Jean Baptiste Simeon Chardin idealer om opplysning. Jean-Baptiste Simeon Chardin: Koselige hverdagsscener. Jean Baptiste Simeon Chardin malerier med titler

Den 2. november 1699 ble Jean-Baptiste Chardin født i Saint-Germain-kvarteret i Paris. Faren hans var en treskjærer som utførte komplisert kunstnerisk arbeid. Allerede som barn begynte Jean-Baptiste å vise en forkjærlighet for tegning og gjøre sine første fremskritt.

Utdannelse

I begynnelsen av hans kreativ vei Jean-Baptiste Simeon Chardin jobbet i studioene til kjente parisiske kunstnere. Først gikk han inn i studioet til Pierre Jacques Caza, en maler som er helt glemt i disse dager. Der laget han kopier av malerier hovedsakelig med religiøse temaer.

Så ble han lærling hos Noel Coypel, en mester i den historiske sjangeren i maleri. Det var der han begynte å gjøre sine første seriøse fremskritt med å skildre forskjellige husholdningsartikler, da han la til små detaljer og tilbehør til Coupels malerier. Han utførte arbeidet sitt så nøyaktig og omhyggelig at disse detaljene til slutt begynte å se mye bedre ut enn hele bildet. Coipel innså at en ekte mester hadde vokst fra en lærling.

Første utstilling

I 1728 ble det holdt en utstilling med debuterende kunstnere på Dauphine-plassen i Paris, hvor Jean-Baptiste Chardin bestemte seg for å stille ut maleriene sine for første gang. Blant dem var "Scat" og "Buffet", som ble malt med en slik dyktighet at de lett kunne sidestilles med mesterne på 1600-tallet. Det er ikke overraskende at de skapte en ekte sensasjon.

På den utstillingen ble han lagt merke til av et av medlemmene av Royal Academy of Arts. Og samme år ble Chardin tatt opp til akademiet som en kunstner som skildrer frukt og hverdagsscener. Det er merkelig at bare mer modne og erfarne mestere anerkjent av samfunnet kunne få medlemskap i akademiet. Men Chardin var bare 28 på den tiden og var praktisk talt ukjent for publikum.

Stilleben

På den tiden var stilleben ikke populært og ble klassifisert som en "lavere" sjanger. De dominerende posisjonene ble besatt av historiske og mytologiske emner. Til tross for dette viet Jean-Baptiste Chardin det meste av sin kreative aktivitet til stilleben. Og han gjorde det med en slik kjærlighet for detaljer at han vakte mer og mer oppmerksomhet til denne sjangeren.

Chardin, som de beste nederlandske mestere, visste i sine stilleben hvordan han skulle formidle sjarmen til enkle husholdningsartikler som omgir enhver person. Det være seg mugger, gryter, kar, vannfat, frukt og grønnsaker, noen ganger attributter til kunst og vitenskap. Mesterens stilleben kjennetegnes ikke av pomp og overflod av ting. Alle gjenstander er beskjedne og ikke iøynefallende, men passer perfekt og harmonisk med hverandre.

Maleteknikker og nye fag

Jean-Baptiste Chardin så og oppfattet farger på en spesiell måte. Med mange små strøk prøvde han å formidle alle subtile nyanser av motivet. Sølv- og bruntoner dominerer maleriene hans. Gjenstander på lerretene hans er opplyst av stråler av mykt lys.

En samtidig og landsmann av maleren, filosof-pedagogen mente at mesteren hadde en spesiell malestil. Hvis du ser på Chardins malerier på nær avstand, kan du bare se en kaotisk mosaikk av flerfargede streker og streker. Han oppnådde de ønskede nyansene ikke bare ved å blande på paletten nødvendige farger. Han påførte maling på lerretet i små strøk av bestemte farger, som smeltet sammen til en enkelt helhet hvis du beveget deg bort fra maleriet i tilstrekkelig avstand. Resultatet ble en optisk effekt av å blande farger, og den komplekse nyansen ønsket av kunstneren ble dannet. Dermed så Chardin ut til å veve lerretet til et maleri med en pensel.

Diderot beundret hans evne til å formidle materialiteten til gjenstander med maling. Han skrev entusiastiske linjer om dette: «Å, Chardin, dette er ikke hvite, svarte og røde malinger som du gnir på paletten, men selve essensen av gjenstander du tar luft og lys på tuppen av penselen din og påfører det lerretet!"

På trettitallet begynte det ny runde i arbeidet til Chardin. Han fortsetter å følge de nederlandske mesterne og går over til sjangermaleri. Kunstneren begynte å skildre dagliglivet til den franske tredjestanden, som inkluderte alle grupper av befolkningen bortsett fra de privilegerte. Hans malerier «Lady Sealing a Letter», «Laundress», «Woman Peeling Vegetables», «Returning from the Market», «Hardworking Mother» dateres tilbake til den tiden. Disse scenene er anerkjent som noen av de beste innen sjangermaleri.

