Malerier i stil med impresjonisme!!! Hva er forskjellen mellom russisk impresjonisme i maleri og fransk? Moderne impresjonistiske malerier
Uttrykket "russisk impresjonisme" for bare et år siden skar øret til den gjennomsnittlige borgeren i vårt enorme land. Enhver utdannet person vet om den lette, lyse og hissige franske impresjonismen, kan skille Monet fra Manet og gjenkjenne Van Goghs solsikker fra alle stilleben. Noen hørte noe om den amerikanske grenen av utviklingen av denne retningen av maleri - mer urban sammenlignet med det franske landskapet til Hassam og portretter av Chase. Men forskere krangler om eksistensen av russisk impresjonisme til i dag.
Konstantin Korovin
Historien til russisk impresjonisme begynte med maleriet "Portrait of a chorus girl" av Konstantin Korovin, samt med misforståelser og fordømmelse av publikum. Da jeg først så dette verket, trodde ikke I. E. Repin umiddelbart at arbeidet var utført av en russisk maler: «Spanier! Jeg skjønner. Frimodig, saftig skriver. Herlig. Men det er bare å male for malingens skyld. Spanjolen, men med temperament ... ". Konstantin Alekseevich begynte selv å male sine lerreter på en impresjonistisk måte allerede i studieårene, og var ukjent med maleriene til Cezanne, Monet og Renoir, lenge før reisen til Frankrike. Bare takket være Polenovs erfarne øye fikk Korovin vite at han brukte teknikken til datidens franskmenn, som han kom til intuitivt. Samtidig får den russiske kunstneren motivene som han bruker til sine malerier - det anerkjente mesterverket "Northern Idyll", skrevet i 1892 og lagret i Tretyakov-galleriet, viser oss Korovins kjærlighet til russiske tradisjoner og folklore. Denne kjærligheten ble innpodet i kunstneren av "Mammoth Circle" - et samfunn av kreativ intelligentsia, som inkluderte Repin, Polenov, Vasnetsov, Vrubel og mange andre venner av den berømte filantropen Savva Mamontov. I Abramtsevo, hvor Mamontovs eiendom lå og hvor medlemmer av kunstkretsen samlet seg, var Korovin så heldig å møte og jobbe med Valentin Serov. Takket være dette bekjentskapet fikk arbeidet til den allerede dyktige kunstneren Serov funksjonene til lys, lys og heftig impresjonisme, som vi ser i et av hans tidlige verk - "Open Window. Syrin".
Portrett av en korjente, 1883
Nordlig idyll, 1886
Fuglekirsebær, 1912
Gurzuf 2, 1915
Pier i Gurzuf, 1914
Paris, 1933
Valentin Serov
Serovs maleri er gjennomsyret av et trekk som bare er iboende i russisk impresjonisme - maleriene hans gjenspeiler ikke bare inntrykket av det kunstneren så, men også tilstanden til hans sjel i dette øyeblikket. For eksempel, i maleriet "Markusplassen i Venezia", malt i Italia, hvor Serov dro til i 1887 på grunn av en alvorlig sykdom, dominerer kalde gråtoner, noe som gir oss en ide om kunstnerens tilstand. Men til tross for den ganske dystre paletten, er bildet et referanseimpresjonistisk verk, siden Serov klarte å fange virkelige verden i sin mobilitet og variasjon, for å formidle deres flyktige inntrykk. I et brev til sin brud fra Venezia skrev Serov: «In dette århundret de skriver alt tungt, ingenting oppmuntrende. Jeg vil, jeg vil ha det som er gledelig, og jeg vil bare skrive det som er gledelig.»
Åpent vindu. Syrin, 1886
Markusplassen i Venezia, 1887
Jente med fersken (Portrett av V. S. Mamontova)
Kroning. Bekreftelse av Nicholas II i Assumption Cathedral, 1896
Jente opplyst av solen, 1888
Bading av hest, 1905
Alexander Gerasimov
En av elevene til Korovin og Serov, som adopterte deres uttrykksfulle penselstrøk, lyse palett og etude-skrivestil, var Alexander Mikhailovich Gerasimov. Storhetstiden til kunstnerens arbeid kom på revolusjonens tid, noe som ikke kunne annet enn å gjenspeiles i plottene til maleriene hans. Til tross for at Gerasimov ga sin pensel til tjenesten for partiet og ble berømt for sine enestående portretter av Lenin og Stalin, fortsatte han å jobbe med impresjonistiske landskap som var nær hans sjel. Arbeidet til Alexander Mikhailovich "After the Rain" avslører for oss kunstneren som en mester i å formidle luft og lys i bildet, som Gerasimov skylder påvirkningen fra hans eminente mentorer.
