleri har allerede spredt seg over hele Europa ...

Ja, hva kan noen overdrevne protestere mot nå? Hvor mye er verkene deres verdt når et esel ikke trekker med halen verre enn dem? For en strålende konkurranse de hadde!

Fra redaksjonen til "Favoritter"

Society of Independent Artists (fransk: Société des Artistes Indépendants) er en sammenslutning av kunstnere opprettet i Paris 29. juli 1884. Blant gründerne er Albert Dubois-Pillet, Odilon Redon, Georges Seurat og Paul Signac.

I Frankrike på den tiden var det mange kunstnere som ikke hadde noen mulighet til å stille ut maleriene sine, og derfor oppnår anerkjennelse og tjener til livets opphold. Disse var opposisjonelle av alle slag, forskjellige typer upålitelige mennesker, så vel som ganske enkelt kunstnere og skulptører, hvis arbeid ikke nøt støtte fra Royal Academy.

Antallet vanærede skapere og kunstverk som ble avvist av parisiske salonger vokste hvert år - kunstnere måtte organisere seg. Så i 1884 ble gruppen av uavhengige kunstnere dannet. Samme år fikk de tillatelse fra myndighetene til å holde sin første utstilling. Fra 15. mai til 15. juni 1884 så besøkende mer enn 5000 samtidsmalerier av mer enn 400 kunstnere. Utstillingen vakte enorm interesse og de mest kontroversielle reaksjonene i samfunnet – fra tilbedelse til hat.

I 1920 overtok Salon of Independents Pariseren Det store palasset. The Independents eksisterer fortsatt og holder jevnlig utstillinger. I forskjellige tider Marc Chagall, Malevich, Wassily Kandinsky, Henri Matisse, Vincent van Gogh osv. stilte ut i salongen. og mange andre.

Unødvendig å si, til å begynne med forårsaket "Uavhengige" en forferdelig allergi hos det "fornuftige" kunstkritikk", og rett og slett fra respektable borgere.

Den russiske kunstforeningen "Donkey's Tail", opprettet i 1912, er en av de mest kjente. Navnet på samfunnet ble gitt av et maleri utstilt i Paris, malt med halen til et esel. Denne organisasjonen, som fikk skandaløs berømmelse, inkluderte kunstnere med lignende synspunkter og opptatt av avantgardebevegelsen innen kunst. Siden oppstarten har Donkey's Tail vært sentrum for oppmerksomheten. Til tross for sin popularitet og raske vekst, et år etter grunnleggelsen, i 1913, sluttet imidlertid dette fellesskapet av kunstnere å eksistere.

Deltakere av "Donkey's Tail"

Kunstnerne inkludert i samfunnet gikk inn for foreningen av den europeiske malerskolen med den russiske folketradisjonen. Antikke malerier av Donkey Tail-deltakere fra tidlig på 1910-tallet er utført i en bevisst primitiv stil. De ligner lubok, etno-primitivisme - og alt dette er kombinert med avantgarde.

I tillegg til arrangørene av Donkey's Tail, Mikhail Larionov og Natalia Goncharova, inkluderte foreningen mange andre artister. Blant dem er V. Bart, K. Malevich, V. Tatlin, A. Shevchenko. Til tross for populariteten til "Donkey's Tail", begynte gradvis mange deltakere å bevege seg bort fra retningen valgt av foreningen, og ønsket å prøve seg på andre sjangre og stiler - dette var årsaken til kollapsen av samfunnet.

Merknad fra en antikvitetsekspert

I dag er verkene laget av medlemmene av denne foreningen spesielt populære på markedet. Samlingen til Old Petersburg-salongen inviterer besøkende til å bli kjent med en rik samling av gamle malerier. Ekspertene våre vil vurdere dine antikviteter gratis, både over telefon og online.