Personlig liv

I 1731 bestemmer maleren seg for å gifte seg med Margarita Sentar, datteren til en kjøpmann. Først har de en sønn, og så en datter. Sønnen skal senere også bli kunstner, men datteren lider en tragisk skjebne. I ung alder dør hun sammen med Chardins kone. Dette var et tungt slag for artisten. Ti år senere gifter han seg igjen. Denne gangen på den borgerlige enken Francoise Margarita Pouget. De har et barn som snart dør.

Parallelt med alt dette fortsetter Chardin sin kreativ aktivitet. Kunstneren er populær, han har mange bestillinger, og det lages graveringer av verkene hans. Og siden 1737 har malerier av Jean-Baptiste Simeon Chardin blitt stilt ut jevnlig på Paris Salons. Han blir rådgiver og blir deretter utnevnt til dens kasserer. Mottar medlemskap i Rouen Academy of Sciences, kunst og litteratur.

Poet i hverdagen

Jean-Baptiste Chardin er fortjent kalt hjemmelivets poet, rolig komfort, varmen fra familiebånd og ildstedet. Kunstnerens favorittmodeller var omsorgsfulle mødre, hardtarbeidende husmødre og lekende barn. For eksempel, i maleriet "The Laundress" blir figuren til en kvinne revet fra den generelle mørke bakgrunnen og bokstavelig talt lyser av varme. Denne effekten oppnås takket være spill av lys og skygge.

Alle karakterene i maleriene hans er opptatt med hverdagslige aktiviteter. Vaskekvinner vasker, mødre lærer barn, hushjelper lager mat, skreller grønnsaker, handler mat, barn blåser bobler. På noen malerier kan du se huskatter. Alle detaljene i verkene til Jean-Baptiste Simeon Chardin er gjennomsyret av kjærlighet til den tredje eiendommen. Til hans stille og avmålte liv, hans bekymringer og familieverdier. Heltinnene i maleriene hans, til tross for deres enkle aktiviteter, kjennetegnes av deres spesielle ynde og eleganse.

De siste årene

På syttitallet skjedde flere tragiske hendelser i livet til den allerede middelaldrende Chardin. Sønnen hans forsvinner økonomisk situasjon forverres kraftig og kunstneren blir tvunget til å selge huset sitt. Lang sykdom og høy alder gjorde seg også gjeldende. Chardin bestemmer seg for å trekke seg som kasserer for akademiet.

Mesteren vier sine siste år Spesiell oppmerksomhet To portretter malt med denne teknikken fortjener ære - "Selvportrett med et grønt visir" og "Portrett av en kone."

Til tross for kunstnerens sykdom og alder, siste portretter man kan føle fastheten i hånden og den enkle bevegelsen. Dynamisk lys og naturlige farger gir liv til verkene.

Uvurderlig bidrag

Arbeidet til den franske kunstneren påvirket utviklingen i stor grad Europeisk kunst. Takket være stillebenene til Jean-Baptiste Chardin gikk selve sjangeren fra upopulær og undervurdert til en av de ledende. Hans hverdagsscener ble preget av realisme, varme og komfort. Det er derfor de var så populære blant vanlige folk. Blant Chardins samtidige var det ikke en kvinne som ikke ville gjenkjenne seg selv, livet sitt og barna sine på lerretene hans. Den hjemmekoselige lyrikken og spontaniteten sunget av Chardin fant en respons i publikums hjerter.

Ingen maler før ham kunne skryte av en så dyktig evne til å bruke chiaroscuro. Lyset på mesterens lerreter føles nesten fysisk. Det ser ut til at når du løfter hendene til dem, kan du føle varmen. Denis Diderot snakket om verkene sine slik: "Du vet ikke hvilket av maleriene du skal stoppe blikket på, hvilket du skal velge De er alle perfekte!"

Chardin var også en meget dyktig fargelegger. Han kunne legge merke til og registrere alle reflekser som var subtile for det menneskelige øyet. Vennene hans kalte det intet mindre enn magi.

Biografien til Jean-Baptiste Chardin er veldig rik og samtidig tragisk. Etter å ha mottatt anerkjennelse fra sine landsmenn i løpet av livet, levde han i sin alderdom i praktisk talt fattigdom. Det er vanskelig å tro, men kunstneren forlot aldri hjemlandet Paris.

