하이든과 모차르트 작품의 교향곡. 모차르트 작품: 목록. 볼프강 아마데우스 모차르트: 창의성. 작곡가에 대한 간략한 정보
모차르트는 11세부터 평생 동안 오페라를 작곡했습니다. 그러나이 분야에서 그의 가장 높은 업적은 비엔나 시대 ( "피가로의 결혼", "돈 조반니", "마술 피리")로 거슬러 올라갑니다. 모차르트는 다양한 유형과 장르의 오페라를 썼습니다.
징슈필(마술피리, 세라글리오의 납치)
오페라 부파('피가로의 결혼', '그것이 모든 여자가 하는 일')
오페라 시리즈(“크레타의 왕 이도메네오”, “티투스의 자비”).
오페라 "돈환"뮤지컬 비극과 코미디의 특징을 결합한 는 이러한 유형으로 축소 될 수 없습니다. 모차르트는 이를 '게이 드라마'라고 불렀다. 이 오페라는 프라하 오페라 하우스의 주문으로 제작되었습니다. 오페라의 가장 높은 성취는 전통적인 숫자를 완전한 숫자로 나누는 엔드 투 엔드 개발 경향입니다.
오페라 '피가로의 결혼'검열에 의해 금지되었다는 사실에도 불구하고 Beaumarchais의 3부작 "Crazy Day, or The Marriage of Figaro"의 두 번째 부분을 기반으로 작성되었습니다(코미디는 1789년 부르주아 혁명 직전에 프랑스의 봉건 귀족 질서를 폭로합니다). .
오페라에서 "마법의 피리"모차르트가 속한 종교적, 윤리적 가르침인 프리메이슨의 일부 측면이 반영되었으며, 최근 몇 년간 프리메이슨 칸타타를 여러 편 썼습니다. 오페라는 어둠에 대한 빛, 악에 대한 이성과 선의 승리를 의미하는 철학적 동화입니다. 정의, 형제애, 우정의 이상적인 왕국이 이곳에서 동화의 형태로 찬미됩니다. 마술피리에서 모차르트는 음성 대화와 독일어 텍스트를 사용하여 징슈필 장르로 전환합니다. 베토벤은 이 오페라를 아마도 모차르트의 최고의 오페라라고 여겼습니다. 괴테는 『마술피리』에 매료되어 속편을 구상했고 심지어 대본도 쓰기 시작했습니다.
모차르트는 글루크와 함께 18세기 오페라 하우스의 가장 위대한 개혁가였습니다. 그러나 그와는 달리 이론적으로는 개혁을 선언하지 않았다. Gluck이 음악을 극적인 행동에 종속시키려고 한다면, 반대로 Mozart에게는 음악이 오페라의 기초였습니다. 모차르트는 “오페라에서 시는 음악의 순종적인 딸이어야 한다”고 썼습니다. 모차르트는 대본의 텍스트가 간결해야 하며 행동을 방해해서는 안 된다고 믿었습니다.
모차르트 오페라 극작술의 가장 혁신적인 업적 중 하나는 다음과 같습니다. 음악적 특성의 숙달배우. 모차르트 이전에는 영웅들의 음악적 특성이 거의 완전히 무시되었습니다. 이것은 표현력이 발전된 기술을 갖춘 일종의 음악적 "가면"이었습니다. Leitmotif에 의지하지 않고 Mozart는 오페라의 영웅들에게 일관된 이미지를 형성하는 멜로디 전환을 부여했습니다. 따라서 돈 후안의 이미지에서는 삶의 즐거움, 용기, 용기에 대한 그의 사랑이 강조됩니다. Suzanne의 이미지-여성스러운 매력, 교활함. 캐릭터의 음악적 특성은 아리아에 집중되어 있습니다. 모차르트는 또한 일반적으로 강렬한 극 전개가 풍부한 앙상블에 중요한 역할을 할당합니다.
4. 모차르트의 교향곡 작품. 교향곡. 콘서트.
모차르트가 만든 교향곡의 장르에는 교향곡, 세레나데, 다양화, 카세이션(세레나데에 가까운 장르), 오케스트라와 함께하는 다양한 악기 연주회 등이 있습니다.
모차르트는 평생 동안 오페라와 기악 작품을 동시에 작업했는데, 이는 상호 영향:오페라 음악은 교향곡 발전 기술로 풍부해지고, 기악은 선율로 가득 차 있습니다. 모차르트의 교향악과 실내악 작품의 많은 음악적 이미지는 그의 오페라의 아리아와 앙상블에 가깝습니다(교향곡 40번의 G.P.I 부분과 케루비노의 아리아 "말할 수 없어요, 설명할 수 없어요", "초상화가 있는 아리아") "마술피리"의 타미노(교향곡 40번 제2부의 주제).
모차르트 교향곡 이미지:
서정적인
춤
극적인
철학적.
극주의는 종종 하나의 테마 내에 대조되는 요소가 존재함으로써 달성되었습니다. 이는 베토벤의 작품에서 개발된 모차르트 스타일의 특징입니다(교향곡 41번 "Jupiter"의 G. P. I 부분, 2개의 대조 요소로 구성: 용감한- 영웅적이고 서정적). 하나의 주제에 서로 대조되는 두 가지 요소의 존재는 이후 다양한 음악적 이미지의 전개와 비교, 충돌을 불러일으키는 자극제가 된다.
모차르트는 I.K의 교향곡에 영향을 받아 8세 때 첫 교향곡을 썼습니다. 바흐. 모차르트의 초기 교향곡은 모음곡, 세레나데, 디베르티멘토에 가깝고 주기의 유기적 통일성이 없습니다.
모차르트의 가장 유명한 세 개의 교향곡은 1788년에 작곡되었습니다.
39번 Es-dur – 댄스 테마를 기반으로 한 영웅적이고 드라마틱하며 가벼운 느낌;
No. 40 g-moll – 서정적으로 표현력이 풍부하고 경건하게 흥분됩니다. 때로는 "베르테리안(Wertherian)"이라고도 불립니다. 괴테의 <젊은 베르테르의 슬픔>처럼 <폭풍우와 드랑> 시대의 분위기 속에서 탄생해 감성이 고조되고 감정이 분출되는 낭만주의 교향곡을 기대하게 한다.
41번 C-dur(“Jupiter”) – 장엄하고 기념비적입니다(모차르트는 이 이름을 지정하지 않았습니다). 그 특징은 모든 발전이 웅장한 대성당을 장식하는 장엄한 돔처럼 교향곡을 장식하는 기념비적인 피날레로 이어진다는 것입니다(피날레는 소나타 알레그로와 삼중 푸가의 조합입니다).
모차르트의 작품에서 중요한 장소 중 하나는 다음과 같습니다. 오케스트라와 함께하는 다양한 악기 연주회.클래식 형식 콘서트에는 두 가지 박람회가 포함됩니다.
I - 주요 주제 자료가 제공되는 오케스트라 박람회
II – 솔로 악기의 노출.
솔로 부분은 그 기교로 구별되었습니다. 자유로운 거장 카덴차(첫 번째 부분의 코다 전 K 6 4 이후)는 솔리스트의 즉흥 연주를 위해 디자인되었습니다. 카덴차는 19세기에 들어서야 작곡가가 직접 작곡하기 시작했는데, 콘서트의 두 번째 부분은 느리고 세 번째 부분은 장르의 피날레입니다.
모차르트의 수많은 협주곡 중에서 피아노 협주곡이 눈에 띕니다. d-moll, c-moll, C-dur, Es-dur; 바이올린 - D-dur, A-dur. 이것은 콘서트와 교향곡의 걸작입니다. 모차르트의 협주곡은 그의 교향곡만큼 교향곡적입니다.
모차르트의 오케스트라는 하이든의 오케스트라(페어링)와 동일한 구성입니다. 그러나 모차르트는 악기의 표현적 특성, 멜로디(특히 현악기)를 더 많이 활용했습니다.
볼프강 아마데우스 모차르트(1756~1791)
모차르트가 살고 활동했던 시대로부터 200년이 넘는 세월이 우리를 갈라놓고 있습니다. 그 해는 사람들의 삶의 방식과 지구의 모습을 근본적으로 변화시킨 가장 중요한 역사적 사건들로 가득 찬 세월이었습니다. 그러나 인류의 가장 위대한 음악 천재 중 한 명인 볼프강 아마데우스 모차르트의 예술은 변함없이 생생하고 아름답습니다. 차이콥스키는 “내가 깊이 확신하는 바에 따르면 모차르트는 음악 분야에서 아름다움이 도달한 최고의 정점이다”라고 말한 적이 있다. 또 다른 뛰어난 창조자인 쇼스타코비치는 그에게 다음과 같이 정의했습니다. “모차르트는 음악의 청년이자, 인류에게 봄의 부활과 영적 조화의 기쁨을 가져다주는 영원한 젊은 봄입니다.” 모차르트의 천재성의 다재다능함은 놀랍습니다. 그는 오페라와 교향곡, 실내악과 합창 작품 모두에서 똑같이 훌륭합니다. 그는 각 장르에서 걸작을 창조했습니다. 모차르트의 짧은 생애는 대조로 가득 차 있었습니다. 4세에 첫 하프시코드 협주곡을 작곡하고 바이올린과 오르간도 연주한 신동인 그는 어린 시절부터 여러 나라를 순회하며 범유럽적인 명성을 얻었습니다. 성숙한 시절에 그는 인식 부족으로 고통 받았습니다. 왕관을 쓴 머리의 애무를받은 그는 오랫동안 독재적인 잘츠부르크 대주교로부터 거의 농노 생활을했으며 이러한 유대를 끊었을 때 그는 절박한 필요의 멍에 아래 구부러져 악의와 시기심에 시달렸습니다. 밝고 삶을 긍정하는 음악, 낙관적인 힘으로 가득 차 있습니다.
피가로의 결혼, 돈 조반니, 마술피리 등의 명작을 남긴 천재 오페라 작곡가 모차르트는 교향곡에 한 시대를 열었습니다. 그는 이 장르에서 20년 넘게 일하면서 약 50곡의 교향곡을 작곡했습니다. 첫 번째 교향곡은 6세에 그가 작곡했으며 요한 크리스티안 바흐의 스타일을 모방한 반면, 후자는 하이든의 후기 교향곡에 영향을 미치고 여러 면에서 하이든에서 더 많이 나온 베토벤뿐만 아니라 베토벤의 현상을 예상했습니다. 그것도 슈베르트에게서. 모차르트의 40번 교향곡은 슈베르트의 "미완성"의 직계 전신인 낭만주의 교향곡의 선구자이며, 그 영향은 차이콥스키의 "겨울 꿈" 교향곡과 칼린니코프의 교향곡 1번에서 분명하게 드러납니다. 41번 교향곡은 마지막에도 이어졌고, 역시 슈베르트의 다장조로 마치 브람스 교향곡처럼 들린다. 즉, 모차르트의 교향곡은 한 세기 동안 이 장르의 발전을 결정했습니다! 볼프강 아마데우스 모차르트는 1756년 1월 27일 작은 교회 카운티의 수도인 잘츠부르크에서 태어났습니다. 그의 아버지 레오폴트 모차르트(Leopold Mozart)는 잘츠부르크 대주교 합창단의 일원이었으며 훌륭한 바이올리니스트였으며 나중에 밴드 마스터가 되었고 많은 음악 작품의 저자가 되었습니다. 그는 이미 어린 시절부터 경이로운 능력을 보여준 아들의 첫 번째 교사였습니다. 네 살 때 아이는 아직 음표를 쓰는 법을 몰랐지만 건반 협주곡을 작곡하려고했고, 일곱 살 때 바이올린을 선물로 받아 두 번째 바이올리니스트를 대신 할 수있었습니다. 트리오에서는 시트에서 직접 자신의 역할을 연주합니다. 다행스럽게도 아버지는 뛰어난 재능을 지닌 아이의 성장을 능숙하게 지도해 준 훌륭한 교사였습니다. 18세기의 어떤 작곡가에게도 그처럼 총명하고 예민한 스승이 없었습니다.