Kunstnere på Stalins dacha, 1951
Stalin og Voroshilov i Kreml, 1950-tallet
Etter regnet. Våt terrasse, 1935
Stilleben. Feltbukett, 1952
Igor Grabar
I en samtale om sen russisk impresjonisme kan man ikke unngå å vende seg til arbeidet til den store kunstneren Igor Emmanuilovich Grabar, som tok i bruk mange av teknikkene til franske malere fra den andre. halvparten av XIXårhundre takket være hans mange reiser til Europa. Ved å bruke teknikkene til klassiske impresjonister, skildrer Grabar i sine malerier absolutt russiske landskapsmotiver og husholdningstomter. Mens Monet maler de blomstrende hagene i Giverny, og Degas maler vakre ballerinaer, skildrer Grabar det harde russiske vinter- og landsbylivet med de samme pastellfargene. Mest av alt likte Grabar å skildre frost på lerretene sine og dedikerte en hel samling verk til ham, bestående av mer enn hundre små flerfargede skisser laget i annen tid dager og i forskjellig vær. Vanskeligheten med å jobbe med slike tegninger var at malingen stivnet i kulda, så jeg måtte jobbe raskt. Men det er nettopp dette som tillot kunstneren å gjenskape "det øyeblikket" og formidle sitt inntrykk av det, som er hovedideen til klassisk impresjonisme. Ofte kalles Igor Emmanuilovichs malestil vitenskapelig impresjonisme, fordi han la stor vekt på lys og luft på lerreter og skapte mange studier om fargegjengivelse. Dessuten er det til ham vi skylder det kronologiske arrangementet av malerier i Tretjakovgalleriet, som han var direktør for i 1920-1925.
Bjørkegate, 1940
Vinterlandskap, 1954
Rimfrost, 1905
Pærer på en blå duk, 1915
Hjørne av eiendommen (Ray of the sun), 1901
Yuri Pimenov
Helt ikke-klassisk, men likevel utviklet impresjonisme i sovjettiden, fremtredende representant som blir Yuri Ivanovich Pimenov, som kom til bildet av "et flyktig inntrykk i pastellfarger" etter å ha jobbet i stil med ekspresjonisme. En av de mest kjente verk Pimenov blir maleriet «Nye Moskva» fra 1930-tallet – lett, varmt, som malt med Renoirs luftige strøk. Men samtidig er handlingen i dette verket fullstendig uforenlig med en av hovedideene til impresjonisme - avvisningen av bruken av sosiale og politiske temaer. "New Moscow" Pimenov reflekterer perfekt de sosiale endringene i byens liv, som alltid har inspirert kunstneren. "Pimenov elsker Moskva, det nye, dets folk. Maleren gir sjenerøst denne følelsen til betrakteren», skrev kunstneren og forsker Igor Dolgopolov i 1973. Og faktisk, når vi ser på maleriene til Yuri Ivanovich, er vi gjennomsyret av kjærlighet til det sovjetiske livet, nye kvartaler, lyrisk housewarming og urbanisme, fanget i impresjonismens teknikk.
Pimenovs arbeid beviser nok en gang at alt "russisk", hentet fra andre land, har sin egen spesielle og unike utviklingsvei. Likeledes fransk impresjonisme Det russiske imperiet og Sovjetunionen absorberte trekkene til det russiske verdensbildet, nasjonal karakter og livet. Impresjonismen, som en måte å formidle bare virkelighetsoppfatningen i sin rene form, forble fremmed for russisk kunst, fordi hvert maleri av russiske kunstnere er fylt med mening, bevissthet, tilstanden til den foranderlige russiske sjelen, og ikke bare et flyktig inntrykk . Derfor, neste helg, når Museet for russisk impresjonisme vil presentere hovedutstillingen for muskovitter og gjester i hovedstaden, vil alle finne noe for seg selv blant de sensuelle portrettene av Serov, Pimenovs urbanisme og landskap som er atypiske for Kustodiev.
Nye Moskva
Lyrisk innflytting, 1965
Garderobe Bolshoi teater, 1972
Tidlig morgen i Moskva, 1961
Paris. Rue Saint-Dominique. 1958
Stewardess, 1964
Kanskje for de fleste er navnene til Korovin, Serov, Gerasimov og Pimenov fortsatt ikke assosiert med en viss kunststil, men Museum of Russian Impressionism, som åpnet i mai 2016 i Moskva, samlet likevel verkene til disse kunstnerne under ett tak.
Det antas at kunst ikke har noen grenser. Likevel har folk bestemt seg for å dele kunstverkene inn i sjangre, der man kan bli forvirret ganske lett, fordi grensene for stiler er vilkårlige. I dag skal vi snakke om en av hovedtrendene i maleri - impresjonisme.
Fremveksten av impresjonismen
Impresjonisme som kunstsjanger oppsto i Frankrike på 1870-tallet. Opprinnelsen til denne stilen var skapelsen av maleriet av C. Monet "Impression. Sunrise" (1872). En journalist kalte kunstneren en impresjonist, men med en negativ klang. Men snart ble det glemt, og bildet ga opphav til en ny sjanger.
i 1874 holdt de impresjonistiske malerne sin første frittstående utstilling. Maleriene som er utstilt på den har blitt kritisert for deres mangel på mening, løshet og dårlig gjengivelse. Imidlertid stoppet ikke kunstnerne og fortsatte å organisere slike begivenheter, og erklærte kunsten deres.
Impresjonisme var et rent fransk fenomen. Kunstnere fra andre land var i stand til å ta i bruk noen funksjoner, men ikke i full utstrekning.
Det var impresjonistene som var de første som gikk bort fra de allment aksepterte standardene og mønstrene for akademisk skriving, og ga dermed en enorm drivkraft til utviklingen Kunst. De var dypt involvert i å forske på farger og nye skriveteknikker, som til slutt førte oss til dagens mangfold.
Det skal bemerkes at impresjonismen hadde en alvorlig innvirkning og inspirerte representanter for andre kunstområder med sin nyhet: skulptur, musikk og litteratur.
Hva handler impresjonistiske malerier om?
Impresjonismen fokuserer på bildet og inntrykket det gir til betrakteren. Impresjonistiske malerier skildrer oftest vanlige scener fra livet: byens mas eller landskap. Arbeidene deres gir seerne de flyktige inntrykkene som malerne selv opplever. Impresjonismen legger ikke merke til problemer eller negativitet, den viser bare de positive sidene ved livet.
