Hva er uvanlig i maleriet av Claude Monet Maquis. "Poppy Field" er en installasjon inspirert av maleriene til Claude Monet. Hvorfor malte ikke Monet himmelen?
Originaltittel: Poppies at Argenteuil
Opprettelsesår: 1873
Musee d'Orsay, Paris.
Oscar Claude Monet (14. november 1840 – 5. desember 1926) var en fransk maler, en av impresjonismens grunnleggere.
Field of Poppies (1873), utstilt på den første impresjonistiske utstillingen, skildrer Monets kone Camille og sønnen deres Jean i et felt nær hjemmet deres i Argenteuil. Som i mange andre verk av Monet er Camille malt med en paraply i hendene, og de grasiøse konturene gir maleriet en spesiell sjarm. For å formidle en følelse av bevegelse, la Monet til et andre par figurer (også basert på Camille og Jean) på toppen av bakken. De er forbundet med figurene i forgrunnen med en knapt merkbar sti som går gjennom gresset. Monet malte "Field of Poppies" en plein air, på et lite bærbart lerret. Selv om maleriet formidler en naturlig, spontan følelse, er det nøye komponert. Dette kommer ikke bare til uttrykk i det faktum at kunstneren gjentok figurene to ganger på den, men også i valget av vinkel, som er satt på en slik måte at de lyse valmuene som fyller venstre side av komposisjonen er plassert diagonalt, langs hvilken Camille og Jean går, som om de forlater bildet. Den rike fargen og bevegelsen som fyller dette området av maleriet er i forsiktig kontrast med de rolige tonene i øvre høyre kant av lerretet, der terrakottataket på huset dyktig forbinder bakgrunnen med komposisjonens forgrunn.
Beskrivelse av maleriet av Claude Monet "Poppies" (At Argenteuil)
Monets verk "Poppies", dets andre navn "Field of Poppies at Argenteuil", ble malt av kunstneren i 1873. Landskapet til valmuefeltet som er avbildet på bildet, med en liten rygg av trær, som om det skiller himmelen fra jorden, gir først følelsen av et enkelt plot. Men ser du dypere inn i bildet, skjønner du at førsteinntrykket var villedende.
Bildet kan figurativt deles inn i fire seksjoner med to vinkelrette linjer. Den horisontale linjen, som om den er grovt og tydelig skissert, kutter den litt synlige, virtuelle vertikale linjen. Huset som er avbildet på lerretet er et slags skjæringspunkt mellom to linjer, som forbinder komposisjonen til en helhet.
Bildet er bemerkelsesverdig for sin semantiske og sensoriske belastning, vist av silhuettene av kvinner med barn som ligger på toppen av bakken og dens skråning. Kvinnen og gutten vi ser i forgrunnen av bildet er ingen ringere enn kunstnerens kone og sønn. Uvanlig komposisjon gir en illusorisk visjon av et bilde i et bilde. Det gjentatte bildet av silhuetter gir følelsen av at kvinner og barn beveger seg langs en umerkelig sti. Treet som reiser seg over bakken øker fylden og betydningen av denne delen av arbeidet.
Den høyre, nesten fargeløse delen står i kontrast mot bakgrunnen til et blomstrende valmuefelt og er bakgrunnen for den kvinnelige silhuetten som er avbildet i skjæringspunktet mellom tilstøtende områder av bildet.
Med bare noen få penselstrøk skisserte kunstneren himmelen. Deler av lerretet uberørt av maling viser forfatterens motvilje mot å fokusere oppmerksomheten på den øvre delen av lerretet.
Til sammen oppfattes bildet som en forpliktelse til jordiske verdier som er av største betydning. For å løse problemet satt for seg selv, brukte kunstneren alle mulighetene som var tilgjengelige for ham for å formidle sin visjon om historien til bildet.
Den store franske impresjonistiske maleren Claude Monet ( Oscar-Claude Coin), (1840-1926) elsket å male blomster. Han malte blomster hele livet, i ulike perioder kreativitet. Oftere hage og markblomster, sjeldnere - avskårne blomster i vaser.