1762년 초부터 L. Mozart는 아들의 작곡(처음에는 작은 건반 부분, 그다음에는 더 큰 부분)을 기록한 공책을 보관했습니다. 같은 해 모차르트 가족은 유럽 순회 연주회를 떠났습니다. 소년 외에도 훌륭한 음악가이자 거장 하프시코드 연주자였던 그의 누나 마리아 안나(1751년생)도 콘서트에 참여했습니다. 모차르트는 뮌헨과 비엔나를 방문했고, 이듬해 여름에는 뮌헨, 아우크스부르크, 슈투트가르트, 프랑크푸르트 암 마인을 거쳐 브뤼셀, 런던, 파리를 거쳐 릴, 겐트, 앤트워프, 헤이그, 암스테르담을 방문했습니다. . 여행은 총 3년 동안 지속되었고, 어린 볼프강은 어디에서나 기쁨과 놀라움을 불러일으켰고 때로는 불신이 뒤섞였습니다. 그의 천재성은 정말 믿을 수 없을 만큼 보였습니다.
루이 15세는 베르사유에서, 파리의 퐁파두르 후작, 런던의 왕실 부부, 네덜란드의 오렌지 왕자 등 가장 정교한 청중 앞에서 공연했습니다. Little Mozart는 클라비어 연주자로서 혼자, 네 손에 그의 여동생과 함께, 그리고 바이올리니스트로 공연했습니다. 콘서트 프로그램에는 끊임없는 여행과 콘서트로 인한 엄청난 피로에도 불구하고 지속적으로 작곡 한 미리 배운 다른 사람과 자신의 작품뿐만 아니라 청중이 제시 한 주제에 대한 즉흥 연주도 포함되었으며 때로는 주제가 주어지는 것뿐만 아니라 , 또한 그것이 구현되어야 하는 형태이기도 합니다.
특히 콘서트 중 하나의 현재 남아 있는 프로그램에는 다음과 같이 적혀 있습니다. “아마데오 씨가 자신에게 제공된 구절을 바탕으로 즉시 작곡한 후 클라비코드를 반주하여 연주할 아리아... 주제에 대한 소나타 오케스트라의 첫 번째 바이올리니스트가 자신의 선택에 따라 프로포즈하고 아마데오 씨를 작곡하고 연주할 것입니다... 청취자들이 제안한 주제에 대한 푸가..." 일부 청취자들은 가짜라고 의심하여 너무 많은 즉흥 연주를 해야 했습니다. 그런 작은 아이는 작곡을 할 수 없었지만 아버지의 음악을 연주하고 있었습니다. 한번은 콘서트에서 바로 작품이 만들어지고 있다는 소식을 듣고 누군가가 그 문제에 악령이 없다고 제안하고 손가락에서 반지를 제거하라고 요구했습니다. 그는 그것이 마법이라고 판단하고 소년의 손을 통제했습니다.
해외에 있는 동안 어린 모차르트는 오르간 연주를 배웠고 많은 클라비어 작품 외에도 첫 번째 교향곡을 썼습니다. 이때 그의 첫 번째 소나타가 이미 출판되었습니다. 그 일은 어린이의 힘을 완전히 넘어서는 거대했습니다. 아마도 그녀는 건강을 약화시켜 조기 사망에 이르렀을 것입니다. 그러나 아버지는 그러한 생활 방식이 아들에게 얼마나 어려운지 잘 알고 고집스럽게 여행을 계속했습니다. 이것은 돈을 벌려는 욕구뿐만 아니라 아들을 위해 유럽의 명성을 만들어 미래의 삶을 더 쉽게 만들려는 생각을 반영했습니다. 시간은 그가 잘못 계산했음을 보여주었습니다. 아이들이 공연한 세련된 관객들은 그들을 진지한 음악가로 인식하지 않고 일종의 호기심, 자연의 기적, 헛된 호기심을 불러일으키는 것으로 인식하고 음악을 들으러 온 것이 아니라 궁중 의상을 입은 아기를 보러 왔습니다. 볼프강은 가루 가발을 쓰고 옆구리에 칼을 들고 공연했습니다. 그는 그런 트릭을 할 수 있습니다. 여행 기간 동안 모차르트는 콘서트와 공부뿐만 아니라 많은 음악을 들었습니다. 그는 특히 런던에서 완전히 대표되는 이탈리아 오페라에 대해 알게되었고 슈투트가르트에서 훌륭한 바이올리니스트 Nardini의 공연을 듣고 바이올린 음악에 진지하게 관심을 갖게되었으며 만하임에서는 유럽 최고의 오케스트라가 교향곡을 연주하는 것을 듣고 파리에서 즐겼습니다. 선보인 두냐와 필리도르의 코믹 오페라를 듣는 것은 이탈리아 오페라와는 전혀 다른 예술이다. 이 모든 것이 젊은 음악가의 지평을 넓히고 새로운 인상과 생각할 거리를 주었으며 즉시 자신의 작곡에 반영되었습니다.
잘츠부르크로 돌아온 소년은 대위법과 과거의 거장들의 악보를 진지하게 연구하기 시작했습니다. 그의 작업은 일시적인 연주 의존성에서 점차 벗어나고 있습니다. 그는 더 이상 다음 콘서트에서 연주해야 할 내용을 쓰지 않으며 키보드 작업에만 국한되지 않습니다. 그의 펜에는 그 당시의 일상 음악이 등장합니다. 악기 앙상블을 위한 카세이션과 세레나데, 이탈리아 아리아와 영적 칸타타 등이 있습니다. 1767년에 아버지는 비엔나에서 아들의 엄청난 성공을 염두에 두고 그를 다시 오스트리아 제국의 수도로 데려갔지만 이번에는 그의 희망이 실현되지 않았습니다. 그리고 내년에 모차르트가 비엔나에 다시 등장했을 때 더 이상 재미있는 신동이 아니라 12 세 소년 인 젊은 천재에 대한 음모가 시작되었습니다. 궁정 음악가들은 그에게 심각한 라이벌을 느꼈습니다.
모차르트의 첫 연극 작품이 된 3막의 이탈리아 오페라 '상상 속의 바보'는 기업가와의 계약에도 불구하고 비엔나에서 상연되지 않았고 이듬해 잘츠부르크에서 공연됐다. 동시에 젊은 작곡가는 프랑스 코믹 오페라의 모델을 기반으로 완전히 다른 스타일로 단막 오페라 "바스티앙과 바스티엔"을 썼습니다. 물론 이것은 독립적 인 에세이가 아니 었습니다. 인생 경험이없고 아직 자신의 재능을 깨닫지 못한 소년이 무엇을 제공 할 수 있습니까? 그는 자신이 들은 내용에 의존하고 익숙한 패턴을 사용했습니다. 그러나 그의 음악은 훌륭한 음악적 재능, 진정으로 흥미로운 모든 것에 대한 민감성, 영적인 반응성을 드러냈습니다.
같은 해에 그는 교향곡, 노래, 미사를 작곡했습니다. 1769년 초에 그는 아버지와 함께 잘츠부르크로 돌아왔는데, 그곳의 대주교는 그를 밴드 마스터로 일하게 했으나 한 푼도 지불하지 않았습니다. 그는 그의 지휘자인 장로 모차르트가 오랫동안 자리를 비울 수 있도록 자비롭게 허락함으로써 모차르트를 위해 충분한 일을 했다고 믿습니다.
잘츠부르크에서 소년은 평소 활동을 계속합니다. 그는 카세션과 미뉴에트에서 미사와 테 데움에 이르기까지 다양한 장르를 작곡합니다. 아들의 교육을 완벽하게 마치고 싶은 아버지는 연말에 아들을 음악의 나라 이탈리아로 데려간다. 여행은 1771년 3월까지 계속되었으며, 같은 해인 1771년과 1772~1773년 시즌에 젊은 모차르트는 이탈리아를 두 번 더 방문합니다. 그리고 그곳에서 그는 연주자, 즉흥 연주자, 작곡가로서의 그의 기술로 음악가들을 놀라게 합니다. 로마에서 그는 단 한 번만 들었던 알레그리의 유명한 Miserere를 녹음하여 자신의 아버지를 포함해 모든 사람을 놀라게 했습니다. 시스티나 성당을 위해 특별히 쓰여진 이 작품은 교황의 소유였으며, 그 악보를 성당 밖으로 가져가거나 누구에게도 보여 주는 것이 엄격히 금지되었습니다. 모차르트는 밀라노에서 상연되는 오페라 세리아 "폰토스의 왕 미트리다테스"를 공연하도록 의뢰받습니다. 그녀는 큰 성공을 거두었고 청중은 "브라보, 마에스트리노"라고 외쳤습니다. 여기저기서 주문이 들어오고 있습니다. 오페라를 작곡하는 동시에 모차르트는 옛 이탈리아 거장들의 합창 다성음악을 공부하고 유명한 파드레 마르티니와 함께 공부했으며 볼로냐 아카데미에서 가장 어려운 시험을 통과했습니다. 전통적인 학술 대회에서 그는 단 30분 만에 엄격한 고대 스타일로 디자인된 그레고리오 성가를 주제로 한 다성 합창 작품입니다. 그리고 전례 없는 일이 일어났습니다. 젊은 음악가는 졸업장을 받았을 뿐만 아니라 볼로냐 음악 아카데미의 회원으로 선출되었습니다.
우승자로 귀국한 모차르트는 오페라, 협주곡, 교향곡, 실내악을 썼지만 동시에 잘츠부르크 대주교의 궁정 반주자로 남았습니다. 그들은 해마다 같은 수업, 같은 장소에서 합격합니다. 그의 물질적 문제는 훌륭하지 않으며 그의 아버지는 새로운 유럽 국가 여행을 생각하고 있지만 대주교는 그가 떠나는 것을 거부합니다. 1777년에 모차르트는 더 이상 잘츠부르크에 머물 수 없다고 느꼈고 더 넓은 활동 분야를 갈망했습니다. 그리고 주인에게 복종할 수밖에 없었던 아버지는 아들을 어머니와 함께 유럽 여행에 보낸다. 그들은 뮌헨, 아우크스부르크, 만하임, 마지막으로 파리로 이동합니다. 모차르트는 유급 일자리를 찾으려고 노력하지만 어디에서도 일자리를 구할 수 없습니다. 그는 만하임에서 특히 오래 머물렀다. 그리고 그를 매료시키는 것은 지역 오케스트라의 영광만이 아니다. 많은 음악가들과 우정을 쌓아온 그는 그들의 집을 방문하고 연극 프롬프터이자 필사자인 알로이시아 베버의 딸인 젊은 가수를 만난다. 그는 그녀를 위해 아리아를 작곡하고 아버지에게 열성적인 편지를 썼지만 이에 대해 그는 엄중한 질책을 받았습니다. L. Mozart는 자신의 사랑이 아닌 아들의 미래에 대해 생각하고 즉각적인 출발을 요구합니다. “당신의 편지는 소설처럼 쓰여졌습니다.”라고 그는 썼습니다. - 파리로 행진. 그리고 빨리... 시저 아니면 아무도 없습니다! 파리를 본다는 단 하나의 생각만으로도 모든 무작위 발명으로부터 당신을 보호할 수 있습니다. 파리에서 재능의 명성과 이름이 전 세계에 퍼지고, 그곳의 고귀한 사람들은 최고의 겸손과 깊은 존경심과 공손함으로 천재를 언급하며, 그곳에서는 우리 독일 신사 숙녀들의 무례함과는 놀라울 정도로 다른 뛰어난 사회적 매너를 보게 될 것입니다. 그러면 당신의 프랑스어 실력이 향상될 것입니다."