Stort sett i maleriene kan du se scener som piknik, båtliv, dans, tedrikking, utendørs moro og andre livsgleder. Menneskene i maleriene var ikke frosne, men beveget, lekte, lo, oftest avbildet av impresjonistene. Bilder lar oss stupe inn i den levende virkeligheten fra tidligere århundrer, for å se hva slags miljø som er omgitt mennesker XIXårhundre.
Funksjoner av impresjonistiske malerier
Talentet til refleksjon på lerretet til et øyeblikkelig førsteinntrykk er hovedtrekket til alle kunstnere. De skapte alltid fra naturen, uten skisser, fanger og formidler den generelle stemningen. Impresjonistiske malerier har ikke en dyp mening eller skjult innhold, de skildrer hverdagen, men de gjør det ikke enkelt, men mesterlig. Når man ser på slike malerier, har betrakteren umiddelbart en viss tanke eller følelse, som forblir en stund etter visning.
En spesiell skrivestil ble utviklet av impresjonistene. Bildene malt av dem utmerker seg oftest av uklare linjer og separate streker.Faktum er at de formidlet alle fargene med et standard sett med maling, og dyktige streker. I sine arbeider ga de mye oppmerksomhet til spill av lys og skygger, og prøvde å skape kontrast. Veiledende i så henseende er maleriet av O. Renoir "Ball ved Moulin de la Galette" (1876).
Store impresjonister fra fortiden
Siden starten av bevegelsen har det vært mange kunstnere som jobbet i stil med impresjonisme, men svært få kan kalles virkelig store. Så de mest kjente impresjonistiske artistene er C. Monet, O. Renoir, A. Sisley og C. Pissarro. Generelt var impresjonisme som trend spesielt populær på slutten av 1800-tallet, det var da ekte mestere skapte.
Dette var begynnelsen, inspirasjonen for andre ikke mindre eminente artister- V. van Gogh, P. Cezanne, P. Gauguin. Disse kunstnerne ble grunnleggerne av postimpresjonismen, som gjorde det til sitt mål å forlate skildringen av det virkelige liv, overgangen til skildringen av dets grunnlag.
Moderne impresjonister
Tro ikke at retningen sluttet å eksistere etter sin storhetstid. Til nå er det kunstnere som velger impresjonisme for sitt arbeid.
Maleriene til moderne impresjonister forårsaker ikke mindre beundring enn fortidens lerreter. Til dags dato lager mange mestere i denne sjangeren, men tiden vil vise hvilken av dem som er mest verdig denne tittelen. Likevel er det flere kunstnere hvis lerreter er plassert som impresjonistiske malerier. Bilder av arbeidet deres er presentert nedenfor.
Ta for eksempel en artist som heter Kent R. Wallis. Lerretene hans utmerker seg med lyse, mettede farger, ved hjelp av disse skaper han storslåtte landskap.
Fascinerende er også maleriene til kunstneren I.J. Paproski (E.J. Paprocki).
I lerretene hans er blomster, blader og andre små elementer gjort veldig realistisk, mens resten av bakgrunnen er utført med strøk. Dette lar ham formidle skjønnheten i detaljene og samtidig det generelle førsteinntrykket som er karakteristisk for impresjonismen.
"En ny verden ble født da impresjonistene malte den"
Henri Kahnweiler
XIX århundre. Frankrike. Det utenkelige skjedde i maleriet. En gruppe unge kunstnere bestemte seg for å rokke ved den 500 år gamle tradisjonen. I stedet for en tydelig tegning brukte de et bredt «slurvete» penselstrøk.
Og de forlot helt de vanlige bildene, og skildrer alle på rad. Og damer med lett dyd, og herrer med tvilsomt rykte.
Publikum var ikke klar for impresjonistisk maleri. De ble latterliggjort og skjelt ut. Og viktigst av alt, de kjøpte ikke noe fra dem.
Men motstanden ble brutt. Og noen impresjonister levde for å se deres triumf. Riktignok var de allerede over 40. Som Claude Monet eller Auguste Renoir. Andre ventet på anerkjennelse først på slutten av livet, som Camille Pissarro. Noen levde ikke opp til det, som Alfred Sisley.
Hva revolusjonerte hver av dem? Hvorfor godtok ikke publikum dem så lenge? Her er 7 av verdens mest kjente franske impresjonister.
1. Edouard Manet (1832–1883)
Edward Mane. Selvportrett med palett. 1878 Privat samling
Manet var eldre enn de fleste impresjonistene. Han var deres viktigste inspirasjon.
Manet selv hevdet ikke å være lederen for de revolusjonære. Han var en verdens mann. Drømte om offisielle priser.
Men han ventet veldig lenge på anerkjennelse. Publikum ønsket å se greske gudinner eller stilleben i verste fall, slik at de så vakre ut i spisestuen. Manet ville skrive moderne liv. For eksempel kurtisaner.
Resultatet ble "Frokost på gresset". To dandies slapper av i selskap med damer med lett dyd. En av dem, som om ingenting hadde skjedd, sitter ved siden av kledde menn.
Edward Mane. Frokost på gresset. 1863, Paris
Sammenlign hans "Breakfast on the Grass" med Thomas Coutures "Romans in the Decline". Coutures maleri gjorde en sprut. Kunstneren ble umiddelbart berømt.