Blomster var hans lidenskap. Monet sa at han mest av alt i livet elsker to ting: maling og hagearbeid. Derfor opplevde han størst glede når han avbildet blomster i sine malerier.
Han malte alltid til og med familiemedlemmene sine omgitt av blomster, og understreket dermed hans oppriktige kjærlighet til dem.
"Kanskje det var takket være blomster at jeg ble kunstner," sa Claude Monet om seg selv.
Et av Claude Monets tidlige verk, "Women in the Garden", 1866-1867, Orsay Museum, Paris.
Figurene til kvinner er avbildet på dette lerretet på en veldig stilisert måte. Kunstneren legger all vekt på lys- og skyggespillet, på løvet til trær og blomster. Monet leter fortsatt etter sin egen stil; det er fortsatt fem år igjen før den offisielle datoen for impresjonismens fødsel.
Modellen for alle tre kvinnene var 19 år gamle Camille Doncier, den fremtidige kona til Claude Monet.
Lerretet er veldig stort, dimensjonene er 2,05 x 2,55 m.
Kunstneren hadde til hensikt å stille ut dette maleriet på Paris-salongen i 1967, men juryen avviste ham.
På slutten av Claude Monets liv, da han allerede var en anerkjent og kjent mester, kjøpte den franske regjeringen maleriet "Kvinner i hagen" fra kunstneren i 1921 for 200 tusen franc.
Saint Andresse
| "Terrasse ved Sainte-Andresse", ca. 1867, Metropolitan Museum of Art, New York. Dette maleriet viser kunstnerens familie, som bodde i den lille havnebyen Saint-Andresse nær Le Havre på kysten av Normandie. Monets far og hans tante Madame Lecadre sitter i lenestoler. Monets fjerne slektning Jeanne-Margarita står ved rekkverket sammen med en ung mann. Du kan si at det er en familiescene satt opp mot et sjølandskap. Men se hvordan blomstene i forgrunnen av bildet er tegnet! Hvor vellykket Monet formidlet teksturen til farger og spill av lys og skygger. |
 |
| "Hage i blomst ved Sainte-Andresse", ca. 1866, Orsay-museet, Paris. |  |
| "Adolphe Monet leser i hagen til Le Coteaux i Saint-Andresse", ca. 1866 |  |
| "Lady in the Garden", 1867, State Hermitage Museum, St. Petersburg. Maleriet viser Claude Monets fjerne slektning Jeanne-Marguerite Lecadre i hagen ved Sainte-Andresse. |
 |
Argenteuil, 1872 - 1977
Claude Monet ønsket alltid å ha sin egen hage, hvor han kunne jobbe fredelig utendørs.
På slutten av 1871 bosatte Claude Monet og hans familie seg i Argenteuil. Da var det en liten ferieby i nærheten av Paris, 12 km fra sentrum, som ligger ved Seines pittoreske bredder. Argenteuil er nå en del av Stor-Paris. I Argenteuil hadde Monet sitt eget hus og sin første hage. Det virker for meg som det var i Argenteuil de ble skapt beste malerier Claude Monet. Dette var den lyseste perioden i arbeidet hans. Monets malerier er generelt lette, men det er i Argenteuil at lerretene hans rett og slett gløder av glede. Tilsynelatende var disse de fleste glade år livet hans. Nesten alle maleriene malt i Argenteuil skildrer Camille, Claude Monets elskede første kone.