그리고 모차르트는 파리로 가지만 그의 희망은 그를 속인다. 유명한 프랑스 교육자 그림(Grimm)은 이에 대해 모차르트의 아버지에게 다음과 같이 썼습니다. 교활하고, 진취적이고, 대담해야 합니다. 재능은 절반, 손재주는 두 배로 줬으면 좋겠는데... 대중은... 이름만 중요하게 여긴다." 어떻게 든 돌파하려는 실패한 시도에 더해 요즘 파리 대중은 소위 "글루크주의자들과 피치니스트들의 전쟁", 즉 글룩의 오페라 개혁 지지자들과 이탈리아 피치니의 오페라를 선호합니다. 파리에서 그는 큰 손실을 입습니다. 그의 어머니는 죽습니다. 고아가 되고 실망한 모차르트는 1779년 초 잘츠부르크로 돌아왔고, 그곳에서 아버지의 노력으로 오르간 연주자와 악단 연주자의 지위를 받았습니다.
이제 그는 더 이상 자유롭지 않습니다. 법원 서비스의 의무는 그의 삶을 엄격하게 규제합니다. 작곡가는 글을 많이 쓴다. 그럼에도 불구하고 Gluck의 뮤지컬 드라마는 그에게 큰 인상을 주었고 이탈리아 오페라에 비해 새로운 길에 대해 생각하게 만들었 기 때문에 파리에서의 그의 체류는 유용한 것으로 판명되었습니다. 이것은 그의 오페라 Idomeneo (1780)에 영향을 미칩니다. 그는 교향곡, 기악 연주회, 세레나데, 다양화곡, 사중주, 종교 음악을 작곡합니다. 그리고 매일 대주교에 대한 그의 의존은 점점 더 견딜 수 없게되고, 수년간 여행에 그의 아버지를 보낸 계몽되고 관대 한 잘츠부르크의 전 통치자가 죽었고 그의 자리는 제한적이고 독재자.
모차르트는 하인 취급을 받았고 해외에서 그의 명성은 더욱 커졌습니다. 이것은 1781년에 대주교가 궁정과 함께 나타난 비엔나에서 특히 굴욕적인 일이 되었습니다. 작곡가는 자신이 열렬히 애착을 가졌던 아버지 때문에 굴욕을 당했지만, 마침내 인내심이 부족해 사임을 요구했다. 그는 잘츠부르크에 남아 있는 아버지에게 이렇게 편지를 썼습니다. “나는 아직도 담즙이 가득합니다! 그리고 나의 최고이자 가장 사랑하는 아버지이신 당신은 물론 저를 동정하십니다. 내 인내심은 너무 오랫동안 시험을 받아 마침내 무너졌습니다. 나는 더 이상 잘츠부르크 서비스에 있을 만큼 불행하지 않습니다. 오늘은 나에게 가장 행복한 날이다." 모든 음악가들이 안전한 수입을 얻기 위해 일종의 법정 지위를 차지하려고 노력했던 그 해에 전례가 없었고 들어 본 적도 없었던 그의 행동을 이해하지 못한 그의 아버지의 반대에 응답하여 모차르트는 터무니없는 것에 대해 말했습니다. 그와 대주교 사이의 중개자였던 아르코 백작의 그에 대한 태도 , 그리고 이미 베토벤의 불굴의 정신을 들을 수 있는 의미심장한 말로 편지를 마무리했습니다. “마음은 사람을 고상하게 합니다. 그렇다면 내 속은 아마도 백작의 속보다 더 정직할 것이다. 그 사람은 궁중이나 백작일지 몰라도 나를 모욕하면 개자식이다. 첫째, 나는 그가 자신의 일을 얼마나 형편없고 형편없이 수행하는지 그에게 매우 정중하게 설명할 것입니다. 그러나 결국 나는 그가 나에게서 발길질을 기대하거나 뺨을 두 번 때릴 것이라고 서면으로 그에게 확신시켜야 할 것입니다. ”
자유롭고 독립적인 삶이 시작되었습니다. 모차르트가 모든 장르, 특히 마지막 위대한 오페라, 마지막 교향곡, 레퀴엠 등 모든 장르에서 최고의 작품을 창작한 것은 바로 이때였습니다. 1782년에 그는 이미 결혼한 알로이시아의 여동생 콘스탄체 베버와 결혼했다. 그리고 그는 아버지의 뜻에 어긋나게 행동합니다. 같은 해 작곡가가 국가 장르 인 Singspiel을 기반으로 한 진정한 독일 오페라를 창작하려는 오랜 아이디어를 실현 한 오페라 "The Abduction from the Seraglio"가 등장했습니다. “세라글리오의 납치”는 비엔나에서 성공을 거두었고 프라하, 만하임, 본, 라이프치히, 잘츠부르크에서 공연되었습니다. 모차르트는 광범위한 콘서트 활동, 런던과 파리로의 초대, 귀족 집에서의 작업, 오페라 주문을 기대하고 있지만 통찰력있는 그림이 쓴 자질도 여기에서 방해가 됩니다. 비엔나 음악가와 작곡가의 음모, 시기심, 사소한 계산이 들어옵니다. 플레이는 매우 어렵습니다. 자유와 가족의 행복에도 불구하고 인생의 마지막 몇 년은 번영과는 거리가 멀습니다. 그 출구는 모차르트와 그의 명성이 절정에 달했던 존경받는 하이든 사이에서 시작된 우정으로 밝혀졌습니다. 모차르트는 하이든의 후기 작품에서 많은 것을 배웠지만, 후자의 영향은 모차르트 사후에 쓴 거장의 작품에서도 느낄 수 있다.
세라글리오의 납치 뒤에는 화려한 피가로의 결혼(1786)이 이어집니다. 이에 대한 작업은 모차르트가 보마르셰(Beaumarchais)의 자유를 사랑하는 작곡을 알게 된 1785년에 시작되었습니다. 비엔나에서는 코미디 제작이 정치적으로 위험한 것으로 간주되어 금지되었습니다. 그러나 재능있는 작가이자 교활한 사업가 인 대본가 Da Ponte는 검열 새총을 극복했습니다. 오페라는 상연되었지만 비엔나에서는 첫 공연의 엄청난 성공에도 불구하고 음모로 인해 무대에서 금방 사라졌습니다. 그러나 같은 해에 상연된 프라하에서는 오랫동안 지속적인 성공을 거두었습니다. 그때부터 모차르트는 프라하와 청중을 사랑하게 되었고, 그는 그들을 “나의 프라하 주민”이라고 불렀습니다. 1787년에 그가 여행했던 프라하의 경우 작가가 장르를 정의한 대로 "돈 조반니"가 "쾌활한 드라마"로 쓰여졌습니다. 이 작품은 세계 오페라 레퍼토리 중 최고 중 하나인 혁신적인 작품입니다.
비엔나로 돌아온 모차르트는 궁정 실내악 연주자로 직무를 시작했습니다. 이 직위는 그 자리를 맡았던 Gluck이 죽은 후에 그에게 주어졌습니다. 그러나 그는 일의 부담을 느꼈습니다. 이미 최고의 작품을 만든 작곡가는 코트 무도회 및 기타 중요하지 않은 작품을위한 음악을 써야했습니다. 물론 그는 완전히 다른 음악도 썼습니다. 1788년에 모차르트 교향곡의 정점을 표시하고 베토벤을 위한 하이든 교향곡과 함께 길을 닦은 마지막 세 개의 교향곡이 등장했으며 어떤 면에서는 슈베르트를 예고하기도 했습니다.
법원의 지위도, 수많은 명령도, 오페라 제작도 모차르트를 빈곤에서 구하지 못합니다. 최근 몇 년간 그는 자녀 출산으로 인해 늘어나는 가족을 부양하는 데 필요한 수입을 마련하기 위해 고군분투하고 있습니다. 자신의 업무를 개선하기 위해 1789년에 그는 자신이 사랑하는 프라하로 여행을 떠난 후 베를린, 드레스덴, 라이프치히로갔습니다. 그의 콘서트는 큰 성공을 거두었지만 수입은 거의 없었습니다. 그는 프로이센 궁정의 포츠담에서 공연했고 왕은 그에게 궁정에 남아 있도록 초대했지만 작곡가는 비엔나에서 복무를 그만두는 것이 불편하다는 것을 알게 되었습니다.
여행을 마치고 돌아와 코믹 오페라 '이것이 모든 여자가 하는 일'을 쓰기 시작했고, 1791년에는 전통적인 이탈리아 오페라 세리아 장르로 돌아와 '티토의 클레멘자'를 썼다. 이때까지 그는 피곤하고 지치고 아팠습니다. 그러나 그는 여전히 Singspiel 장르의 시적 철학적 오페라 동화 인 "The Magic Flute"를 쓸만큼 충분한 힘을 가지고 있습니다. 이는 작곡가의 프리메이슨 감정을 반영했습니다(그는 Crowned Hope 롯지의 회원이었습니다).
같은 날 그는 신비한 명령을 받습니다. 자신의 이름을 밝히고 싶지 않은 낯선 사람이 레퀴엠을 쓰겠다고 제안합니다. 완전히 아픈 작곡가는 자신이 레퀴엠을 스스로 쓰고 있다고 생각하지 않을 수 없습니다. 나중에야 전문 작곡가들에게 비밀리에 작품을 주문한 후 자신의 작품인 것처럼 전달한 아마추어 Walseg 백작이 주문을 했다는 것이 분명해졌습니다. 이것은 레퀴엠에서는 실패했습니다. 모차르트는 생애 마지막 날까지 일했지만 그것을 끝낼 시간이 없었습니다.
그는 1791년 12월 5일 비엔나에서 사망했다. 매장할 돈이 없었기 때문에 그들은 그를 일반 무덤에 묻었습니다. 몸이 좋지 않은 그의 아내는 묘지에 가지 않았고 곧 그의 재의 흔적도 사라졌습니다. 모차르트가 죽은 지 수년이 지난 후, 위대한 작곡가가 이곳 어딘가에 묻혔다는 표시로 묘지에 기념비가 세워졌습니다.