«Frokost på gresset» ble anklaget for vulgaritet. Gravide kvinner ble absolutt ikke anbefalt å se på henne.
Thomas Couture. Romerne i tilbakegang. 1847 Musée d'Orsay, Paris. artchive.ru
I Coutures maleri ser vi alle attributtene til akademiismen (tradisjonelt maleri fra 1500- og 1800-tallet). Søyler og statuer. Apollonske folk. Tradisjonelle dempede farger. Manierismen til stillinger og gester. Et plott fra et fjernt liv til et helt annet folk.
"Breakfast on the Grass" av Manet er et annet format. Før ham var det ingen som portretterte kurtisaner så lett. Nær respektable borgere. Selv om mange menn på den tiden brukte fritiden på denne måten. Det var det virkelige liv ekte folk.
En gang portretterte han en respektabel dame. Stygg. Han kunne ikke smigre henne med en børste. Damen var skuffet. Hun forlot ham i tårer.
Edward Mane. Angelina. 1860 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org
Så han fortsatte å eksperimentere. For eksempel med farge. Han forsøkte ikke å skildre den såkalte naturlige fargen. Hvis han så gråbrunt vann som knallblått, så skildret han det som knallblått.
Dette irriterte selvfølgelig publikum. "Tross alt kan ikke til og med Middelhavet skryte av et så blått som vannet ved Manet," spøkte de.
Edward Mane. Argenteuil. 1874-museet kunst, Tournai, Belgia. wikipedia.org
Men faktum gjenstår. Manet endret grunnleggende formålet med maleriet. Bildet ble legemliggjørelsen av individualiteten til kunstneren, som skriver som han vil. Glem mønstre og tradisjoner.
Innovasjoner tilga ham ikke på lenge. Anerkjennelse ventet først på slutten av livet. Men han trengte det ikke lenger. Han døde smertefullt av en uhelbredelig sykdom.
2. Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet. Selvportrett i beret. 1886 Privat samling
Claude Monet kan kalles en lærebokimpresjonist. Siden han var trofast mot denne retningen hele hans langt liv.
Han malte ikke gjenstander og mennesker, men en enkelt fargekonstruksjon av høydepunkter og flekker. Separate slag. Luft skjelver.
Claude Monet. Plaskebasseng. 1869 Metropolitan Museum of Art, New York. Metmuseum.org
Monet malte ikke bare naturen. Han var også god i urbane landskap. En av de mest kjente - .
Det er mye fotografi i dette maleriet. For eksempel formidles bevegelse ved hjelp av et uskarpt bilde.
Vær oppmerksom: fjerne trær og figurer ser ut til å være i en dis.
Claude Monet. Boulevard des Capucines i Paris. 1873 (Galleri for europeisk og amerikansk kunst fra 1800- og 1900-tallet), Moskva
Foran oss er et stoppet øyeblikk av det travle livet i Paris. Ingen iscenesettelse. Ingen poserer. Mennesker er avbildet som en samling av slag. Slik plotløshet og "fryseramme"-effekten - hovedfunksjon impresjonisme.
På midten av 1980-tallet hadde kunstnere blitt desillusjonert av impresjonismen. Estetikk er selvfølgelig bra. Men plotløsheten til mange undertrykte.
Bare Monet fortsatte å vedvare, og overdrev impresjonismen. Dette utviklet seg til en serie malerier.
Han skildret det samme landskapet dusinvis av ganger. Til forskjellige tider av døgnet. På forskjellige tider av året. For å vise hvor mye temperatur og lys som kan endre det samme synet til det ugjenkjennelige.
Så det ble utallige høystakker.
Malerier av Claude Monet ved Museum of Fine Arts, Boston. Venstre: Høystakker ved solnedgang ved Giverny, 1891 Høyre: Høystakker (snøeffekt), 1891
Vær oppmerksom på at skyggene i disse maleriene er farget. Og ikke grå eller svart, slik det var vanlig før impresjonistene. Dette er enda en av deres oppfinnelser.
Monet klarte å nyte suksess og materiell velvære. Etter 40 glemte han allerede fattigdommen. Fikk et hus og en vakker hage. Og han skapte for sin egen fornøyelse lange år.
Les om det mest ikoniske maleriet av mesteren i artikkelen
3. Auguste Renoir (1841-1919)
Pierre-Auguste Renoir. Selvportrett. 1875 Sterling og Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest
Impresjonisme er det mest positive maleriet. Og den mest positive blant impresjonistene var Renoir.
Du vil ikke finne drama i maleriene hans. Til og med svart maling han ikke brukte. Bare gleden ved å være. Selv den mest banale Renoir ser vakker ut.
I motsetning til Monet, malte Renoir folk oftere. Landskap for ham var mindre betydningsfulle. I maleriene slapper hans venner og bekjente av og nyter livet.
Pierre-Auguste Renoir. Roere frokost. 1880-1881 Phillips Collection, Washington, USA. wikimedia.commons.org
Du vil ikke finne i Renoir og omtenksomhet. Han var veldig glad for å slutte seg til impresjonistene, som fullstendig avviste undersåtter.
Som han selv sa, endelig har han muligheten til å male blomster og kalle dem ganske enkelt "Blomster". Og ikke dikt opp noen historier om dem.
Pierre-Auguste Renoir. Kvinne med paraply i hagen. 1875 Thyssen-Bormenis-museet, Madrid. arteuam.com
Renoir følte seg best i selskap med kvinner. Han ba tjenestepikene sine synge og tulle. Jo mer dum og naiv sangen var, jo bedre for ham. En manns prat gjorde ham sliten. Ikke rart at Renoir er kjent for nakenmalerier.