I disse årene var Argenteuil et yndet feriested for parisiske seilregattaer. Førte til Argenteuil jernbane, å komme dit fra Paris var raskt og enkelt. Ikke bare Monet, men også andre impresjonistiske kunstnere Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte malte landskapene sine i Argenteuil.
| Kunstnerens venn Renoir fanget ham på jobb i Argenteuil, og takket være dette kan vi se hvordan Claude Monets hage var og hvordan han malte en plein air. Pierre Auguste Renoir "Monet-maleri i hagen hans i Argenteuil", 1873 |
 |
| Og Edouard Manet malte et familieportrett av kunstneren på bakgrunn av en blomstrende hage. Edouard Manet "Monets familie i hagen deres på Argenteuil", 1874, Metropolitan Museum of Art, New York. Maleriet viser Claude Monet som passer blomster, kona Camille og sønnen Jean. Hage, blomster og høner. Om 10 år vil Claude Monet ha alt dette i Giverny. |
 |
| Pierre Auguste Renoir "Madame Monet og hennes sønn", 1974. Nasjonalgalleriet, Washington. Camille Monet og sønnen Jean. Dette maleriet ble oppbevart i samlingen til Claude Monet i Giverny. Kunstnerens yngste sønn Michel Monet solgte den i 1952 under en periode med fullstendig ødeleggelse i Giverny. Etter flere videresalg etter den siste eierens vilje i 1970, kom dette maleriet inn i National Gallery i Washington. |
 |
| "Kunstnerens hus i Argenteuil", 1873. Art Institute, Chicago. |  |
| "Monets hage ved Argenteuil", 1873 |  |
| "Hus i Argenteuil", 1873, Old National Gallery, Berlin. Om sommeren ble Argenteuil bokstavelig talt begravet i blomster. |
 |
| "Blomster på elvebredden ved Argenteuil", 1877, Pola Museum of Art, Hakone, Japan. Seinen i Argenteuil er veldig pittoresk, på dette stedet danner den en vakker sving. Claude Monet var fascinert av elven og naturen i Argenteuil, han jobbet entusiastisk her i friluft. |
 |
| "Camille Monet på en benk i hagen." 1873 Metropolitan Museum of Art, New York. Som alltid, en hage, og som alltid, blomster. |
 |
| "Jean Monet på en hestesykkel." 1872 Metropolitan Museum of Art, New York. Selv da han malte et portrett av sønnen sin, glemte ikke Claude Monet blomster. Han foretrakk å fange alle viktige hendelser i livet sitt på lerretene sine mot en bakgrunn av blomster. |
 |
| "I engen", 1876 Lerretet viser kunstnerens kone Camille Monet som leser en bok på en eng, omgitt av engblomster. |
 |
| "Epletrær i blomst", 1873. Utrolig! |
 |
| "Kunstnerens familie i hagen", 1875 |  |
| "I hagen", 1875 Dette maleriet viser tilsynelatende det samme hjørnet av hagen som det forrige, bare noen måneder senere - på høsten. |
 |
| "Woman with an Paraply" ("Walking: Camille Monet med sønnen Jean"), 1875, National Gallery of Art, Washington. |  |
| "Camille Monet med sønnen", 1875, Museum kunst, Boston, USA. |  |
| "Garden Corner at Montgeron", ca. 1876, Statens eremitagemuseum, St. Petersburg. Montgeron er en liten by i forstedene til Paris, som ligger 18,5 km sørøst for sentrum. Nå er det en av de sørøstlige forstedene til Paris. |
 |
 "Kvinne med en paraply i en hage ved Argenteuil", 1875. |
 "Gå, Argenteuil", 1875. |
 "Walk in Argenteuil", 1875, Musée Marmottan-Monet, Paris. |
 "Hage", 1872. |
 "Camille Monet i hagen", 1873. |
 "Camille Monet ved vinduet. Argenteuil", 1873. |
 "Seinebanken nær broen ved Argenteuil", 1874. |
 "Camille og Jean Monet i hagen ved Argenteuil", 1873. |
 "Camille Monet i hagen til huset hennes i Argenteuil", 1876, Metropolitan Museum of Art, New York. |
"Gladioli" OK. 1876. Institute of Arts, Detroit, USA. |
 "Jenter i hagen", 1875, Nasjonalgalleriet i Praha. |
 "Camilla med en grønn paraply", 1876. |
 "Hageport ved Vétheuil", 1876. |
 "Hage", 1876. |
 "Hage, Mallows", 1877. |
En veldig interessant serie "Lilac". Sammenligne:
Valmuefelt
En av de mest kjent maleri Claude Monets "Field of Poppies" (1873, Orsay Museum, Paris) ble malt i Argenteuil, ikke langt fra kunstnerens hjem. Maleriet viser Monets kone Camille og sønnen Jean. Antagelig fungerte også hans kone og sønn som modeller for figurene til damen med barnet i bakgrunnen.