작곡가가 죽은 직후 살리에리가 시기심 때문에 그를 독살했다는 소문이 퍼졌습니다. 살리에리는 죽기 전에 독살을 자백했다고 한다. 그러나 그는 정신과 진료소에서 죽어 가고 있었고 의사와 경비원은 자백을 듣지 못했고 낯선 사람이 환자를 볼 수 없다고 맹세했습니다. 발생한 범죄를 확신하고 "돈 후안"을 야유한 사람이 그 창조자를 독살했을 수 있다는 푸쉬킨의 유명한 진술은 단지 소문에 근거한 것입니다. 비엔나 초연에서 Don Giovanni는 실패했고 Salieri가 휘파람을 불더라도 아무도 눈치 채지 못했을 것이므로 이에 대한 데이터는 보존 될 수 없었으며 오페라가 놀라운 성공을 거둔 프라하에서는 Salieri가 없었습니다. 더욱이 그는 부러워 할 것이 없었습니다. 그는 비엔나의 첫 번째 작곡가로 간주되었고 재정적으로 부유 한 것 이상인 법원 지휘자 였지만 모차르트는 가난하고 거의 가난하게 살았습니다. 그리고 Salieri의 오페라는 비엔나 극장 무대에서 차례로 공연되었지만 Mozart의 경우 모든 것이 훨씬 더 복잡했습니다. 그리고 연구원들의 최신 연구는 우리가 이 낭만적인 전설을 완전히 버리도록 강요합니다.
모차르트 이후에는 작곡가가 반대작으로 표시하지 않은 작품이 엄청나게 많이 남아 있었습니다. 그들 중 다수는 같은 키에 있습니다. 모차르트의 유산을 체계화하기 위해 그의 작품 연구원인 Köchel은 보편적인 카탈로그를 작성하는 등 엄청난 노력을 기울였습니다. 이 카탈로그의 번호는 색인 KK(Köchel 카탈로그)와 함께 각 교향곡의 일련 번호와 함께 제공됩니다.
교향곡 34번
교향곡 34번 다장조, KK 338(1780)
창조의 역사작곡가는 1780년 8월 교향곡 34번 다장조를 작곡했습니다. 모차르트의 인생에서 이것은 어려운시기였습니다. 작년에 그는 또 다른 장거리 해외 여행을 마치고 돌아왔습니다. 그는 6세의 나이에도 나이를 뛰어넘는 재능으로 유럽의 여러 도시를 정복했다. 그러다가 13세에 볼로냐 음악원 회원이라는 타이틀을 얻게 되었고, 성인 음악가로서 범유럽적인 명성을 얻게 되었습니다. 그러나 아버지의 요청에 따라 마지막 여행을 떠났을 때 그는 크게 실망했습니다. 예복을 입은 기적의 아이에게 박수를 보냈던 파리는 성숙한 작곡가를 알고 싶지 않았습니다.
프랑스 수도는 그를 만날 시간이 없었습니다. Gluck의 오페라 개혁 지지자들과 진지하고 코믹한 전통 이탈리아 오페라를 선호하는 사람들 사이에 열정이 솟아 올랐습니다. 파리에서 이탈리아 오페라의 가장 큰 대표자는 피치니(Piccini)였다. 이 두 운동의 대표자들 사이의 불화를 글루크파와 피치니스트의 전쟁이라고 불렀으며, 모차르트는 그들 사이에 아무런 관련이 없었습니다.
무엇보다도 그는 심각한 타격을 입었습니다. 여행에 동행했던 그의 어머니가 사망했습니다. 슬픔과 실망에 시달린 그는 고향인 잘츠부르크로 돌아와 아버지의 모범을 따라 잘츠부르크 대주교 예배당에서 예배에 들어갔습니다. 그러나 그에게는 다른 선택의 여지가 없었습니다. 오직 영구적인 봉사 장소만이 그에게 안정적인 생계 수단을 제공할 수 있었습니다. 그러나 대주교는 변덕스럽고 독재적인 성격이 특징이었고, 이미 세계적으로 인정받고 자신의 천재성을 충분히 알고 있던 작곡가는 밀릴 수 있는 하인, 부하의 삶을 받아들일 수 없었다. 곧, 단 1년 안에 그는 대주교와 갑자기 헤어질 것이지만 그 동안 그는 그를 위해 일하고 그에게 필요한 음악, 즉 영적이고 재미있는 음악을 작곡하여 무도회와 갈라 디너에 동반합니다. 그러나 Si는 이미 이탈리아 장르의 고향에서 인정을 받은 여러 오페라의 저자이며 교향곡을 포함하여 30개 이상의 작품이 작곡된 다양한 장르의 많은 작품의 저자입니다.
교향곡 34번은 대주교의 예배당을 위해 작곡된 마지막 작품으로 밝혀졌습니다. 이것은 오케스트라의 겸손한 구성을 결정합니다. 예배당에는 플루트나 클라리넷이 없었습니다. 교향곡은 이미 비엔나에서 처음으로 연주되었는데, 그곳에서 모차르트는 대주교의 수행원과 함께하게 되었습니다. 아마도 모차르트가 초연이 1781년 4월 3일 "카린트식 문에서" 극장에서 열렸다고 썼을 것입니다. ”그러나 이에 대한 더 이상 정확한 정보는 없습니다. 불행히도 보존되지 않았습니다.
26세의 작곡가가 만든 34번 교향곡은 놀라운 작품이다. 세 부분으로 구성되어 있으며, 세 부분 모두 소나타 형식으로 작성되었으며, 매번 다르게 풀어집니다.
그 당시의 교향곡 주기에 일반적이었던 느린 도입부는 없으며, 이전에는 평화로운 서정적이거나 목가적인 갈등으로부터의 휴식의 순간을 표현했던 두 번째 악장은 가장 복잡하고 변증법적인 사용을 결정하는 깊이로 가득 차 있습니다. 모든 음악 형식. 메인과 부차적인 부분 외에 마지막 부분도 중요한 역할을 하며 독립적인 이미지의 의미를 획득한다. 이 모든 것은 분명히 혁신적인 기능으로, 심지어 브루크너의 낭만주의 교향곡의 특징을 예시합니다. 물론 여기서 규모와 오케스트라 수단은 당시 악기의 기능에 의해 제한되어 여전히 매우 미미합니다.
음악첫 번째 부분은 단호하고 단호하게 시작됩니다. 풀 오케스트라가 연주하는 팡파레 메인 주제는 모차르트의 가장 유명한 교향곡 41번 '주피터'의 시작 부분을 연상시킨다. 뚜렷한 대조를 이루는 두 가지 요소로 구성된 투명한 2차 요소가 나타납니다. 이는 "목성"과의 연관성을 불러일으키는 부드러운 움직임(단, 후자와 달리 여기서는 반음계가 하강함)과 마치 펄럭이는 실신처럼 부드럽습니다. 이번 전시는 폭넓게 확장된 최종 배치로 마무리됩니다. 개인의 이차 동기를 기반으로 한 개발에서는 흥분, 성급한 공포와 같은 낭만적이라고 부르고 싶은 특징이 나타납니다. 여기에서 아마도 또 다른 유명한 모차르트 교향곡인 "40번째"까지 스레드가 확장될 수 있습니다.
두 번째 느린 악장은 매력적인 구호로 가득 차 있다. 이 곡은 넓고 자유롭게 전개되는 선율과 균일한 분위기를 지닌 기악 로맨스곡이지만 전개 없이 소나타 형식으로 쓰여졌다. (이전에는 이별 교향곡에서 하이든만이 교향곡의 느린 부분에 있는 소나타 형식을 사용했는데, 모차르트는 이를 듣지 못했습니다.) 주요 부분은 바순의 뒷받침을 받는 현악기의 실내악 사운드 속에서 잔잔하게 펼쳐진다. 메인 바이올린의 분위기를 이어가는 두 번째 바이올린은 훨씬 더 챔버적입니다. 첫 번째 바이올린과 두 번째 바이올린의 2성부 연주입니다. 마지막 부분은 새로운 터치(약간 유쾌한 우아함)를 도입하고 설명을 거의 정확하게 반복하는 반복으로 이어지지만(측면 부분은 현재 기본 키에 있음) 마지막 부분은 의 마지막 마디에서 코다로 확장됩니다. 메인 테마가 다시 들립니다.
교향곡은 춤의 요소와 타란텔라의 매혹적인 리듬이 지배하는 회오리바람과 흥미진진한 피날레로 끝납니다. 전체 오케스트라 사운드의 주요 부분은 8분 음표의 동일한 연속 악장의 측면 부분으로 대체되지만 더 겸손한 사운드로 대체됩니다. 바이올린과 비올라만 두 개의 플루트와 바순으로 연결됩니다. 세 번째 이미지-마지막 부분-3 분의 1 플루트의 부드러운 멜로디는 기운찬 트릴과 함께 쾌활한 런 댄스로 이어집니다. 개발은 최종 테마를 기반으로 합니다. 마지막에는 반음계를 통한 움직임이 긴장감을 조성하고, 이는 재현의 등장으로 해소된다. 짧은 코다는 즐거운 긍정처럼 들립니다.
교향곡 34번
교향곡 35번 D장조, KK 385, 하프너(1872)
오케스트라 구성: 플루트 2, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현.
창조의 역사하프너 교향곡은 작곡가의 인생에서 가장 빛나는 시기에 만들어졌습니다. 그는 이탈리아에서도 인정받는 오페라, 34개의 교향곡, 수많은 기타 작은 작품, 기악, 성악, 영적 작품을 포함한 우리 시대의 가장 큰 연주자 중 한 명인 전 유럽의 명성을 얻은 작가입니다. 그리고 그는 무료입니다! 잘츠부르크 대주교 콜로레도 백작의 궁정 예배당에서 수년간 일한 후, 그는 자신을 하인으로 대하는 것에 분노하여 그와 헤어지고 비엔나에 남아 살았습니다. 누구에게도 봉사하지 않은 자유로운 음악가. 동시에 서비스만이 영구적인 수입을 제공할 수 있고 이제 모차르트는 고객, 콘서트 조직, 많은 사고에 의존하기 때문에 이는 매우 어려운 상황입니다. 그러나 그는 자유롭고 이것만으로도 행복할 것입니다. 한 번 더는 아니더라도 덜 중요한 상황은 아닙니다. 대주교와 헤어진 후 그는 사랑하는 Constance Weber와 결혼합니다.
1782년에 작곡된 이 교향곡은 잘츠부르크의 시장인 하프너(Haffner)의 집에서 가족 축하 행사를 위해 작곡되었습니다. 6년 전, 모차르트는 하프너의 딸 중 한 명의 결혼과 관련하여 세레나데를 작곡했습니다. 당시 작곡가는 독립된 곡들로 구성된 모음곡 형태의 세레나데를 창작하고자 했다. 그러나 작업 과정에서 전통적인 4악장의 교향악 사이클이 형성되었고, 오프닝 행진곡과 앞서 작곡된 2개의 미뉴에트 중 1곡은 작품의 최종판에 포함되지 않았다. 이 교향곡은 1783년 3월 30일 비엔나에서 처음으로 공개적으로 연주되었습니다. 작곡가는 잘츠부르크로부터 악보를 받고 매우 놀랐습니다. “새로운 하프너 교향곡은 나를 매우 놀라게 했습니다.”라고 그는 아버지에게 썼습니다. "나는 그녀에 대해 완전히 잊어버렸습니다. 하지만 그녀는 확실히 좋은 인상을 줄 것입니다." 작곡가는 착각하지 않았습니다. 반짝이는 낙천주의로 가득 찬 교향곡은 여전히 청취자의 사랑을 누리고 콘서트 프로그램에서 안정적인 위치를 차지하고 있습니다.