Visninger: 3303

Jean-Baptiste-Simeon Chardin(1679-1779), en av de største kunstnerne på 1700-tallet, ble født i Paris i familien til en håndverker. Nesten ingen informasjon er bevart om den tidlige perioden av arbeidet hans. Det er kjent at han i 1724 gikk inn på Academy of St. Luke. I 1728 ble han tatt opp på Royal Academy of Painting and Sculpture på en veldig uvanlig måte -

Buffet
Stingray (fransk: La raie), 1728, Louvre

to av verkene hans, vist på utstillingen av unge kunstnere, ble notert av medlemmer av akademiet, og den tidligere ukjente mesteren ble invitert til å bli med. Chardin blir medlem av akademiet i klassen "dyr, frukt og blomster" - den laveste i hierarkiet av sjangere fra den tiden.

Sønnen til en parisisk håndverkssnekker, han ble opplært av akademiske malere, men brøt veldig snart med arbeidsmetoden deres - i henhold til modeller fra andre mestere og i henhold til hans fantasi. Han kontrasterte denne metoden med å arbeide fra naturen og studere den nøye - et prinsipp som han forble trofast til hele livet. I 1728 vakte Chardin oppmerksomhet med to stilleben (“ Skat" og "Buffet" , Paris, Louvre), stilt ut på Place Dauphine i friluft, hvor unge kunstnere en gang i året kunne vise maleriene sine. Suksessen som falt på hans lodd, slik at han kunne presentere arbeidet sitt for akademiet. Her fikk stilleben hans enstemmig anerkjennelse, og Chardin ble valgt til en av akademikerne.

I 1731, under ledelse av Van Loo, deltok Chardin i restaureringen av fresker i galleriet til Francis I i slottet Fontainebleau, som la grunnlaget for den berømte Fontainebleau-skolen. Fra stilleben, etter 1733 vendte han seg også til sjangerscener. Hans samtidige så ham som en kunstner blottet for fantasi, som, etter å ha bygget en viss komposisjonsstruktur, så vendte tilbake til den mange ganger. I 1740 ble Chardin presentert for kong Louis XV i Versailles og presenterte ham to av maleriene hans.

På 50- og 60-tallet ble Chardin en populær artist, hvis stilleben og sjangerscener var etterspurt og solgte godt, men mot slutten av denne perioden skjedde et vendepunkt i livet hans. Publikum, etter endringer i smak og mote i tiden, mister interessen for verkene hans. I hans personlig liv drama skjer. Den eneste sønnen, Pierre-Jean, en svært talentfull og lovende ung kunstner som mottok Grand Prix ved Royal Academy, begår selvmord i Venezia i 1767.

Glemselperioden varer til midten av 1800-tallet, da kritikere og samlere gjenoppdager Chardins malerier. Da blir det åpenbart

at han var den beste mesteren stilleben og ikke bare for hans tid, og sjangerscenene hans er fulle av poesi, lyrikk og sannhet om livet. Samtidig avsløres den perfekte kvaliteten på maleteknikken hans, som han oppnådde gjennom prosessen med sakte, smertefullt, forsiktig arbeid og endringer. Kunstneren oppdaget selv hemmeligheten bak hans store dyktighet, og sa en gang: "Vi bruker maling, men vi maler med følelser."

Stilleben var Chardins favorittsjanger. Denne sjangeren kom på mote på 1700-tallet under påvirkning av nederlenderne, hvis lidenskap gjentok trangen til enkelhet og naturlighet som dukket opp i litteraturen. Men i stillebenene deres startet franske mestere vanligvis ikke fra realistiske prinsipper nederlandsk kunst,. men fra dets dekorative elementer. Chardin kontrasterte dette dekorative stillebenet med sine enkle, upretensiøse malerier, blottet for noen effekter. Opmalte leirkanner, flasker, glass, enkle kjøkkenredskaper omgitt av frukt og grønnsaker, og noen ganger fisk eller drept vilt. Men i disse enkle gjenstandene oppdaget han et fantastisk vell av fargerike nyanser, som med ekstraordinær kraft uttrykker tingenes materielle kvaliteter.

Med utrolig finesse formidler kunstneren glansen av polert kobber ( "Kobbertank" , 1730-tallet), matt overflate av fersken ( "Kurv med fersken" . 1768), den rike rikdommen til brioche ( "Dessert" , 1763, alle - Paris, Louvre). Komposisjonene til disse små maleriene er underlagt streng logikk. Med en upåklagelig sans for rytme, organiserer Chardin den klassisk balanserte og harmoniske strukturen til sine lerreter ( "Still Life with Art Attributes" (forhåndsvisning) , 1760-tallet, Moskva, Statens museum kunst oppkalt etter A.S. Pushkin). En gjennomtenkt korrelasjon av objekter avslører dem med spesiell fullstendighet karakteristiske trekk, uttrykksfullhet i form, skjønnhet i farger, de mest komplekse nyansene som kunstneren fanger med små, ærbødige strøk. De skaper en følelse av lysspill på overflaten av objekter, og kombinerer dem med

miljø. Disse fordelene med Chardins maleri ble umiddelbart verdsatt av Diderot, som betraktet ham som "den første fargeisten av salongen og kanskje en av de første fargeistene innen maleri." "... Måten luften beveger seg rundt disse objektene," utbryter Diderot, "det er den som forstår harmonien mellom farger og reflekser."