Se hvor uttrykksfullt kunstneren malte skarlagensvalmuer og gule ranunkler. Camille og Jean er bokstavelig talt begravet i valmuer, og danner fullstendig harmoni med solens natur sommerdag.
Monet valgte en veldig god vinkel for maleriet sitt - skarlagensvalmuer er plassert i nedre venstre del av bildet, diagonalt langs som Camille og Jean går. Det føles som om valmuene strekker seg utover lerretet.
Valmuefelt fascinerte Monet. Han kom tilbake til dem flere ganger i arbeidet sitt. Han ble tiltrukket av kontrasten mellom røde valmuer og grønt gress.
"Sommer. Valmuemark", 1875, privat samling.
"Valmuefelt nær Vetheuil" 1879.
"Valmuefelt i et hul nær Giverny", 1885. Museum of Fine Arts, Boston.
"Valmuefelt", ca 1890. State Hermitage Museum, St. Petersburg.
"Havrefelt med valmuer", 1890. Museum samtidskunst, Strasbourg.
"Valmuefelt på Giverny." 1890-1891 Art Institute, Chicago.
"Felt med røde valmuer nær Giverny", 1895. Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, USA.
Tulipanfelt
Claude Monet besøkte Holland flere ganger. Og selvfølgelig kunne jeg ikke forbli likegyldig til tulipaner. Han laget en serie malerier som skildrer hovedattraksjonene i Holland - tulipanfelt og vindmøller.
"Tulip Fields at Sassenheim, nær Leiden", 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, USA.
"Tulipanmarker og vindmøller i Rheinsburg", 1886, privat samling.
"Tulipanmarker i Holland", 1886. Orsay-museet, Paris.
"Tulipanmark i Holland." 1886, Musée Marmottan-Monet, Paris.
Vetheuil, 1879 - 1881
"Kunstnerens hage ved Vétheuil", 1880. Nasjonalgalleriet, Washington.
I 1879 flyttet Monets familie til Vétheuil, en liten landsby ved bredden av Seinen 65 km nordvest for Paris. Her fikk Claude Monet sin andre sønn, Michel, men dessverre døde hans første kone Camille snart.
Monet-familien bodde i Vétheuil til 1881.
Claude Monet møter familien til Alice Hoschedé, som han allerede hadde kjent i flere år. De bor sammen, og Alice ble senere hans andre kone. Men i maleriene til Claude Monet er Alice Goschede, i motsetning til Camille, svært sjelden. Døtrene hennes, Claude Monets stedøtre, fungerte som modeller for kunstnerens malerier.
 "Blomster på bredden av Seinen nær Vétheuil", 1880. |
 "Alice Goshede i hagen", 1881. Fremtidig andre kone til Claude Monet. |
 "Trapp ved Vétheuil", 1881. |
 "The Island of Flowers near Vetheuil", 1880, Metropolitan Museum of Art, New York. |
 "Blomster i Vétheuil", 1881. |
 "Blomster i Vétheuil", 1881. |
Blomster i en vase
Mest av alt elsket Claude Monet hage og ville blomster, men noen ganger malte han også stilleben og buketter med avskårne blomster.
"Vårblomster", 1864. Hvor maleriet befinner seg er foreløpig ukjent.
Selvfølgelig er det fortsatt vanskelig å gjenkjenne den fremtidige store impresjonistiske kunstneren i dette maleriet.
"Krysantemum", 1878. Orsay-museet, Paris.
"Bukett av malva", 1880.
"Solsikker", 1881. Metropolitan Museum of Art, New York.
"Krysantemum" 1882. Metropolitan Museum of Art, New York.