Modellen i maleriet "Nade in Sunlight" ser ut til å vises mot en fargerik abstrakt bakgrunn. For for Renoir er det ingenting sekundært. Øyet til modellen eller området av bakgrunnen er likeverdige.
Pierre-Auguste Renoir. Naken i sollys. 1876 Musée d'Orsay, Paris. wikimedia.commons.org
Renoir levde et langt liv. Og legg aldri fra deg penselen og paletten. Selv når hendene hans var fullstendig lenket av revmatisme, bandt han børsten til armen med et tau. Og han malte.
I likhet med Monet ventet han på anerkjennelse etter 40 år. Og jeg så maleriene mine i Louvre, ved siden av verkene til kjente mestere.
Les om et av de mest sjarmerende portrettene av Renoir i artikkelen
4. Edgar Degas (1834–1917)
Edgar Degas. Selvportrett. 1863 Calouste Gulbenkian-museet, Lisboa, Portugal. cultured.com
Degas var ikke en klassisk impresjonist. Han likte ikke å jobbe i friluft (utendørs). Du vil ikke finne en bevisst lysnet palett hos ham.
Tvert imot elsket han en klar linje. Han har mye sort. Og han jobbet utelukkende i studio.
Men likevel blir han alltid likestilt med andre store impresjonister. Fordi han var en impresjonist av gester.
Uventede vinkler. Asymmetri i arrangementet av objekter. Karakterer overrasket. Her er hovedattributtene til maleriene hans.
Han stoppet livets øyeblikk, og lot ikke karakterene komme til fornuft. Se i det minste på hans "Opera Orchestra".
Edgar Degas. Operaorkester. 1870 Musée d'Orsay, Paris. commons.wikimedia.org
I forgrunnen er stolryggen. Musikeren har ryggen til oss. Og i bakgrunnen passet ikke ballerinaene på scenen inn i "rammen". Hodene deres er nådeløst "kuttet av" ved kanten av bildet.
Så favorittdanserne hans er ikke alltid avbildet i vakre positurer. Noen ganger strekker de seg bare.
Men slik improvisasjon er imaginær. Selvfølgelig tenkte Degas nøye ut komposisjonen. Dette er bare en fryserammeeffekt, ikke en ekte fryseramme.
Edgar Degas. To ballettdansere. 1879 Shelbourne Museum, Wermouth, USA
Edgar Degas elsket å male kvinner. Men sykdommen eller kroppens egenskaper tillot ham ikke å ha fysisk kontakt med dem. Han giftet seg aldri. Ingen så ham noen gang sammen med en dame.
Fravær ekte historier i hans personlige liv tilførte bildene hans en subtil og intens erotikk.
Edgar Degas. Ballettstjerne. 1876-1878 Musee d'Orsay, Paris. wikimedia.comons.org
Vær oppmerksom på at på bildet "Ballet Star" er bare ballerinaen selv tegnet. Hennes backstage-kolleger er knapt til å skille. Bare noen få ben.
Dette betyr ikke at Degas ikke fullførte bildet. Slik er mottakelsen. Hold kun de viktigste tingene i fokus. Få resten til å forsvinne, uleselig.
Les om andre malerier av mesteren i artikkelen.
5. Berthe Morisot (1841-1895)
Edward Mane. Portrett av Berthe Morisot. 1873 Marmottan Monet-museet, Paris.
Bertha Morisot blir sjelden satt i spissen for de store impresjonistene. Jeg er sikker på at det er ufortjent. Bare i henne finner du alle hovedtrekkene og teknikkene til impresjonisme. Og hvis du liker denne stilen, vil du elske arbeidet hennes av hele ditt hjerte.
Morisot jobbet raskt og heftig, og overførte inntrykket hennes til lerretet. Figurene ser ut til å være i ferd med å løses opp i verdensrommet.
Berthe Morisot. Sommer. 1880 Fabre-museet, Montpellier, Frankrike.
Som Degas la hun ofte noen detaljer uferdige. Og til og med kroppsdeler av modellen. Vi kan ikke skille hendene til jenta i maleriet "Sommer".
Morisots vei til selvutfoldelse var vanskelig. Ikke bare var hun engasjert i "slurvete" maleri. Hun var fortsatt kvinne. På den tiden skulle en dame drømme om ekteskap. Etter det ble enhver hobby glemt.
Derfor nektet Bertha å gifte seg i lang tid. Helt til hun fant en mann som respektfullt behandlet hennes yrke. Eugene Manet var broren til maleren Edouard Manet. Han bar pliktoppfyllende et staffeli og maler til sin kone.
Berthe Morisot. Eugene Manet med datteren i Bougival. 1881 Marmottan Monet-museet, Paris.
Men det var fortsatt på 1800-tallet. Nei, Morisot hadde ikke på seg bukser. Men hun hadde ikke råd til fullstendig bevegelsesfrihet.
Hun kunne ikke gå til parken for å jobbe alene, uten å være i følge med noen som stod henne nær. Jeg kunne ikke sitte alene på en kafé. Derfor er maleriene hennes personer fra familiekretsen. Ektemann, datter, slektninger, barnepiker.
Berthe Morisot. En kvinne med et barn i en hage i Bougival. 1881 nasjonalt museum Wales, Cardiff.