Chardins sjangermalerier er like originale og perfekte. De er dedikert til å skildre enkle scener fra hverdagslivet til den franske tredjestanden - småborgerskapet og arbeidsfolket. Chardin kom selv fra dette miljøet og brøt ikke båndene med det før på slutten av sine dager. For første gang i kunsten på 1700-tallet ble slike hverdagsmotiver i fokus for kunstnerens oppmerksomhet. Motivene til Chardins sjangermalerier er blottet for drama eller fortelling. I de fleste tilfeller er dette et bilde av et fredelig, rolig hjemmeliv: en mor med barn som leser en bønn før et beskjedent måltid ( "Bønn før lunsj" , 1744, Statens Eremitagemuseum); en vaskekvinne som vasker klær og et barn satt i nærheten av et badekar og blåste såpebobler ( "vaskerinne" , State Hermitage), en gutt som flittig bretter et korthus ( "Korthuset" , Paris, Louvre) - dette er de typiske emnene for mesterens malerier. Deres naturlighet og enkelhet står i slående kontrast til manierismen og påvirkningen til Bouchers sjangerscener. Chardins verk er fullstendig blottet for litterære og didaktiske tendenser, så vel som sentimentalitet,

iboende i lignende malerier av de fleste av hans samtidige. Men akkurat som Chardin oppdaget skjønnheten i enkle kjøkkenredskaper i sine stilleben, var han i stand til å oppdage en hel verden av sublime og rene menneskelige følelser i beskjedne hverdagslige hjemlige scener, som i hans malerier får sann poesi og moralsk betydning. Lyrisk sjelfullhet ("De bruker maling, men skriver med følelse," sa Chardin) er kombinert i dem med utførelseskunst og den stileleganse som er karakteristisk for all kunst på den tiden. Som stilleben er Chardins sjangermalerier malt mykt og generelt, og deres blottet for lysstyrkefarging er bygget på de mest subtile harmoniene av raffinerte toner.

I Fransk kunst Chardin fra 1700-tallet var også en av skaperne av det realistiske portrettet. Arbeidene hans i denne sjangeren er helt fremmede for de dekorative effektene og prangende positurene som skiller portretter av hoffkunstnere. De er enkle i komposisjon, behersket i fargen. Med unntak av enhver idealisering, sannferdig og nøyaktig i sine egenskaper, understreker Chardin samtidig alltid den moralske verdigheten til modellene hans. Bekreftelsen av verdien av den menneskelige personen, så karakteristisk for opplysningstiden, ligger i hjertet av disse tilsynelatende upretensiøse verkene til kunstneren. Blant de beste portrettene av Chardin er selvportrettene hans og et portrett av hans kone, laget i pastell (1770-tallet, Paris, Louvre).

Chardins realistiske kunst fikk umiddelbart støtte fra spissen kunstkritikk. Men i andre halvdel av århundret, da kunsten ble pålagt å bli, med Diderots ord, «en skole for moral, en taus taler som instruerer oss i dyder og opphøyde handlinger», tilfredsstilte Chardins verk ikke lenger den nye kritikken i alle henseender . Nå begynte disse kunstnerne å nyte særlig suksess i hvis arbeid didaktiske trekk dukket opp.

Korthuset

Korthuset. Rundt 1736-1737. Nasjonalgalleriet, London

Chardin skildrer en gutt, sønn av sin venn, møbelsnekkeren Lenoir, som bygger et hus av tre på et bord. spille kort. Bordet som barnet lener seg på inntar en sentral plass i komposisjonen og lar kunstneren introdusere et vakkert malt stilleben i rommet til maleriet. Det begynner uventet og opprinnelig med en halvåpen skuff i forgrunnen.

Filmen kombinerer to sjangere - scene hverdagen og stilleben. Komposisjonen er konstruert ekstremt lakonisk og enkelt. Kunstneren skildrer hverdagsobjekter med en slik oppmerksomhet og kjærlighet at det ser ut til at hans hovedoppgave er å vise betrakteren hvor vakre de er i sin enkelhet. Men faktisk, bak denne upretensiøse episoden av et barnespill er det noe dypere.

betydning. I hovedsak har vi foran oss en moralsk allegori, som symboliserer nytteløsheten i menneskelig bestrebelse, som døden ødelegger like lett som et barn ødelegger korthuset sitt med bare en håndbevegelse eller et pust.

Imidlertid tolkningen av emnet vanitas her er annerledes sammenlignet med den som var typisk for maleri XVIIårhundre, som hadde en spesiell lidenskap for det. Hvis kunstnere fra forrige århundre vendte seg til slike motiver som en hodeskalle eller en kirkegård og spesielt la vekt på den dramatiske begynnelsen, har nå det evige spørsmålet om meningen med menneskelivet, dets forgjengelighet og skrøpelighet blitt forvandlet til en enkel hendelse blottet for tragisk patos . Men det fikk det ikke til å høres mindre gripende ut.