"Lilla valmuer", 1883. Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Nederland.
"Anemoner", ca. 1885, privat samling.
"To vaser med krysantemum." 1888, privat samling.
Giverny 1883 - 1926
I 1883 flyttet Claude Monets familie til Giverny. Dette er en liten landsby i et pittoresk område ved bredden av elven Epte, ved dens samløp med Seinen, omtrent 80 km fra Paris. Claude Monet vil bo i Giverny resten av livet.
På dette tidspunktet var han allerede blitt det kjent kunstner og en ganske rik person. I 1890 kunne han kjøpe huset i Giverny der familien hans bodde. Han utstyrte et romslig verksted i huset.
Claude Monet utvidet hagen sin betydelig og bygde en dam i den, vannet som kom fra en spesiell vanninntakstank bygget ved elven Epte.
I disse årene ble Claude Monet interessert i japansk kultur, japanske trykk, spesielt trykk av den store japanske kunstneren Hokusai.
For å ta vare på hagen hyret Monet en japansk gartner som hjalp ham med å ordne hagen i japansk stil. Monet var selv direkte involvert i planleggingen av hagen. Kunstneren abonnerte på magasinet Revue horticole (Gardening Magazine) og bestilte planter og blomster fra forskjellige land fred.
Det var denne hagen som ble hovedkjærlighet V siste årene livet til en kunstner. Han jobbet i det, han skrev det i alle former, fra forskjellige punkter, til forskjellige tider av dagen. Hagen ble hovedinspirasjonskilden for kunstneren.
Monet dyrket forskjellige blomster i hagen, vannliljer vokste i dammen, og den berømte "japanske broen" ble kastet over dammen. Han kunne bruke timevis på å beundre hagen sin og se på de minste endringer belysning, vær.
Høsten 1899 begynte Claude Monet å male sin berømte "Water Lilies"-serie, som han jobbet med til slutten av sine dager.
Claude Monet i hagen sin med en dam av vannliljer i bakgrunnen, 1905.
Claude Monet i hagen sin, ca. 1917 Foto: Etienne Clementel.
Bildene ser litt "fargede" og uskarpe ut, siden dette var stereoskopiske fotografier, måtte de sees gjennom spesielle fargede briller, så ville bildet bli tredimensjonalt.
Claude Monet (til høyre) i hagen hans på Giverny. 1922 Foto fra The New York Times arkiv.
Den berømte dammen med vannliljer og den japanske broen.
I de første lerretene i serien "Vannliljer" avbildet Claude Monet en dam med en japansk bro, på bakgrunn av frodig hagevegetasjon.
I nyere arbeider, som viser en dam med vannliljer, forvrengte han alt bevisst aksepterte regler perspektiv, forlot horisontlinjen og malte bare vann med vannliljer. Vannliljer som flyter på vannet blir ofte avskåret av kantene på lerretet, og skaper inntrykk av at den virkelige dammen er noe større enn det som er avbildet i maleriet.
Denne serien med "Vannliljer" inneholder over 60 malerier.
| "Vannliljer." 1906 Art Institute, Chicago. |  |
| "Vannliljer", 1916. Nasjonalmuseet for vestlig kunst, Tokyo. Dette enorme lerretet på 2 meter er et av de mest uttrykksfulle i "Vannliljer"-serien. Rosa og gule øyer med vannliljer ligger på den mørkeblå, mørkegrønne og jevne lilla overflaten av dammen. Bildet er alt i bevegelse, vi ser de sammenflettede røttene til vannliljer. Vannliljeblomstene selv stikker bokstavelig talt over vannoverflaten. Claude Monet følte naturen veldig subtilt og kunne formidle alle dens finesser og fargetoner på lerretene sine. |
|
| "Vannliljer." 1920-26 Orangerie-museet, Paris. |
 |
I 1980 ble Claude Monets hus og hage i Giverny åpnet for publikum. Nå er dette et av de mest favorittmuseene blant turister i forstedene til Paris.