음악첫 번째 악장은 전체 오케스트라의 사운드로 시작되며, 일반적인 정사각형(4의 배수) 구조가 아닌 5개의 마디를 차지하는 주요 주제 테제를 강력한 조화로 억양하며 각진, 날카로운 멜로디 덕분에 쉽게 기억할 수 있습니다. 날카롭고 쫓기는 리듬. Tutti는 예비 코드로 지원되는 모노포니로 대체됩니다. 음파가 빠르게 증가합니다. 본질적으로 두 번째 부분은 다른 음조의 출현으로만 나타납니다. 왜냐하면 주요 부분은 바이올린에 의해 계속 들리고 바이올린의 새로운 주제는 마치 밝은 억양을 수반하는 것처럼 대위법으로 수행되기 때문입니다. 메인 멜로디. 역시 논문 주제를 기반으로 한 전개에는 다성적 기법이 스며들었고, 음조의 통일성 덕분에 성격이 훨씬 더 통일된 재현으로 빠르게 이어졌습니다. 따라서 소나타 알레그로는 단일 주제로 판명되었습니다.
느린(안단테) 2악장의 부드러운 사운드가 부드럽게 흐릅니다. 고요히 얼어붙은 자연을 배경으로 연인들의 서정적인 함성을 듣는 일종의 세레나데이다. 안단테는 코다와 함께 3부 형식으로 작곡되었습니다. 첫 번째 테마는 유연하고 표현력이 풍부하며 두 번째 테마는 분위기가 비슷하며 흥분된 당김 반주를 배경으로 전개됩니다.
세 번째 악장은 미뉴에트입니다. 주요 테마는 특정 강성과 거칠기를 우아함, 심지어 멜로디 패턴의 정교함과 재치있게 결합합니다. 트리오는 매력과 진지한 따뜻함으로 가득 차 있으며, 주제는 처음에 오보에, 바순, 바이올린과 3도에서 부드럽게 울리는 비올라가 주도합니다.
피날레는 환희의 기쁨으로 가득 차 있습니다. 빠른 회오리바람 속에서 다양한 캐릭터의 이미지가 교체됩니다. 현악 그룹 사운드의 성급한 메인 테마와 투명하고 우아한 보조 테마입니다. 둘 다 단일 펄스에 종속되어 살아 있고 위엄있게 앞으로 나아갑니다. 개발 중에는 색상이 다소 어두워졌습니다. 사이드 테마가 단조로 들리지만 이것은 재현 전의 짧은 에피소드입니다. 주요 주제는 코다에서 즐겁게 들리며 론도 소나타 형식을 완성합니다.
교향곡 36번
교향곡 36번 다장조, KK 425, 린츠
오케스트라 구성: 오보에 2개, 바순 2개, 호른 2개, 트럼펫 2개, 팀파니, 현악기.
창조의 역사모차르트는 1783년에 나중에 린츠 교향곡으로 알려진 교향곡을 작곡했습니다. 현재 그는 다양한 장르의 많은 작품을 쓴 작가이자 인정받는 대가입니다. 그는 누나 마리아 안나(Nannerl)와 함께 첫 콘서트 투어를 하는 동안 6세 때 음악가에 의해 정복된 많은 유럽 국가에서 알려져 있습니다. 그러나 이 모든 것이 그에게 물질적 안녕이나 독립성을 제공하지는 않습니다. 실제 생계를 유지하기 위해 그는 콜로라도 백작 잘츠부르크 대주교의 법원 예배당에 강제로 복무해야합니다. 그러나 그는 오랫동안 이 봉사를 참을 수 없었습니다.
수많은 여행을 통해 존경받는 것에 익숙해졌고, 자신의 가치를 알고 이제는 자유뿐만 아니라 자기애, 자존심, 자존심까지 희생하도록 강요당하고, 오만한 보스 아르코 백작에게 하인 취급을 받고, 심지어 대주교 자신에게도 하인 취급을 받는다. 그의 명성이 점점 더 퍼지는 것보다 모차르트에게 더욱 무례하게 굴었던 그는 1781년 대주교와 헤어지고 콘스탄스 베버와 결혼하여 비엔나에 정착하여 성공을 기대했습니다.
이러한 계산은 실현되지 않았습니다. 오스트리아의 수도는 그의 천재성을 높이 평가하지 않았습니다. 또한 뛰어난 모차르트의 유일한 멘토이자 교육자였던 주요 음악가, 바이올리니스트 및 작곡가 인 아버지는 아들이 평생을 보냈던 봉사에서 떠나는 것을 이해할 수 없었습니다. 그는 또한 콘스탄스와의 결혼을 반대했습니다. 이 모든 것은 젊은 모차르트가 장로에 대해 느꼈던 엄청난 사랑과 존경에도 불구하고 휴식은 아니더라도 적어도 관계의 심각한 냉각으로 이어졌습니다.
1783년 7월 말, 모차르트와 그의 젊은 아내는 잘츠부르크에서 계속 봉사하고 있던 그의 아버지를 방문했습니다. 이는 분명히 용서를 받고 늙은 모차르트의 결혼 생활을 화해시키기 위해 매력적이고 명랑하며 평온한 콘스탄스를 소개하기 위한 것이었습니다. . 모차르트는 잘츠부르크에서 비엔나로 돌아오는 길에 린츠에 며칠 동안 머물렀습니다. 그곳에서 툰 백작의 궁전에서 교향곡이 작곡되었으며, 이 교향곡은 완성된 날인 1783년 11월 4일에 작가의 지시에 따라 연주되었습니다. 분명히 툰 백작의 오케스트라에 플루트와 클라리넷이 없기 때문에 교향곡 연주자의 구성이 결정되었으며 이는 전임자에 비해 더 겸손했습니다.
음악교향곡은 전체 오케스트라의 장엄한 화음이 바이올린의 표현력이 풍부한 멜로디로 이어지는 느린 도입부로 시작됩니다. 소나타 알레그로는 주제가 풍부하다는 특징이 있습니다. 폭넓은 표현에서는 결단력 있고 쾌활하며 모차르트와 같은 명확한 멜로디가 서로 대체되어 점차 측면 부분의 보다 유연하고 부드러운 동기로의 전환을 준비합니다. 최종 게임에서는 모든 것이 일반적인 삶의 흐름으로 돌아갑니다. 사이드 테마의 마이너 버전을 기반으로 한 개발로 음악에 색다른 색깔을 더해줍니다. 그러나 이것은 단지 짧은 에피소드일 뿐이고, 그 후에 메인 이미지가 다시 반복됩니다.
두 번째 부분인 안단테(andante)는 부드럽고 약간 흔들리는 바카롤 리듬으로 소나타 형식으로 작곡되었으며, 작곡가는 경험의 깊이를 강조하기 위해 성숙한 교향곡의 느린 악장에서 이를 선택했습니다. 안단테의 멜로디는 예술적이지 않은 매력으로 가득 차 있으며, 표현력이 풍부하고 우아합니다. 현악기의 잔잔한 소리의 주요 주제는 유연하고 표현력이 풍부하며 리드미컬하게 변하는 전형적인 모차르트 멜로디입니다. 점차적으로 흥분과 떨림이 나타나며 이는 부드러운 당김으로 강조됩니다. 사이드 테마는 마이너한 컬러로 분위기를 살짝 어둡게 합니다. 동일한 흥분이 메인 테마를 기반으로 하고 재현으로 원활하게 흘러가는 전개를 가득 채웁니다.
3부 다 카포 형식으로 쓰여진 미뉴에트는 삼화음, 팡파르, 동기를 완성하는 재미있는 트릴의 "컬" 소리를 따라 움직이는 거친 보석 테마의 명랑하고 단순한 춤입니다. 대조를 만들지는 않지만 더 실내악으로 첫 번째 주제가 계속되는 느낌을 주는 트리오 멜로디의 개요에서 브루크너와 말러에 이르기까지 오스트리아 교향곡의 미래 렌들러를 짐작할 수 있습니다.
피날레는 조용하고 실내악에 가까운 사운드로 시작됩니다. 메인 부분과 측면 부분은 서로를 보완하며, 이는 하나의 현 그룹의 사운드에서 동일한 시작으로 강조됩니다. 점차적으로 축제의 즐거움이 펼쳐지며 교향곡이 완성됩니다.
교향곡 38번
교향곡 38번 D장조, KK 504, 프라하(1786)
오케스트라 구성: 플루트 2, 오보에 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현.
창조의 역사1781년, 여러 오페라, 30개 이상의 교향곡, 종교 음악, 기악 콘서트 및 앙상블을 포함하여 엄청난 창의적 짐을 가진 전 유럽의 유명한 작곡가인 모차르트는 당시 전혀 들어보지 못한 행위를 저질렀습니다. 잘츠부르크 대주교의 궁정에서 봉사했으며 영구적인 생활 수단 없이 비엔나에 머물렀습니다. 18세기와 그 이전에는 모든 작곡가가 어딘가에서 근무했습니다. 예를 들어 에스테라지 왕자의 거의 모든 지휘자였던 하이든과 같이 당시 분열된 독일의 수많은 왕실, 왕자 또는 백작 법원 중 하나의 직원으로 근무했습니다. 그의 삶, 또는 그의 시대의 위대한 바흐처럼 대성당의 성가, 오르간 연주자 및 교사.
모차르트는 위로부터 재능을받은 작곡가이자 창조자가 자신이 모든 사람을 고려했기 때문에 의도하지 않게 그를 모욕했던 종종 하찮은 주인의 하인의 위치에 있음을 발견했을 때 그러한 상황의 굴욕감을 가장 먼저 느꼈습니다. 자신과 동등하지 않은 "하층"에서 태어났지만 때로는 "스스로 생각하는 사람들의 오만함을 무너 뜨리기"위해 아주 고의적으로 태어났습니다.
대주교를 떠난 후 폭풍우가 치는 바다를 거친 항해처럼 독립된 삶이 시작되었습니다. 모차르트는 항상 가난에 시달렸고 빚에 시달렸습니다. 지속적인 수입이 없으면 항상 보수가 좋지 않은 주문을 찾아야 했고 때로는 많은 청중을 끌어들이기는 했지만 거의 수입이 없는 콘서트를 열어야 했기 때문입니다. 그럼에도 불구하고 그것은 자유와 창조적 성장의 행복한 시간이었습니다. 그의 최고의 작품이 탄생한 때는 1781년 이후였습니다. 그중에는 오페라 '피가로의 결혼'도 있다. 그러나 오페라가 처음 상연 된 비엔나에서는 첫 공연의 성공에도 불구하고 빠르게 무대를 떠났습니다. 재능은 훨씬 적지 만 모차르트보다 훨씬 더 능숙하고 실용적인 지역 음악가들의 음모가 역할을했습니다.
그러나 "피가로의 결혼"의 초연은 1786년에 프라하에서 전례 없는 성공을 거두었습니다. 작곡가는 고국에서는 꿈도 꾸지 못했던 프라하 주민들 사이에서 그러한 기쁨과 열정을 만났습니다. 그 자신이 선택하고 싶은 줄거리로 새로운 오페라가 즉시 그를 위해 의뢰되었습니다(이 오페라는 1년 후 프라하에서 상연된 "돈 조반니"였습니다). 동시에 1787년 1월 19일에 모차르트의 원래 콘서트가 프라하에서 열렸으며, 이를 위해 그는 D장조의 3부 교향곡을 작곡했는데, 이 교향곡은 프라하라는 이름으로 역사에 남았습니다.