Morisot ventet ikke på anerkjennelse. Hun døde i en alder av 54 av lungebetennelse, etter å ha solgt nesten ingenting av arbeidet sitt i løpet av livet. På dødsattesten hennes var det en strek i kolonnen "yrke". Det var utenkelig for en kvinne å bli kalt kunstner. Selv om hun egentlig var det.
Les om maleriene til mesteren i artikkelen
6. Camille Pissarro (1830–1903)
Camille Pissarro. Selvportrett. 1873 Musée d'Orsay, Paris. wikipedia.org
Camille Pissarro. Ikke-konfronterende, rimelig. Mange betraktet ham som en lærer. Selv de mest temperamentsfulle kollegene snakket ikke dårlig om Pissarro.
Han var en trofast tilhenger av impresjonismen. I nød, med kone og fem barn, jobbet han fortsatt hardt i sin favorittstil. Og gikk aldri over til salongmaling for å bli mer populær. Det er ikke kjent hvor han fikk kreftene til å tro fullt ut på seg selv.
For ikke å dø av sult i det hele tatt, malte Pissarro vifter, som ble ivrig utsolgt. Og den virkelige anerkjennelsen kom til ham etter 60 år! Så klarte han endelig å glemme behovet.
Camille Pissarro. Stagecoach på Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay, Paris
Luften i Pissarros malerier er tykk og tett. Uvanlig fusjon av farge og volum.
Kunstneren var ikke redd for å male de mest foranderlige fenomenene i naturen, som dukker opp et øyeblikk og forsvinner. Først snø, frostsol, lange skygger.
En av de største trendene innen kunst i de siste tiårene av det nittende århundre og begynnelsen av det tjuende er impresjonismen, som spredte seg over hele verden fra Frankrike. Dets representanter var engasjert i utviklingen av slike metoder og teknikker for maleri som ville gjøre det mulig å mest levende og naturlig reflektere den virkelige verden i dynamikk, for å formidle flyktige inntrykk av den.
Mange kunstnere skapte sine lerreter i stil med impresjonisme, men grunnleggerne av bevegelsen var Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Bazille, Camille Pissarro. Det er umulig å nevne de beste verkene deres, siden de alle er vakre, men det er de mest kjente som vil bli diskutert videre.
Claude Monet: «Inntrykk. Rising Sun"
Lerretet for å starte en samtale om impresjonistenes beste malerier. Claude Monet malte den i 1872 fra livet i den gamle havnen i franske Le Havre. To år senere ble maleriet vist for publikum for første gang i det tidligere verkstedet til den franske kunstneren og tegneserieskaperen Nadar. Denne utstillingen har blitt en livsendrende begivenhet for kunstverdenen. Imponert (ikke i beste mening) arbeidet til Monet, hvis originale navn høres ut som "Impression, soleil levant", introduserte journalisten Louis Leroy først begrepet "impresjonisme", som angir en ny retning i maleriet.
Maleriet ble stjålet i 1985 sammen med verkene til O. Renoir og B. Morisot. Oppdaget fem år senere. For øyeblikket Impression. The Rising Sun" tilhører Marmottan Monet-museet i Paris.
Edouard Monet: Olympia
Maleriet "Olympia", laget av den franske impresjonisten Edouard Manet i 1863, er et av moderne maleris mesterverk. Det ble først presentert på Paris-salongen i 1865. Impresjonistiske kunstnere og deres malerier sto ofte i sentrum høyprofilerte skandaler. Olympia forårsaket imidlertid den største av dem i kunsthistorien.
På lerretet ser vi en naken kvinne, med ansiktet og kroppen vendt mot publikum. Den andre karakteren er en mørkhudet hushjelp som holder en luksuriøs bukett pakket inn i papir. Ved fotenden av sengen er det en svart kattunge i en karakteristisk positur med buet rygg. Ikke mye er kjent om maleriets historie, kun to skisser har kommet ned til oss. Modellen var, mest sannsynlig, Manets favorittmodell - Quiz Menard. Det er en oppfatning at kunstneren brukte bildet av Marguerite Bellanger - Napoleons elskerinne.
I løpet av den kreative perioden, da Olympia ble skapt, ble Manet fascinert av japansk kunst, og nektet derfor bevisst å finne ut av nyansene av mørke og lys. På grunn av dette så hans samtidige ikke volumet til den avbildede figuren, de betraktet den som flat og grov. Kunstneren ble anklaget for umoral, vulgaritet. Aldri før har impresjonistiske malerier skapt slik oppstandelse og hån fra mengden. Administrasjonen ble tvunget til å sette vakter rundt henne. Degas sammenlignet Manets berømmelse gjennom Olympia og motet han aksepterte kritikk med Garibaldis livshistorie.
I nesten et kvart århundre etter utstillingen ble lerretet holdt utilgjengelig for nysgjerrige øyne av mesterkunstneren. Så ble den utstilt igjen i Paris i 1889. Den var nesten kjøpt, men kunstnerens venner samlet inn det nødvendige beløpet og kjøpte Olympiaen av Manets enke, og donerte den deretter til staten. Maleriet eies nå av Musée d'Orsay i Paris.
Auguste Renoir: De store baderne
Bildet er malt fransk kunstner i 1884-1887 Tatt i betraktning alle de for tiden kjente impresjonistiske maleriene mellom 1863 og begynnelsen av det tjuende århundre, kalles "De store baderne" det største lerretet med nakne kvinneskikkelser. Renoir jobbet med det i mer enn tre år, og i løpet av denne perioden ble det laget mange skisser og skisser. Det var ikke noe annet maleri i arbeidet hans som han ville vie så mye tid til.