Claude Monet. Valmuer. 1773 Musée d'Orsay, Paris
"Maki", en av de mest kjente verk Claude Monet, jeg så i . Men da så jeg ikke ordentlig på det. Som fan ble jeg rett og slett imponert over alle mesterverkene som er i dette museet!
Senere så jeg selvfølgelig skikkelig på "Valmuer". Og jeg oppdaget at jeg ikke en gang hadde lagt merke til flere på museet interessante detaljer. Hvis du ser nærmere på bildet, har du sannsynligvis minst tre spørsmål:
- Hvorfor er valmuer som dette? store størrelser?
- Hvorfor avbildet Monet to nesten identiske figurpar?
- Hvorfor tegnet ikke kunstneren himmelen på bildet?
Jeg vil svare på disse spørsmålene i rekkefølge.
1. Hvorfor er valmuer så store?
Valmuer er avbildet veldig store. De fleste av dem er like store som hodet til det avbildede barnet. Og hvis du tar valmuene fra bakgrunnen og bringer dem nærmere figurene i forgrunnen, vil de være helt større enn hodene til både barnet og kvinnen som er avbildet. Hvorfor slik uvirkelighet?
Etter min mening økte Monet bevisst størrelsen på valmuene: På denne måten valgte han nok en gang å formidle et levende visuelt inntrykk i stedet for realismen til de avbildede objektene.
Her kan det for øvrig trekkes en parallell med hans teknikk med å avbilde vannliljer i hans senere arbeider.
For klarhet, se på fragmenter av malerier med vannliljer forskjellige år(1899-1926). Det øverste verket er det tidligste (1899), det nederste er det siste (1926). Åpenbart, over tid, ble vannliljer mer og mer abstrakte og mindre detaljerte.
Tilsynelatende er "Valmuer" bare en varsler om abstraksjonismens overvekt i Monets senere malerier.
Malerier av Claude Monet. 1. Øverst til venstre: Vannliljer. 1899 g. Privat samling. 2. Øverst til høyre: Vannliljer. 1908 g. Privat samling. 3. Midten: Dam med vannliljer. 1919 Metropolitan Museum of Art, New York. 4. Nederst: Liljer. 1926 Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City.
2. Hvorfor er det to par like figurer på bildet?
Det viser seg at det også var viktig for Monet å vise bevegelse i maleriet sitt. Han oppnådde det på en uvanlig måte, som viser en knapt synlig sti på en høyde blant blomster, som om den ble tråkket mellom to par figurer.
På bunnen av bakken med valmuer er kona Camille og sønnen Jean. Camilla er tradisjonelt avbildet med en grønn paraply, akkurat som i maleriet «Kvinne med en paraply».
Oppe i bakken står nok et par av en kvinne og et barn, som Camilla og sønnen mest sannsynlig også stilte for. Det er derfor de to parene er så like.
Claude Monet. Valmuer. Fragment. 1873 Musee D'Orsay, Paris. Dette paret med figurer på bakken er avbildet kanskje utelukkende for den visuelle effekten av bevegelse som Monet så etterstrebet.
3. Hvorfor malte ikke Monet himmelen?
Et annet bemerkelsesverdig poeng i: legg merke til hvor dårlig himmelen er tegnet, helt ned til de nakne områdene på lerretet som er igjen.
Claude Monet. Valmuer. Fragment. 1873 Field of Poppies (1873), presentert på den første impresjonistiske utstillingen, skildrer Monets kone Camille og sønnen deres Jean i et felt nær hjemmet deres i Argenteuil. Som i mange andre verk av Monet er Camille malt med en paraply i hendene, og dens grasiøse konturer gir maleriet en spesiell sjarm. Monet malte "Field of Poppies" en plein air, på et lite bærbart lerret. Selv om maleriet formidler en naturlig, spontan følelse, er det nøye komponert. Dette kommer ikke bare til uttrykk i det faktum at kunstneren gjentok figurene to ganger på den, men også i valget av vinkel, som er satt på en slik måte at de lyse valmuene som fyller venstre side av komposisjonen er plassert diagonalt, langs hvilken Camille og Jean går, som om de forlater bildet. Den rike fargen og bevegelsen som fyller dette området av maleriet er i forsiktig kontrast med de rolige tonene i øvre høyre kant av lerretet, der terrakottataket på huset dyktig forbinder bakgrunnen med komposisjonens forgrunn.