Strengen ved å konstruere en komposisjon der det ikke er noe overflødig, matches av en nesten monokrom farge uten eksterne effekter. Men forblir nesten utelukkende innenfor brun-oker fargespekter, metter kunstneren lerretet med en uventet billedrik rikdom av ulike tonale nyanser og et varmt, lett rødlig lys som malingene avgir.

Sammen med House of Cards bruker Chardin et annet plott av denne typen for å lage en moralsk allegori om temaet vanitas – "Såpebobler" . Og her blir motivet for barnas moro til et symbol på menneskelivets forgjengelighet og skrøpelighet. Kunstneren skildrer en gutt som bøyer seg over vinduskarmen og blåser såpebobler ut på gaten. Til høyre strekker en baby i en morsom lue seg ut for å se på dem. Et vakkert stilleben er avbildet ved siden av barna.

Selvportrett, laget i pastellteknikken, sammen med to andre verk, ble stilt ut på Salongen i 1771. På dette tidspunktet var det kjent at mesterens helse var blitt dårligere og han var ikke lenger i stand til å jobbe. Men tingene som Chardin viste på denne utstillingen - ekte mesterverk når det gjelder kvalitet på utførelse - vakte sensasjon. Selvportrettet er skrevet på blågrått papir, noe som gir ekstra, svært rike koloristiske effekter.

"Selvportrett", 1775

Selvportrett med grønt visir, 1775, Louvre

Andre i fransk kunst halvparten av XVIIIårhundre fikk den demokratiske retningen kraftig utvikling og dens viktigste kunstner var Chardin. Sammen med disse nye heltene for kunst dukket bilder av enkle hverdagslige ting rundt en person opp i maleri: husholdningsartikler - kjøkken og servise; matforsyninger - vilt, grønnsaker og frukt; samt gjenstander brukt av mennesker av intellektuelt og kunstnerisk arbeid - arkitekter, kunstnere, musikere, vitenskapsmenn.

Stilleben var Chardins favorittsjanger. Med sitt arbeid etablerte kunstneren det i fransk kunst som en selvstendig type maleri. Vanligvis er settet med gjenstander i Chardins stilleben lite, men kunstneren tenker dypt gjennom kombinasjonen og arrangementet, og avslører subtilt deres forbindelse med personen som bruker dem. «Still Life with Art Attributes» er til en viss grad «selvbiografisk»: På et langbord er det avbildet ting knyttet til kunstnerens arbeid. Dette er en gipsavstøpning av hodet til guden Merkur, flere bøker, arkruller med graveringer, et tegnebrett og en gradskive. Arrangementet deres er avslappet og fritt, men det er et strengt mønster og harmoni i det. Diderot la merke til Chardins fargegave og skrev: «Å, Chardin! Du gnir ikke hvite, røde og svarte malinger på paletten din: du tar selve materien, selve luften og selve lyset på tuppen av penselen og legger det på lerretet.» Stillebenet er malt i lyse, lyse farger med en slående følelse av de fineste fargenyanser. Det hvite hodet til Mercury, som stikker ut mot en lys bakgrunn, introduserer en høytidelig tone, løfter gjenstandsverdenen over hverdagen, og gir den en stolt og sublim lyd.

Chardin ble født med symbolsk presisjon i det siste året av det forbigående «store århundre», og begynte sin karriere som lærling som malertilbehør i jaktscener. Men lenge før hans død, som kom til ham i en alder av åtti, fikk Chardin universell respekt som kunstner-filosof – utenkelig blant malere på 1700-tallet. Chardins posthume berømmelse overgikk hans livslange berømmelse. På 1800-tallet fortsatte stilleben, som takket være ham, ble en primær sjanger, å være en form for kreativitet, full av dype tanker, i motsetning til dets vanlige formål - å forbli bare å male som sådan. Chardins stilleben kommer umiddelbart til tankene når vi ser på Cezannes store stilleben, malt av ham – en betydelig tilfeldighet – også i det siste året av det utgående århundre, i 1899. Disse stillebenene la en nøkkelposisjon i hovedtrekket til 1900-tallets kunst - å overvinne illusjon, all illusjon som sådan. Først etter dette kan virkningen av potensialet i Chardins kunst anses som uttømt.