그 완성도와 성숙도는 마지막 세 교향곡에 가깝습니다. 이미 작곡가의 상상력을 방해하기 시작한 생각인 미래 "돈 후안"에 대한 근접성도 그녀에게 어떤 영향을 미쳤던 것 같습니다.
음악교향곡의 첫 번째 악장과 "Don Giovanni" 서곡 사이의 음악적, 극적인 용어의 유사성은 특히 놀랍습니다. 아마도 Gluck의 음악에서 영감을 받은 강력하고 위협적인 도입부는 제한 없이 쾌활한 주요 주제와 직접적으로 비교됩니다. 소나타 알레그로. 부드럽고 선율적인 사이드 테마는 민요의 멜로디에 가깝습니다. 슬라브어의 특징을 들을 수 있는 동시에 이탈리아의 풍미를 느낄 수 있습니다. 드라마틱한 전개에서는 메인 테마가 활발하게 전개되지만, 재현에서는 음악이 다시 원래의 모습을 되찾는다.
넓은 범위의 안단테인 두 번째 악장도 소나타 형식으로 작성되었습니다. 이는 모차르트 이전에는 전례가 없는 사례입니다. 모차르트는 이 가장 복잡한 음악 형식을 사용하여 이전에 휴식과 평온의 섬이었던 악장을 특별한 깊이로 채웁니다. 조용하고 예술 없는 슬픔. 부드러운 바카롤 리듬으로 통합된 그 주제는 반대되지 않고 서로 보완하여 하나의 완전한 이미지, 즉 시적인 짧은 서사시를 만듭니다.
작곡가가 다시 세 번째로 소나타 형식을 사용하는 반짝이는 피날레는 마치 그 다양한 가능성을 보여주려는 듯 모차르트의 가장 특징적인 부분 중 하나입니다. 주요 주제는 피가로의 결혼 1막의 수산나와 케루비노의 듀엣 멜로디와 유사하다. 사이드 테마는 체코 민요를 연상시킵니다. 독창적인 개발은 밝은 놀라움으로 가득 차 있습니다. 거의 눈에 띄지 않게 주요 주제 자료가 약간 수정된 형태로 들리는 재현으로 변합니다.
교향곡 39번, 40번, 41번
교향곡 39번 E플랫 장조, KK 543(1788)
오케스트라 구성: 플루트, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현.
교향곡 40번 G단조, KK 550(1788)
오케스트라 구성: 플루트, 오보에 2, 클라리넷 2, 바순 2, 호른 2, 현.
교향곡 41번 다장조, KK 551, “주피터”(1788)
오케스트라 구성: 플루트, 오보에 2, 바순 2, 호른 2, 트럼펫 2, 팀파니, 현.
창조의 역사(제39호)교향곡 E플랫 장조는 모차르트가 1788년 여름에 작곡한 세 곡 중 첫 번째 곡입니다. 이 달은 작곡가의 삶에서 매우 어려웠습니다. 오랫동안 이미 세계적으로 유명한 38개의 교향곡, 많은 기악 콘서트, 앙상블, 피아노 소나타 및 가장 널리 배포된 기타 작품을 창작했으며 가장 중요한 것은 그의 세 가지 최고의 오페라 중 두 곡인 "피가로의 결혼"입니다. ”와 “돈 조반니”는 이 장르의 역사에서 한 시대를 장식했지만 그는 재정적으로 극도로 어려운 상황에 처해 있었다. 비엔나에서는 '피가로의 결혼'이 음모로 인해 무대에서 금새 사라졌고 프라하에서만 진정한 인정을 받았고 그곳에서 따뜻하고 관심을 받았습니다. 엄청난 성공을 거둔 후, 모차르트는 자신에게 적합한 어떤 줄거리에든 오페라를 써 달라는 요청을 받았습니다. 그리고 그는 Don Juan을 선택했습니다. 장르가 완전히 독창적이고 작곡가가 "재미있는 드라마"라고 불렀던 이 오페라는 프라하 주민들 사이에서 큰 성공을 거두었습니다. 1788년 5월 7일, 돈 후안(Don Juan)의 초연이 비엔나에서 열렸습니다. 그러나 여기서 오페라는 이해를 찾지 못했습니다. 구독을 통해 발표한 콘서트는 청취자들의 관심을 끌지 못했다.
최근 사망 한 Gluck 대신 법원 작곡가로 고용 된 것도 안도감을 가져 오지 못했습니다. 급여가 부족한 것으로 나타났습니다. 가족은 말 그대로 기아의 위험에 처해 있었습니다. 모차르트는 친구와 예술 후원자들에게 편지를 보내 그를 도와달라고 간청하고 적어도 짧은 시간 동안은 그에게 돈을 달라고 간청합니다... 그리고 이 잔인한 시기에 놀라울 정도로 짧은 시간 안에 그의 최고의 교향곡 세 곡이 등장합니다. 또 다른.
이전에 작곡가는 여러 교향곡을 연속으로 쓴 적이 없었습니다. 이 마지막 교향곡은 마치 하나의 거대한 구성의 세 장으로 구성되어 있으며, 창조자의 영혼의 다양한 상태를 보여줍니다. 이 작품은 3부작이라고 할 수 있는데, 이 작품에서 저자는 모든 어려움과 고통에도 불구하고 불만족스럽고 흥분되지만 흔들리지 않는 낙천주의로 가득 찬 구도자로 등장합니다.
교향곡 E플랫장조가 6월 25일 완성되었습니다. 이 곡은 작가를 위한 구독 콘서트에서 다른 두 사람과 동시에 여름에 공연될 예정이었습니다. 그러나이 콘서트는 열리지 않았습니다. 작곡가는 충분한 수의 청취자를 모을 수 없었습니다. 39번 교향곡의 초연 날짜는 아직 정해지지 않았습니다.
음악 (39번)교향곡은 천천히 펼쳐지는 도입부로 시작됩니다. 그의 한심한 엄숙함은 연극적이고 밝고 충만합니다. 잠시 멈춘 후, 마치 멀리서 온 것처럼 소나타 알레그로의 생동감 넘치는 주요 주제가 호른과 바순의 반향을 불러일으키는 바이올린에서 먼저 조용히 들어옵니다. 그런 다음 베이스로 이동하여 첼로와 더블 베이스로 이동합니다. 그들은 클라리넷과 플루트에 의해 모방됩니다. 이 목가적 멜로디는 오케스트라의 환호하는 함성으로 대체됩니다. 바이올린이 길게 지속되는 호른의 음색으로 시작하는 제2주제는 부드럽고 경쾌합니다. 전체 부분은 서정적인 것에서 전투적인 것으로, 목가적인 스케치에서 극적인 에피소드에 이르기까지 기분의 변화를 기반으로 만들어졌습니다. 소규모 개발에서는 반대가 심화됩니다. 완고하고 간결한 모티프를 바탕으로 낮은 현과 바이올린 사이에 에너지 넘치는 대화가 이어집니다. 한숨과 함께 반음계의 조화를 이루며 미끄러지는 나무 피리의 화음이 재현을 준비합니다.
두 번째 부분은 흥분된 감정 구조가 특징이다. 또한 모차르트 이전에는 들어본 적이 없는 혁신인 소나타 형식으로도 작성되었습니다. 작곡가는 이를 통해 음악을 극화하여 음악에 더 큰 규모와 더 넓은 호흡을 부여합니다. 첫 번째 바이올린이 강조하는 메인 테마는 마치 한숨을 쉬는 것처럼 일시 정지로 중단되는 비행으로 낭만주의 음악을 예상합니다. 사이드 테마는 지속적인 16분 음표 반주를 배경으로 에너지 넘치는 업과 함께 파토스, 엄청난 내면의 힘과 에너지로 가득 차 있습니다. 마지막 부분에서는 처음에는 정식으로 차례로 들어가는 목관 악기에 의해 억양이 나타나고 오케스트레이션에 의해 강조되는 목가적인 음색이 나타납니다. 개발 중에는 사이드 테마가 메인 테마에 흔적을 남겨 더욱 드라마틱하게 만들어줍니다. 재현에서는 세 가지 테마가 모두 새로운 추가 항목으로 인해 서로 얽혀 있고 복잡해졌습니다. 코다에는 첫 번째 주제만 남아 있어 음악의 비유적 구조에서 그 중요성을 강조합니다.
세 번째 부분인 미뉴에트는 축제적인 성격과 진지한 재미로 특징지어집니다. 그에게서 갈등은 그쳤고, 흐려지지 않은 행복이 그의 마음을 가득 채웠습니다. 전체 오케스트라의 즐거운 사운드는 한 현악 그룹의 보다 투명한 프레이즈와 번갈아 나타납니다. 중간 에피소드인 트리오에서는 클라리넷이 마을 왈츠를 연상시키는 단순하고 복잡하지 않은 멜로디를 노래하고(두 번째 클라리넷이 동반됨) 호른과 바순으로 뒷받침되는 플루트가 이를 모방한 것 같습니다... 그리고 첫 번째 세 부분으로 구성된 다 카포 형식의 섹션이 반환됩니다. 피날레는 교향곡에서 가장 밝고 쾌활한 부분입니다. 하나의 테마를 기반으로 연속적으로 흐르고, 테마가 모양을 바꾸고, 다른 키로 이동하고, 다른 오케스트라 의상을 입습니다. 오케스트레이션과 음색의 변화에 따라 기능도 변경되어 사이드 파트 역할을 시작합니다. 플루트와 바순의 웃음소리, 바이올린의 무지개 빛깔의 룰라드, 뿔과 트럼펫의 날카로운 공격 등 모든 것이 회전하고 어딘가로 돌진하며 자유로운 재미로 끓어오르고 있습니다. R. Wagner는 이 모차르트 교향곡의 피날레에서 "리듬적인 악장이 그 난교를 기념한다"고 말했습니다. 피날레의 빠른 진행은 교향곡의 조화로운 구조를 완성하여 존재의 기쁨을 찬미합니다.
창조의 역사(제40호)교향곡 2번 g단조는 1788년 여름에 작곡되어 7월 말에 완성되었습니다. 전작과 마찬가지로 40번 교향곡은 구독이 발표된 대규모 작가 "아카데미"에서의 공연을 위해 고안되었습니다. 그러나 구독이 필요한 자금을 제공하지 않아 모든 것이 혼란스러워졌습니다. 부유한 음악 애호가의 개인 주택 중 한 곳에서 공연되었을 가능성이 있지만 이에 대한 정보는 보존되지 않았으며 세계 초연 날짜도 알 수 없습니다. 트라이어드에서 일종의 도입부 역할을 했던 이전의 밝고 유쾌한 곡과 달리 G단조 교향곡은 케루비노의 아리아 “말할 수 없어, 설명할 수 없어”에서 튀어나온 듯 떨린다. ” 직접적이고 생동감 넘치는 젊음의 느낌을 지닌 이 곡은 슈베르트의 “미완성” 교향곡으로 시작하는 19세기 음악의 많은 낭만적인 페이지의 눈부신 선구자입니다. 이 교향곡은 겸손한 오케스트라를 위해 작곡되었습니다. 전통적인 4악장이 포함되어 있지만 당시 교향곡에서 흔히 볼 수 있었던 느린 도입부가 부족합니다.