Lidenskap for blomster
Gjennom hele livet var Monet veldig glad i å male blomster - ville blomster, hage- eller snittblomster, de er konstant tilstede i landskapene hans.Monet innrømmet en gang at de to største lidenskapene i livet hans var maling og hagearbeid. Da han malte blomster, ble begge disse lidenskapene kombinert. I Field of Poppies, som i mange av hans andre malerier, nyter Monet ville, livlige blomster. Flere vakre stilleben av snittblomster av Monet er kjent, men mest av alt elsket han å male blomstene som vokste i hagen hans, først i Argenteuil og senere i Giverny. I 1871 flyttet Monet med familien til Argenteuil for å finne sitt første hjem og sin første hage. Imidlertid var hovedlidenskapen i kunstnerens liv hagen hans i Giverny. Monet valgte ut blomster til hagen sin slik at de ble arrangert i en bestemt rekkefølge, var kontrasterende i farger og blomstret hele året. Han plantet mange uvanlige blomster i hagen sin. Monets lidenskap for blomster ble delt av mange andre impresjonistiske artister, spesielt Gustave Caillebotte. "Sørg for å komme på mandag, som avtalt," skrev jeg til venninnen min Mona. "Alle irisene mine vil blomstre."
Besettelse av lys og farger
Monets besettelse av lys og farger resulterte i mange års forskning og eksperimentering, hvor målet var å fange naturens flyktige, unnvikende nyanser på lerret.MONETS MALERIER fødte en ny bevegelse innen maleriet - impresjonisme, og Monet selv er anerkjent som den største og mest typiske representanten for denne bevegelsen. Gjennom sitt lange liv fulgte Monet jevnlig impresjonismens grunnleggende regler - å fange scener på lerret moderne liv(for Monet er dette landskap) og arbeid utendørs.
ARBEID I PLEIN AIR Praksisen med en kunstner som arbeider i friluft (plein air) var ikke noe helt nytt. Tilbake på begynnelsen av 1800-tallet engelsk kunstner John Constable malte ofte sine skisser og studier i oljer i naturen. I 1840, etter hans eksempel, en gruppe franske kunstnere samlet i landsbyen Barbizon nær skogen Fontainebleau med mål om å male landskap som skulle skildre «ekte natur». Camille Corot, som ble høyt ansett av mange impresjonister for sitt uidealiserte syn på naturen, malte også i oljer en plein air, og oppfordret kunstnere til å "følge ditt første inntrykk."
De fleste viktig rolle Monets utvikling som kunstner ble påvirket av hans ungdomsvennskap med landskapsmaleren Eugene Boudin, som spesialiserte seg på små, luftige kystlandskap som han skapte i friluft. Bodin insisterte på at Monet ble med ham under en av disse øktene i Le Havre. "Plutselig falt skjellene fra øynene mine," skrev Monet senere.
Der, i Le Havre, møtte Monet nederlandsk kunstner Johan Barthold Jonkind, som forsøkte å formidle de mest delikate nyanser av luft og stemning i sine sjølandskaper. Monet sa senere om ham: "Han var mannen som endelig utviklet synet mitt."
HVA ØYET EGENTLIG SER Monet lærte at et maleri malt utendørs har en unik friskhet og vitalitet som ikke kan oppnås ved å jobbe i et studio, hvor kunstneren har en forutinntatt idé om verket han skal lage. Rådene Monet ga kunstnere avslører tydelig hans egen tilnærming til maleri: «Prøv å glemme det du ser foran deg - et tre, et hus, en åker, hva som helst. Bare tenk at på dette stedet er det en liten blå firkant, det er en langstrakt rosa figur, og fortsett til du har et naivt inntrykk av bildet som er foran øynene dine.» Dermed er et inntrykk en visuell impuls skapt av det som sees i det aktuelle øyeblikket.