I forgrunnen ser betrakteren tre nakne kvinner, hvorav to er på land, og den tredje er i vannet. Figurene er skrevet veldig realistisk og tydelig, som er trekk kunstnerens stil. Renoirs modeller var Alina Charigot (hans fremtidige kone) og Suzanne Valadon, som i fremtiden ble en kjent artist selv.
Edgar Degas: Blue Dancers
Ikke alle de kjente impresjonistiske maleriene som er oppført i artikkelen er malt i olje på lerret. Bildet ovenfor lar deg forstå hva maleriet "Blue Dancers" er. Det ble utført i pastell på et papirark som måler 65x65 cm og tilhører den sene perioden av kunstnerens arbeid (1897). Han malte det med allerede svekket syn, så den dekorative organiseringen er av største betydning: bildet oppfattes som store fargede flekker, spesielt når det ses på nært hold. Temaet dansere var nær Degas. Hun gjentok gjentatte ganger i arbeidet hans. Mange kritikere mener at harmonien i farge og komposisjon til "Blue Dancers" kan vurderes beste jobben kunstner om emnet. Maleriet oppbevares for tiden i Kunstmuseet. A. S. Pushkin i Moskva.
Frederic Bazille: "Rosa kjole"
En av grunnleggerne av fransk impresjonisme, Frederic Bazille ble født inn i en borgerlig familie av en velstående vinmaker. Selv i studieårene ved Lyceum begynte han å engasjere seg i maling. Etter å ha flyttet til Paris ble han kjent med C. Monet og O. Renoir. Dessverre var skjebnen til kunstneren bestemt for en kort stund livsvei. Han døde i en alder av 28 ved fronten under den fransk-prøyssiske krigen. Imidlertid er hans, om enn få, lerreter med rette inkludert i listen over " De beste maleriene impresjonister". En av dem er " Rosa kjole”, skrevet i 1864. Etter alt å dømme kan lerretet tilskrives tidlig impresjonisme: fargekontraster, oppmerksomhet på farger, sollys og et stoppet øyeblikk, akkurat det som ble kalt «inntrykk». En av kunstnerens kusiner Teresa de Horse fungerte som modell. Maleriet eies for tiden av Musée d'Orsay i Paris.
Camille Pissarro: Boulevard Montmartre. Ettermiddag, sol"
Camille Pissarro ble berømt for sine landskap, karakteristisk trekk som er tegning av lys og opplyste gjenstander. Arbeidet hans hadde en bemerkelsesverdig innflytelse på sjangeren impresjonisme. Kunstneren utviklet uavhengig mange av prinsippene som er iboende i ham, som dannet grunnlaget for kreativitet i fremtiden.
Pissarro likte å skrive det samme stedet til forskjellige tider på dagen. Han har en hel serie malerier med parisiske bulevarder og gater. Den mest kjente av dem er Boulevard Montmartre (1897). Det gjenspeiler all sjarmen som kunstneren ser i det sydende og rastløse livet i dette hjørnet av Paris. Ser han på bulevarden fra samme sted, viser han den til betrakteren på en solrik og overskyet dag, om morgenen, på ettermiddagen og sent på kvelden. På bildet nedenfor - maleriet "Boulevard Montmartre om natten."
Denne stilen ble senere adoptert av mange kunstnere. Vi vil bare nevne hvilke impresjonistiske malerier som ble skrevet under påvirkning av Pissarro. Denne trenden er tydelig sett i arbeidet til Monet (en serie malerier "Hacks").
Alfred Sisley: Plener om våren
«Plener om våren» er et av de siste maleriene av landskapsmaleren Alfred Sisley, skrevet i 1880-1881. På den ser betrakteren en skogssti langs bredden av Seinen med en landsby på motsatt bredd. I forgrunnen er en jente - kunstnerens datter Jeanne Sisley.
Landskapene til kunstneren formidler den sanne atmosfæren i den historiske regionen Ile-de-France og beholder en spesiell mykhet og gjennomsiktighet. naturfenomener karakteristisk for bestemte tider på året. Kunstneren var aldri tilhenger av uvanlige effekter og holdt seg til en enkel komposisjon og en begrenset fargepalett. Maleriet er nå oppbevart Nasjonalgalleriet London.
Vi har listet opp de mest kjente impresjonistiske maleriene (med titler og beskrivelser). Dette er mesterverk av verdenskunst. Den unike malestilen, som har sin opprinnelse i Frankrike, ble først oppfattet med hån og ironi, kritikere la vekt på kunstnernes åpenbare uforsiktighet når de skrev lerreter. Nå ville knapt noen våget å utfordre genialiteten deres. Impresjonistiske malerier er utstilt i de mest prestisjefylte museene i verden og er en ønskelig utstilling for enhver privat samling.
Stilen har ikke sunket i glemmeboken og har mange følgere. Vår landsmann Andrei Koch, den franske maleren Laurent Parcelier, amerikanerne Diana Leonard og Karen Tarleton er kjente moderne impresjonister. Maleriene deres er laget i beste tradisjoner sjanger, fylt med lyse farger, dristige streker og liv. På bildet over - arbeidet til Laurent Parcelier "I solens stråler."
Impresjonisme er en retning i maleriet som oppsto i Frankrike i XIX-XX århundrer, som er et kunstnerisk forsøk på å fange et øyeblikk av livet i all sin variasjon og bevegelighet. Impresjonistiske malerier er som et kvalitativt utvasket fotografi, som gjenoppliver i fantasien fortsettelsen av historien. I denne artikkelen skal vi ta en titt på 10 av de fleste kjente impresjonister fred. Heldigvis er det mer enn ti, tjue eller til og med hundre talentfulle artister, så la oss fokusere på de navnene du trenger å vite sikkert.