Maleri av Jean-Baptiste Simeon Chardin "Ung lærer".
Plottet i bildet er enkelt: en ung jente lærer et barn å lese. Malt veldig sannferdig, med direktehet og spontanitet, vil bildet formidle den uløselige følelsesmessige forbindelsen som forener begge figurene. Bakgrunnen er behandlet på en generell måte, uten noen spesielle detaljer; tett og jevnt lagt strøk skaper inntrykk av dybde og stabilitet. Dette stille bilde, når det gjelder følelsen av uendelig varig tid, ligner det arbeidet til Johannes Vermeer. Bare bildet av en nøkkel i en av skrivebordsskuffene forstyrrer den magiske atmosfæren av ro og fred. Chardin var en ledende mester innen sjangermaleri og stilleben i Frankrike på 1700-tallet. Hans enkle, usentimentale komposisjoner utmerker seg ved en dybde av følelsen, som vitner om skarp observasjon og forståelse av form. I vårt århundre har Chardins verk gjenvunnet popularitet på grunn av den nesten abstrakte karakteren av tolkningen av former. Mange anser ham som sin tids største sjangermalerimester. En serie sjangerbilder av Chardin, dedikert til temaet kvinnelig hardt arbeid, og en annen, parallell serie, som forteller om et liv tilbrakt i underholdning, det være seg tenåringer fra adelige familier eller deres bestemødre, er en og samme virkelighet, avslørt i ulike former. Så, for eksempel, i maleriet kalt «The Peddler» av Chardin, kommer en kvinne tilbake fra markedet, lastet mer enn hun burde, og stopper et minutt for å hvile i korridoren mellom stue og kjøkken, litt tankefull og trist; sammen med henne ser det ut til at vi stopper opp og venter rolig, og i løpet av dette minuttet har vi tid til å tenke på hva vi tross alt ser på. Gjennomsyret av sympati for dette bildet kommer vi nærmere og kikker inn i bildet. Foran oss ligger et kornete lag med maling, og denne fløyelsmyke fargen er både livets virkelige sak og en slags tenning av lys, som mykt omslutter hele det avbildede miljøet. Fargen er altomfattende og det er det. Gjennom døråpningen åpnes et annet rom - kjøkkenet, og der, i en kjølig grå mosaikk av romlige overganger, ser vi en hushjelp med sin spesielle oppførsel og slanke holdning, et kobberkar for drikkevann og så en vegg til. Foran oss ligger både selve rommet og et visst oppsett av romlige soner; farge, som fungerer som maleriets materielle bærer, finner seg igjen i rollen som et mellomledd mellom kunstens midler og selve livet.

Og da han var syttiseks, var Chardins følelse av seg selv og håndverket både munter og beskjeden; ferdighetene hans forble uendret, men samtidig så det ut til at den gjemte seg i skyggene. Cezannes uttalelse (datert 27. juni 1904) angående friheten som Chardin brukte fly for å avbilde nesen kan kanskje ikke umiddelbart forstås, men den avslører godt hvor nære de kreative holdningene til disse to mestrene er. Det kan innvendes at vi nærmer oss Chardin som en moderne kunstner, men la oss sitere hans samtidige, filosofen Denis Diderot, som beskrev maleriet «Brioche» (Dessert): «Dette er en mann som virkelig er en maler; han er en ekte kolorist.... Denne typen magi er hinsides fatteevne. Tallrike lag med farge er synlige på overflaten, den ene oppå den andre, og deres romlige effekt kommer fra dypet ..."
En så dyp forståelse av kunstneriske prosesser som Diderot demonstrerer er unik i seg selv. Han fanget øyeblikket av utmattelse av en stil, da sistnevnte tok en falsk retning og mistet klarheten i uttrykket. Diderot forsto også godt at Chardins posisjon "mellom natur og kunst", til tross for dens popularitet i kunstneriske kretser, ennå ikke hadde blitt verdsatt i alle dens muligheter. Diderot forutså at det var virkelig filosofisk mening Chardins kreativitet venter fortsatt på å bli oppdaget: dens dypeste verdier tilhørte fremtidens maleri.

Få artister vil huske at han elsket alt rundt seg så mye som Jean Baptiste Siméon Chardin. Hans lidenskapelige beundrer, den franske filosofen Denis Diderot, snakket om dyktigheten til denne maleren:

«Å, Chardin, dette er ikke de hvite, røde og svarte malingene du gnir på paletten din, men selve essensen av gjenstander; du tar luft og lys på tuppen av børsten din og påfører det på lerretet!»

De sier at Chardin aldri forlot Paris. Han ble født i Saint-Germain-des-Prés-kvarteret i 1699, og bodde her til sin død.

Chardins evne til å male førte ham til verkstedet til Noël Coypel, hvor han utførte alle slags små kunstnerisk arbeid: hjalp mesteren med å skildre detaljer, tilbehør, bakgrunner på lerreter. Men dette hjalp Chardin til å lære å legge merke til små ting og tegne en lang rekke gjenstander. Derfor er det ikke overraskende at han ble tiltrukket av sjangeren stilleben.