음악 (40번)첫 번째 부분은 반 단어로 시작됩니다. 마치 바이올린의 약간 질식하는 멜로디처럼 흥분되고 간헐적입니다. 소나타 알레그로의 주요 부분인 표현력이 풍부하고 진실하며 애원하는 것처럼 보이는 멜로디는 앞서 언급한 케루비노 아리아와 관련이 있습니다. 주요 부분이 오페라 아리아처럼 엄청난 호흡으로 비정상적으로 광범위하게 전개된다는 사실로 인해 유사성이 더욱 높아집니다. 두 번째 주제는 우울함, 서정성, 몽환성, 겸손함, 조용한 슬픔을 담고 있습니다. 전개는 바순의 짧고 애처로운 멜로디로 시작됩니다. 갑작스럽고 날카로운 느낌표, 우울하고 놀랍고 슬픈 억양이 나타납니다. 폭풍우처럼 극적인 액션이 펼쳐집니다. 보복은 평화와 깨달음을 가져오지 않습니다. 그와는 반대로, 이전에 장조로 들리던 제2주제가 여기서는 악장의 일반적인 조성에 종속되는 단조로 채색되어 있기 때문에 훨씬 더 강렬하게 들립니다.
두 번째 부분은 부드럽고 차분하며 명상적인 분위기가 지배적입니다. 그럼에도 불구하고 모차르트는 이전 교향곡과 마찬가지로 여기서도 소나타 형식을 사용한다. 독특하고 약간 억눌린 음색을 지닌 비올라가 메인 테마인 부드러운 선율을 노래합니다. 바이올린이 그녀를 데리러갑니다. 사이드 테마는 점차 오케스트라를 장악하는 설레는 모티브이다. 세 번째이자 마지막 주제는 슬픔과 부드러움으로 가득 찬 선율적인 멜로디로 처음에는 바이올린이, 그다음에는 관악기가 들립니다. 발달 과정에서 흥분, 불안정, 불안이 다시 나타납니다. 하지만 여기서는 잠시뿐이다. 재현은 가벼운 사려 깊음으로 돌아갑니다.
세 번째 악장은 미뉴에트입니다. 하지만 귀엽거나 세련된 궁중무용은 아닙니다. 3박자 댄스리듬으로 자유롭게 구현하면서도 행진의 특징이 나타난다. 단호하고 용감한 그 멜로디는 풀 오케스트라의 반주와 함께 바이올린과 플루트(한 옥타브 위)로 표현됩니다. 전통적인 3부 형식으로 작곡된 트리오에서만 부드러운 현악기와 나무 악기의 연주와 함께 투명한 목가적인 소리가 나타납니다. 빠르게 진행되는 피날레에는 클래식 교향곡의 마지막 악장의 일반적인 쾌활함이 부족합니다. 그는 일시적으로 중단되었던 극적 전개를 이어가며 1악장에서 너무나 생생하게 이를 교향곡의 중심인 클라이막스로 끌어올린다. 피날레의 첫 번째 주제는 풀리는 샘처럼 거대한 내부 에너지로 위로 솟아오르는 단호한 주제입니다. 부드럽고 서정적인 사이드 테마는 첫 번째 악장의 사이드 테마와 초기 안단테 멜로디와의 연관성을 불러일으킵니다. 그러나 그 모습은 잠시뿐이다. 새롭게 소용돌이치는 회오리바람에 가사가 휩쓸려 간다. 이것이 격동적이고 불안한 전개로 변하는 전시의 결론이다. 불안과 설렘도 피날레의 재현을 사로잡는다. 교향곡의 마지막 마디만이 긍정을 가져온다.
창조의 역사(제41호)대교향곡 다장조는 1788년 8월 10일 모차르트에 의해 완성되었습니다. 이 교향곡에서 모차르트는 다시 개인적이고 주관적인 것에서 벗어나려고 노력합니다. 자랑스럽고 장엄한 이 곡은 첫 번째 삼중주와 마찬가지로 낙관적인 성격을 갖고 있으며, 영웅적인 성격, 완벽함, 복잡성 및 작곡 기법의 참신함으로 베토벤 교향곡을 기대하고 있습니다. 이전 두 교향곡과 마찬가지로 이 교향곡은 같은 해 여름에 처음으로 구독 콘서트에서 연주될 예정이었지만 열릴 운명은 아니었습니다. 분명히 구독이 필요한 것을 제공하지 않았습니다. 자금. 모차르트의 가장 위대한 작품 중 하나가 초연되었다는 증거는 없습니다.
"Jupiter"(몇 년 후 런던에서 하이든의 콘서트를 조직한 영국의 유명한 바이올리니스트이자 기업가인 J. P. Salomon이 "Jupiter"라는 이름을 붙였다는 정보가 있음)라고 불리는 이 교향곡의 중심에 있습니다. 장엄한 규모, 개념의 웅장함, 구현의 서사적 조화에는 승리와 영웅주의가 있습니다. 그녀의 용감하고 경쾌하며 축제적인 음악, 그녀의 기념비적인 보석 스타일은 영웅주의, 끈질긴 낙천주의, 밝고 강한 의지를 지닌 베토벤 교향곡의 페이지를 연상시킵니다. 모차르트의 모든 작품을 매우 좋아했던 차이코프스키는 이 교향곡을 “교향곡의 경이로움 중 하나”라고 불렀습니다.
음악 (41번)1악장의 시작 부분(위로 치솟는 결정적인 화음과 그에 응답하여 울리는 바이올린의 부드러운 한숨)은 앞으로 전개될 논문과 같습니다. 실제로 또 다른 대조가 뒤따릅니다. 전체 오케스트라가 연주하는 용감하고 의지가 강한 메인 테마는 가볍고 레이스 같은 오케스트라 반주 속에서 투명하게 들리는 바이올린(사이드 파트)의 우아하고 매력적인 멜로디로 대체됩니다. 마지막 주제는 장난스럽고 장난스럽고 쾌활한 교활함으로 가득 차 있습니다. 교향곡의 첫 번째 부분은 이 세 가지 주제-이미지의 발전을 바탕으로 구성됩니다.
두 번째 부분인 안단테(andante)는 영감을 받은 서정, 시, 이미지의 고귀함으로 구별됩니다. 이전 교향곡에서와 마찬가지로 이것은 본질적으로 혁신적인 독특한 소나타 형식입니다. 왜냐하면 모차르트 이전에는 소나타 알레그로만 있었기 때문입니다. 즉 그러한 구조는 첫 번째 부분에만, 때로는 피날레에만 있을 수 있다고 믿었습니다. 주요 주제는 느리고 사려 깊으며 자유로운 즉흥 연주로 발전하는 유연한 멜로디입니다. 이를 대신하는 사이드 트랙은 설렘과 설렘이 공존하는 모차르트풍의 곡으로, 깊지만 절제된 느낌이 가득하다. 마지막 부분은 평온함과 깨달음을 가져다줍니다. 개발 규모는 작습니다. 재현에서는 설렘과 나른함이 다시 돌아오지만 강력한 팡파르 사운드와 함께 투티 에피소드는 첫 번째 파트의 용기 있는 에피소드를 연상시킨다. 코드는 해당 부분의 주요 주제를 간략하게 반복합니다.
세 번째 악장은 평범하지 않은 미뉴에트입니다. 두 번째 바이올린과 함께 첫 번째 바이올린의 나른하고 반음계적으로 하강하는 멜로디로 쉽고 자연스럽게 시작됩니다. 다음으로 다른 악기는 아주 드물게 연결됩니다. 관현악의 소리는 점점 커져 요란한 팡파르와 함께 투티(tutti)에 이른다. 트리오는 바이올린과 오보에의 가볍고 단순한 멜로디로 우아하고 때로는 경쾌하기도 하지만 팡파르로 대체되기도 합니다. 세 부분으로 구성된 형식(다 카포)의 재현은 첫 번째 부분의 이미지로 돌아갑니다.
명랑하고 성급한 그랜드 피날레는 풍부한 이미지와 작곡가가 소개하는 기술에 놀랐습니다. 여기에는 이전에 작곡가들이 엄격한 다성 형식으로만 사용했던 다양한 대위법을 사용하여 개발된 5개의 주요 테마가 포함되어 있습니다. 바이올린이 음을 내는 단 4개의 음표로 이루어진 첫 번째 주제는 엄격하여 바흐의 푸가 주제나 쇼스타코비치의 금문도 주제와 유사하지만 엄격하게 온음계적이며 주요 주제에 대한 간략한 소개와 같습니다. 바이올린 소리도 활기차고 리듬이 다양합니다. 세 번째 음은 결정적인 점선 리듬을 갖고 있으며, 이는 8분음표의 부드러운 진행으로 변합니다. 네 번째는 트릴과 함께 상승하는 날카로운 스타카토입니다. 그들 모두는 가장 복잡한 다성음악 기술을 개발하여 주요 부분을 구성합니다. 이미 연결 부분의 시작 부분에 푸가토가 나타나며, 그 주제는 피날레의 주요 부분의 요소 중 하나입니다. 그런 다음 측면 부분(다섯 번째 주제)이 소리를 내며, 다른 지배적인 키와 오케스트라의 더욱 투명한 사운드로 나타납니다. 개발은 주로 처음 두 가지 주제를 기반으로 이루어졌습니다. 형태의 복잡성은 결코 자급자족할 수 없습니다. 연속적인 흐름은 쉽고, 자유롭고, 자연스럽게 흐르며, 다양한 주제가 하나의 무드에 종속되어 하나의 동작으로 통합됩니다. 피날레의 정점, 그리고 교향곡 전체의 정점은 다섯 가지 주제가 모두 대위법적으로 얽혀 있어 경쾌하고 매혹적인 독특한 코다입니다.
오스트리아의 뛰어난 작곡가 W.A. 모차르트가 이 학교의 대표자 중 한 명입니다. 그의 선물은 어린 시절부터 나타났습니다. 모차르트의 작품은 Sturm und Drang 운동과 독일 계몽주의 사상을 반영합니다. 다양한 전통과 국립학교의 예술적 경험이 음악으로 번역됩니다. 목록이 엄청나게 많은 가장 유명한 것들은 음악 예술의 역사에서 자리를 잡았습니다. 그는 20개가 넘는 오페라, 41개의 교향곡, 다양한 악기와 오케스트라를 위한 협주곡, 실내악과 피아노 작품을 썼습니다.
작곡가에 대한 간략한 정보
볼프강 아마데우스 모차르트(오스트리아 작곡가)는 1756년 1월 27일 아름다운 마을 잘츠부르크에서 태어났습니다. 게다가 작곡? 그는 뛰어난 하프시코드 연주자, 악단 연주자, 오르간 연주자이자 거장 바이올리니스트였습니다. 그는 정말 놀라운 기억력과 즉흥 연주에 대한 열정을 갖고 있었습니다. 볼프강 아마데우스 모차르트는 그의 시대뿐만 아니라 우리 시대에서도 가장 뛰어난 인물 중 하나입니다. 그의 천재성은 다양한 형태와 장르로 쓰여진 작품에 반영되었습니다. 모차르트의 작품은 오늘날에도 여전히 인기가 있습니다. 그리고 이는 작곡가가 "시간의 시험"을 통과했음을 나타냅니다. 그의 이름은 비엔나 고전주의의 대표자로 하이든, 베토벤과 함께 가장 자주 언급된다.