EN REVOLUSJONÆR IDÉ For alle impresjonistene, og for Monet spesielt, var kunstens hovedmål å fange et unnvikende, flyktig inntrykk. På den tiden virket en slik idé revolusjonerende og sjokkerte ikke mindre enn Courbets åpenlyse realisme i NYE TEKNIKK For å nå sine mål, trengte kunstneren nye tekniske skriveteknikker. Spesielt Monet utviklet sin egen maleteknikk, og brukte brede, grove strøk, dristige spredte prikker, streker, sikksakk og tykke strøk på lerretet med en kort pensel. Monet jobbet samtidig over hele rommet i maleriet, og mente, som han senere sa, at "det første laget med maling skulle dekke så mye av lerretet som mulig, uansett hvor grovt det påføres."
Monet brukte farger på en helt ny og revolusjonerende måte, uten tvil inspirert av Eugene Chevreuls oppdagelser om metoden for visuell persepsjon. Chevreul beviste at tilstøtende primærfarger på fargehjulet mykner hverandre, og størst kontrast oppnås når tilstøtende ekstra farger. Hans andre viktige oppdagelse var at farge ikke er en iboende egenskap til objekter. Farge er ganske enkelt måten lys blandes på når det reflekteres fra overflaten til et objekt. Som sine andre impresjonister brukte Monet vanligvis en begrenset palett, og foretrakk ren, blandede farger og maling på lerreter tidligere belagt med hvit eller kremgrunning, noe som gjorde de påførte fargene lysere og lysere.
En annen viktig oppdagelse som påvirket kunstnernes visjon var fotografering. I fotografier av den tiden oppfattes bevegelige objekter som uskarpe flekker, og bare stasjonære objekter har klare konturer. Denne effekten gjenspeiles tydelig i de maurlignende figurene til mennesker som vi ser i Monets maleri "Boulevard des Capucines" (1873).
ENDRE EMNE PÅ BILDET
Det er veldig interessant å spore hvordan Monets holdning til gjenstandene han avbildet endret seg i løpet av hans lange liv. Til tross for at han hele tiden ble absorbert i lysets spill, skildret Monet i sine tidlige malerier oftest menneskelige figurer malt på en kjent måte mot bakgrunnen av et landskap.
Men nærmere 1880-tallet begynte Monet å bli stadig mer tiltrukket av naturen i sin reneste form. Hvis figurer eller livløse gjenstander dukker opp i malerier fra denne perioden, spiller de vanligvis en birolle og forsvinner i bakgrunnen.
MALERISERIE
Til tross for at kunstnere til enhver tid skapte en serie skisser av samme scene, var det før Monet ingen som malte det samme objektet flere ganger under forskjellig belysning og forskjellige værforhold. Monets malerier representerer hele serier som viser høystakker, poppel, katedralen i Rouen, utsikt over London fra Themsen og til slutt vannliljer.
Monets London-landskap, malt mellom 1899 og 1901, med sitt diffuse lys og diffuse farge, er virtuose, dramatiske kunstverk som sporer utviklingen av kunstnerens stil mot en nesten abstrakt måte. De viser kunstnerens gradvise fremgang mot objektet han vil male gjennom de resterende årene av livet, skaper hagene hans og gjør dem om til sjeldne kunstverk.
Fra omtrent 1905 til slutten av livet konsentrerte Monet seg helt om vannliljer. Disse maleriene, der koppene med vannliljer bokstavelig talt materialiserer seg på overflaten av vann som ikke har noen horisontlinje, ble studier som fanget den endeløse og unike variasjonen av farger og lys. Faktisk trosser disse seriene med malerier, som ethvert briljant kunstverk, forklaring. Dette er verkene til en poet som har en skarp sans for naturen og er i stand til å formidle dens skjønnhet i maleriet sitt.
Laster inn...