Chardin begynte med bilder av grønnsaker, frukt, frukt og forskjellige husholdningsartikler. Og han gjorde det så dyktig at noen av verkene hans ble til og med forvekslet med malerier av fremtredende nederlandske stillebenmestere. Men dette smigret ikke den unge artisten, og han fortsatte å forbedre ferdighetene sine.

Berømmelse kom til Chardin i 1728 etter "Utstillingen av debutanter", som fant sted i Paris på Place Dauphine. Han presenterte en serie av maleriene sine, blant annet stillebenet "Scat". Det detaljerte kadaveret av en innbygger i dyphavet hengt over bordet er så imponerende at du kan lukte den sløyde fisken. Og dette er toppen av en stillebenmalers talent.

Et æresmedlem av det franske malerakademi og Nicolas de Largilliere kunne ikke gå forbi maleriet. Senere var det på hans anbefaling at Chardin også ble medlem av akademiet.

Kunstneren begrenset seg ikke til stilleben. Han likte det rolige livet og levemåten vanlige folk, så han kom etter hvert til hverdagssjangeren. Disse verkene ble preget av sitt enkle og koselige innhold, men de beholdt likevel et sug etter små detaljer og tilbehør fra stilleben. Ved å male hverdagslivet til den tredje eiendommen i myke, uttrykksfulle farger og en realistisk måte, bidro Chardin, uten å vite det, til fremveksten av en ny bevegelse i kunsten.

For å fange et virkelig øyeblikk i livet - Chardin prøvde å oppnå denne oppgaven i arbeidet sitt. En av hans mest kjente malerier"Prayer Before Dinner" er ikke full av lyse farger, men utstråler samtidig godhet og fred.

Den skildrer en vanlig handling fra den tiden: en mor setter sine lekne døtre ved bordet og sørger for at de rosa kinnpikene leser en bønn. Handlingen foregår i et lite rom. Fra dekorasjonen forstår vi at dette er en mellominntektsfamilie. Hvite farger understreker familiens åndelige renhet og uskylden til jentene. Og myk brune nyanser gi varme til dette lille parisiske hjemmet.

I maleriet "Gutt med snurre" viste Chardin livligheten til sin ungdommelige karakter. Gutten så opp fra de kjedelige lærebøkene sine for å leke med snurretoppen – detaljene på bildet forteller oss om dette. Barnets ansikt er fullt av livlig interesse for det som skjer, og lysspillet og hans livlige ansiktsuttrykk gir lerretet spontanitet og sannhet.

På et senere tidspunkt av arbeidet hans viste Chardin seg som en fantastisk portrettmaler. Ansiktene til heltene hans ser nesten alltid verdige og fredelige ut. Chardin visste hvordan han skulle formidle denne tilliten og roen til publikum. Og dette var veldig verdifullt, fordi det var nettopp ro og stabilitet Frankrikes folk manglet så mye i sent XVIIIårhundre.

Kunstneren var selv et levende eksempel på en harmonisk tilværelse med omgivelsene, noe som tydelig gjenspeiles i selvportrettet hans. På den ser vi: en mann med skjerf som rolig ser gjennom pince-nezen på betrakteren. I hans blikk er det visdom ervervet gjennom i mange år kreativitet.

Jean-Baptiste-Simeon Chardin (født 2. november 1699, Paris, Frankrike, død 6. desember 1779 i Paris), fransk kunstner stilleben og hjemlige sjangerscener, kjennetegnet ved deres intime realisme, rolige atmosfære og den levende kvaliteten på malingen deres. For stillebenene sine valgte han beskjedne gjenstander ("Buffet", 1728), og for sjangermalerier var beskjedne hendelser et hyppig tema ("A Woman Writes a Letter", 1733). Han produserte også vakre portretter, spesielt i pasteller.

Navnet hans ble tradisjonelt antatt å være Jean-Baptiste-Simeon, men "Baptiste" ser ut til å ha vært en skrivefeil, og Jean-Simeon er nå den aksepterte formen.

Chardin ble født i Paris og forlot aldri hjembyen Saint-Germain-des-Prés. Lite er kjent om treningen hans, selv om han jobbet kort med artistene Pierre-Jacques Cazes og Noël-Nicolas Coypel. I 1724 ble han tatt opp i St. Lukas Akademi. Imidlertid begynte hans sanne karriere i 1728, da han takket være et portrett av Nicolas Largilliere (1656-1746) ble medlem av Royal Academy of Painting and Sculpture, ved opptak som han presenterte maleriene sine "Scat" (ca. . 1725) og "Buffet" (1728).

"Scat," etter Chardins standarder, er et uvanlig levende verk: den sløyde fisken har en merkelig " menneskelig ansikt", vridd til en grusom grimase og hennes rå kjøtt avbildet med mesterlig dyktighet. Resten av livet var Chardin et hengivent medlem av akademiet - han deltok flittig på alle møter og fungerte som kasserer i nesten tjue år (1755-74), ansvar som han nærmet seg mest strengt og ærlig, som han hadde for et eksemplarisk rykte.