For ikke å fornærme verken kunstnerne eller deres beundrere, er listen gitt i russisk alfabetisk rekkefølge.
1. Alfred Sisley
Denne franske maleren av engelsk opprinnelse regnes som den mest kjente landskapsmaleren i andre halvdel av 1800-tallet. Det er mer enn 900 malerier i samlingen hans, hvorav de mest kjente er "Country Alley", "Frost in Louveciennes", "Bridge in Argenteuil", "Early Snow in Louveciennes", "Lawns in Spring" og mange andre.
2. Van Gogh
Kjent for hele verden for den triste historien om øret hans (forresten, han kuttet ikke av hele øret, men bare lappen), ble Wang Gon populær først etter hans død. Og i sitt liv var han i stand til å selge et enkelt maleri, 4 måneder før hans død. Det sies at han var både entreprenør og prest, men ofte havnet på psykiatriske sykehus på grunn av depresjon, så all opprørskheten i hans eksistens resulterte i legendariske verk.
3. Camille Pissarro
Pissarro ble født på øya St. Thomas, i en familie av borgerlige jøder, og var en av de få impresjonistene hvis foreldre oppmuntret til hobbyen hans og snart sendte ham til Paris for å studere. Mest av alt likte kunstneren naturen, og han skildret den i alle farger, og mer presist, Pissarro hadde et spesielt talent for å velge mykhet av farger, kompatibilitet, hvoretter luft så ut til å dukke opp i bildene.
4. Claude Monet
Fra barndommen bestemte gutten seg for at han skulle bli kunstner, til tross for familiens forbud. Etter å ha flyttet til Paris på egen hånd, kastet Claude Monet seg inn i den grå hverdagen i et hardt liv: to år i tjeneste i de væpnede styrkene i Algerie, rettssaker med kreditorer på grunn av fattigdom, sykdom. Imidlertid får man følelsen av at vanskelighetene ikke undertrykte, men snarere inspirerte kunstneren til å lage så levende malerier som "Impression, Sunrise", "Parliament Building in London", "Bridge to Europe", "Autumn in Argenteuil", " On the Shore Trouville, og mange andre.
5. Konstantin Korovin
Det er hyggelig å vite at blant franskmennene, impresjonismens foreldre, kan man med stolthet plassere vår landsmann - Konstantin Korovin. Lidenskapelig kjærlighet til naturen hjalp ham intuitivt å gi ufattelig liv til et statisk bilde, takket være kombinasjonen passende maling, strekbredde, temavalg. Det er umulig å gå forbi maleriene hans "Pier in Gurzuf", "Fisk, vin og frukt", " Høstlandskap», « Måneskinnsnatt. Winter» og en serie av verkene hans dedikert til Paris.
6. Paul Gauguin
Inntil han var 26 år, tenkte ikke Paul Gauguin engang på å male. Han var gründer og hadde en stor familie. Men da jeg først så maleriene til Camille Pissarro, bestemte jeg meg for at jeg absolutt ville begynne å male. Over tid har kunstnerens stil endret seg, men de mest kjente impresjonistiske maleriene er "Garden in the Snow", "At the Cliff", "På stranden i Dieppe", "Nade", "Palms in Martinique" og andre.
7. Paul Cezanne
Cezanne, i motsetning til de fleste av sine kolleger, ble berømt i løpet av livet. Han klarte å organisere sin egen utstilling og få betydelige inntekter fra den. Folk visste mye om maleriene hans - han, som ingen andre, lærte å kombinere lys og skyggespill, la høy vekt på regelmessige og uregelmessige geometriske former, alvorlighetsgraden av temaene til maleriene hans var i harmoni med romantikk.
8. Pierre Auguste Renoir
Fram til 20-årsalderen jobbet Renoir som fandekoratør for sin eldre bror, og først da flyttet han til Paris, hvor han møtte Monet, Basil og Sisley. Dette bekjentskapet hjalp ham i fremtiden til å ta impresjonismens vei og bli berømt på den. Renoir er kjent som forfatteren av et sentimentalt portrett, blant hans mest fremragende verk er "On the Terrace", "Walk", "Portrait of the Actress Jeanne Samary", "The Lodge", "Alfred Sisley and his Wife", " On the Swing", "The Frog" og mange andre.
9. Edgar Degas
Hvis du ikke har hørt noe om «Blue Dancers», «Ballet Rehearals», «Ballett School» og «Absinthe» – skynd deg å lære mer om arbeidet til Edgar Degas. Utvalget av originale farger, unike temaer for malerier, følelsen av bevegelse i bildet - alt dette og mye mer gjorde Degas til en av de mest kjente artister fred.
10. Edouard Manet
Ikke forveksle Manet med Monet - dette er to annen person som jobbet samtidig og i samme kunstnerisk retning. Manet ble alltid tiltrukket av hverdagsscener, uvanlige utseende og typer, som om ved en tilfeldighet "fanget" øyeblikk, deretter fanget i århundrer. Blant kjente malerier Manet: "Olympia", "Frokost på gresset", "Bar på Folies Bergère", "Fløytespiller", "Nana" og andre.
Hvis du har selv den minste mulighet til å se maleriene til disse mestrene live, vil du bli forelsket i impresjonisme for alltid!
Alexandra Skripkina,
Laster inn...