I 1731 giftet Chardin seg med Marguerite Sendar, og to år senere avduket han det første av maleriene hans, Woman Writing a Letter. Siden den gang valgte Chardin «la vie silencieuse» («stille liv») eller scener som motiv for maleriene sine. familieliv, som «Saying Grace» og tegninger av unge menn og kvinner som konsentrerer seg om arbeidet eller leken. Kunstneren gjentok ofte motivene sine og det er ofte flere originalversjoner av samme maleri. Chardins kone døde i 1735, og en inventar samlet etter hennes død viser en viss rikdom. Det antas at Chardin allerede på dette tidspunktet hadde blitt en suksessfull artist.

I 1740 ble Jean-Simeon introdusert for Ludvig XV og nådde høyden av respekt på 1750-tallet, da Ludvig XV ga ham en årlig godtgjørelse (1752) og boliger i Louvre for å bo og arbeide. Til tross for kongelig gunst, levde han et liv med enestående hengivenhet til kunsten sin: bortsett fra korte besøk til Versailles og Fontainebleau, forlot han aldri Paris.

Fire år senere giftet han seg med Marguerite Pouget, som han udødeliggjorde 30 år senere med et pastellportrett av henne. Dette var årene da Chardin var på høyden av sin berømmelse. For eksempel betalte Louis XV ham 1500 livres for Lady with Organ and Birds. Chardin fortsatte å stige jevnt og trutt gjennom gradene av den tradisjonelle akademiske karrieren. Hans kolleger ved akademiet, først uoffisielt (1755) og deretter offisielt (1761), valgte ham til å føre tilsyn med opphengingen av malerier på Salon (den offisielle utstillingen til Royal Academy), som ble holdt regelmessig hvert annet år fra 1737 og utover. der Chardin deltok meget samvittighetsfullt. Det var i utførelsen av sine offisielle plikter han møtte leksikonen og filosofen Denis Diderot, som dedikerte noen av sine beste sidene kunstnerisk kritikk til Chardin, den "store magikeren" som han så beundret.

Jean-Simeon Chardin var nærmere følelsen av meditativ stillhet som liver opp de rustikke scenene til den franske 1600-tallsmesteren Louis Le Nain enn ånden av lys og overfladisk glans som er sett i arbeidet til mange av hans samtidige. Hans nøye konstruerte stilleben buler ikke med appetittvekkende mat, men er minneverdig for selve gjenstandene og behandlingen av lys. I sine sjangerscener leter han ikke etter sine modeller blant bondestanden, slik forgjengerne gjorde. Han skriver småborgerskapet i Paris. Men oppførselen hans er myknet, og modellene hans ser ut til å være langt unna de harde bøndene i Lenain. Husmødrene til Chardin er kledd enkelt, men pent, og den samme rensligheten er synlig i husene der de bor. Overalt utgjør en slags nærhet og god kommunikasjon sjarmen til disse beskjedne bildene av hverdagen, som er beslektet med den sensuelle stemningen og formatet til Johannes Vermeers verk.

Til tross for triumfene til hans tidlige og voksenlivet, siste årene Chardin ble overskygget både i sitt personlige liv og i karrieren. Hans eneste sønn, Pierre-Jean, som mottok Grand Prix (prisen for studiet av kunst i Roma) ved akademiet i 1754, begikk selvmord i Venezia i 1767. Og så begynte smakspreferansene å endre seg i det parisiske samfunnet. Den nye direktøren for akademiet, den innflytelsesrike Jean-Baptiste-Marie Pierre, i sitt ønske om å etablere historisk maleri i første omgang, ydmyket den gamle kunstneren ved å redusere pensjonen hans og gradvis frata ham pliktene ved akademiet. I tillegg ble Chardins syn dårligere. Han prøvde å tegne med pasteller. Dette var et nytt middel for ham og forårsaket mindre belastning på øynene. Chardins pasteller, hvorav de fleste er i Louvre, er høyt verdsatt nå, men ble ikke særlig verdsatt i sin tid. Faktisk levde han den siste perioden av sitt liv i nesten fullstendig uklarhet, og hans senere arbeider ble mottatt med likegyldighet.

Det var først på midten av 1800-tallet at det ble gjenoppdaget av en håndfull franske kritikere, inkludert brødrene Edmond og Jules de Goncourt, og høyt verdsatt av samlere (som Lavaillard-brødrene, som donerte Chardin-samlingen sin til Picardie-museet i Amiens). Louvre gjorde sine første anskaffelser av arbeidet hans på 1860-tallet. I dag anses Chardin den største kunstneren stilleben fra 1700-tallet, og lerretene hans inntar hedersplasser i de mest fremragende museene og samlingene i verden.