전기 및 창의적인 경로. 1756-1780년의 삶
모차르트는 1756년 1월 27일에 태어났다. 나는 세 살 때부터 일찍부터 작곡을 시작했습니다. 아버지는 나의 첫 번째 음악 선생님이셨어요. 1762년에 그는 아버지, 누나와 함께 독일, 영국, 프랑스, 스위스, 네덜란드의 여러 도시로 위대한 예술 여행을 떠났습니다. 이때 모차르트의 첫 작품이 탄생했다. 그들의 목록은 점차 확대되고 있습니다. 1763년부터 그는 파리에서 살았다. 바이올린과 하프시코드를 위한 소나타를 만듭니다. 1766년부터 1769년까지 그는 잘츠부르크와 비엔나에서 살았습니다. 그는 위대한 거장의 작품을 연구하는 데 몰두하는 것을 즐깁니다. 그중에는 Handel, Durante, Carissimi, Stradella 등이 있습니다. 1770-1774년. 주로 이탈리아에 위치. 그는 볼프강 아마데우스(Wolfgang Amadeus)의 후속 작업에서 영향을 추적할 수 있는 당시 유명한 작곡가 Josef Mysliveček을 만났습니다. 1775~1780년에 그는 뮌헨, 파리, 만하임을 여행했습니다. 재정적 어려움을 겪고 있습니다. 그의 어머니를 잃습니다. 모차르트의 많은 작품이 이 시기에 작곡되었습니다. 그 목록은 엄청납니다. 이것:
- 플루트와 하프를 위한 콘서트;
- 6개의 건반 소나타;
- 여러 영적 합창단;
- 파리 심포니로 알려진 D장조 교향곡 31번;
- 12개의 발레곡과 기타 다양한 작곡.
전기 및 창의적인 경로. 1779-1791년의 삶
1779년에 그는 잘츠부르크에서 궁정 오르간 연주자로 일했습니다. 1781년 그의 오페라 이도메네오(Idomeneo)의 초연이 뮌헨에서 큰 성공을 거두었습니다. 이것은 창의적인 성격의 운명에 새로운 전환이었습니다. 그런 다음 그는 비엔나에 산다. 1783년에 그는 콘스탄스 베버와 결혼했다. 이 기간 동안 모차르트의 오페라 작품은 제대로 연주되지 않았습니다. 그 목록은 그리 길지 않습니다. 이들은 미완성으로 남아있는 오페라 L'oca del Cairo와 Lo sposo deluso입니다. 1786년 로렌초 다 폰테의 대본을 바탕으로 그의 뛰어난 작품 '피가로의 결혼'이 집필되었습니다. 비엔나에서 상연되어 큰 성공을 거두었습니다. 많은 사람들은 이 오페라를 모차르트 최고의 오페라로 여겼습니다. 1787년에는 로렌조 다 폰테(Lorenzo da Ponte)와 공동으로 제작한 오페라도 마찬가지로 성공적인 작품으로 출판되었습니다. 그런 다음 그는 "황실 및 왕실 실내 음악가"의 지위를 받았습니다. 그 대가로 그는 800플로린을 받았다. 그는 가면무도회와 코믹 오페라를 위한 춤을 씁니다. 1791년 5월, 모차르트는 대성당의 보조 지휘자로 고용되었는데, 보수는 없었지만 (매우 아픈) 레오폴트 호프만(Leopold Hofmann)이 사망한 후 그의 자리를 대신할 수 있는 기회를 제공했습니다. 그러나 이것은 일어나지 않았습니다. 1791년 12월, 뛰어난 작곡가가 사망했습니다. 그의 사망 원인에는 두 가지 버전이 있습니다. 첫 번째는 류마티스열을 앓은 후 나타나는 합병증입니다. 두 번째 버전은 전설과 유사하지만 많은 음악학자들의 지지를 받고 있습니다. 이것은 작곡가 살리에리가 모차르트를 독살한 것입니다.
모차르트의 주요 작품. 에세이 목록
오페라는 그의 작품의 주요 장르 중 하나입니다. 학교 오페라, 징슈필, 오페라 세리아, 부파, 그랜드 오페라 등이 있습니다. 구성의 펜에서:
- 학교 오페라: "아폴로와 히아신스"라고도 알려진 "히아신스의 변신";
- 오페라 시리즈: "Idomeneo"("Elijah and Idamant"), "The Mercy of Titus", "Mithridates, King of Pontus";
- 부파 오페라: "상상의 정원사", "기만당한 신랑", "피가로의 결혼", "그들은 모두 이렇습니다", "카이로 거위", "돈 조반니", "가장 바보";
- Singspiel: "Bastien and Bastienne", "Zaida", "The Abduction from the Seraglio";
- 그랜드 오페라: "오페라 마술피리";
- 무언극 발레 "장신구";
- 미사: 1768-1780, 잘츠부르크, 뮌헨, 비엔나에서 창작;
- 레퀴엠(1791);
- 오라토리오 "베툴리아 해방";
- 칸타타: "회개하는 다윗", "메이슨의 기쁨", "우주의 영혼이여, 당신에게", "리틀 프리메이슨 칸타타".
볼프강 아마데우스 모짜르트. 오케스트라를 위한 작품
W. A. 오케스트라를 위한 모차르트의 작품은 그 규모가 놀랍습니다. 이것:
- 교향곡;
- 피아노와 오케스트라, 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡과 론도;
- C 장조의 두 대의 바이올린과 오케스트라를 위한 협주곡, 바이올린과 비올라와 오케스트라를 위한, 오보에와 오케스트라의 키로 된 플루트와 오케스트라, 클라리넷과 오케스트라, 바순, 호른, 플루트와 하프를 위한 협주곡(C 장조) );
- 두 대의 피아노와 오케스트라를 위한 협주곡(E플랫 장조)과 세 곡(F장조);
- 심포니 오케스트라, 현악 및 관악 앙상블을 위한 다양화 및 세레나데.
오케스트라와 앙상블을 위한 작품
모차르트는 오케스트라와 앙상블을 위해 많은 작품을 작곡했습니다. 유명한 작품:
- 갈리마티아스 무지쿰(1766);
- Maurerische Trauermusik(1785);
- Ein musikalischer Spa(1787);
- 행진(그들 중 일부는 세레나데에 합류했습니다);
- 댄스(카운터댄스, 랜들러, 미뉴에트);
- 교회 소나타, 4중주, 5중주, 3중주, 2중주, 변주곡.
클라비어(피아노)
이 악기에 대한 모차르트의 음악 작품은 피아니스트들 사이에서 매우 인기가 있습니다. 이것:
- 소나타: 1774 - C장조(K 279), F장조(K 280), G장조(K 283); 1775 - D장조(K 284); 1777 - 다장조(K 309), D장조(K 311); 1778 - A단조(K 310), C장조(K 330), A장조(K 331), F장조(K 332), B플랫장조(K 333); 1784 - 다단조 (K 457); 1788 - F장조(K 533), C장조(K 545);
- 15주기의 변주(1766-1791);
- 론도(1786, 1787);
- 환상(1782, 1785);
- 다른 연극.
W. A. 모차르트 교향곡 40번
모차르트의 교향곡은 1764년부터 1788년까지 만들어졌습니다. 마지막 세 곡은 이 장르의 가장 높은 성취가 되었습니다. 전체적으로 볼프강은 50개 이상의 교향곡을 작곡했습니다. 그러나 러시아 음악학의 번호 매기기에 따르면 마지막 교향곡은 41번 교향곡("목성")으로 간주됩니다.
모차르트 최고의 교향곡(39~41번)은 당시 확립된 유형화에 도전하는 독특한 창작물입니다. 그들 각각은 근본적으로 새로운 예술적 아이디어를 담고 있습니다.
교향곡 40번은 이 장르의 가장 인기 있는 작품이다. 1악장은 질의응답 구조의 신나는 바이올린 선율로 시작된다. 주요 부분은 오페라 "피가로의 결혼"에 나오는 케루비노의 아리아를 연상시킵니다. 측면 부분은 서정적이고 우울하며 주요 부분과 대조됩니다. 전개는 작은 바순 멜로디로 시작됩니다. 우울하고 슬픈 억양이 발생합니다. 극적인 액션이 시작됩니다. 반복해서 긴장감을 높인다.
두 번째 부분에서는 차분하고 명상적인 분위기가 지배적입니다. 소나타 형식도 여기에 사용됩니다. 주요 주제는 비올라가 연주하고 이어서 바이올린이 연주합니다. 두 번째 주제는 '설렘'인 것 같아요.
세 번째는 차분하고 온화하며 선율적입니다. 발달은 우리를 흥분된 기분으로 되돌려주고 불안이 나타납니다. 재현은 다시 밝은 사려 깊음입니다. 세 번째 악장은 행진곡 특징이 있는 미뉴에트이지만 3/4박자입니다. 주요 주제는 용기 있고 결단력이 있습니다. 바이올린과 플룻으로 연주됩니다. 트리오에서는 투명한 목가적인 소리가 나타난다.
빠른 속도로 진행되는 피날레는 극적인 전개를 이어가며 최고점, 즉 클라이막스에 도달합니다. 불안과 흥분은 네 번째 부분의 모든 섹션에 내재되어 있습니다. 그리고 마지막 막대만이 작은 진술을 합니다.
W. A. Mozart는 뛰어난 하프시코드 연주자, 밴드 마스터, 오르간 연주자이자 거장 바이올리니스트였습니다. 그는 음악에 대한 절대적인 귀와 뛰어난 기억력, 즉흥 연주에 대한 열망을 갖고 있었습니다. 그의 뛰어난 작품은 음악예술사에 한 획을 그었습니다.
모차르트 교향곡 작품모차르트 교향곡은 오페라 장르의 영향을 크게 받았습니다. 이는 주제의 도구 및 보컬 요소의 조합에서 콘텐츠의 다양성, 대조되는 이미지-테마, 테마-캐릭터의 풍부함에서 느껴집니다. 모차르트는 그의 교향곡에서 주제, 주제 내, 섹션과 부분 사이의 대조를 강화했으며 그의 교향곡에서는 순환으로 결합되는 경향이 있습니다. 교향곡 40번에서 이는 다음과 같이 표현됩니다.
새로운 낭만적인 콘텐츠, 일상적인 이미지의 부재, 투쟁의 이미지, 영웅적 대결, 인간 영혼의 세계로의 강조 전환(객관에서 주관으로). 교향곡의 첫 마디에 윤곽이 잡힌 이 내용은 모든 부분을 다루며 정점에 이릅니다.
교향곡의 4악장 중 3악장은 소나타 알레그로 형식으로 작성되었지만 1부, 2부, 4부로 다르게 구성되어 있습니다.
세 부분 모두 주제를 적극적으로 전개하는 원칙이 있고, 1부와 4부에서도 조화를 통한 전환 원칙이 동일하다.
2부의 쿼트 모티브를 바탕으로 피날레 주제의 일관된 억양 형성, 1부의 GP 억양 참여와 함께 3부의 일관된 확장을 통해. M2, uv2, m6.
주기의 클라이맥스는 베토벤만이 가졌던 피날레로 이동됩니다.
GP 2부의 미뉴에트 악장, 제3부의 장르에 대한 기대
1부 5행부터 3행까지에 내재된 서정적 여섯째성은 3부와 4부에서도 그대로 유지된다.
1악장 메인 섹션의 두 번째 억양은 교향곡의 레이틴토네이션이 됩니다.
모든 파트에는 정상에 올랐다가 하강하는 것을 목표로 하는 테마가 담겨 있습니다.
교향곡 40번. g-moll
서정적 장르로서 차이코프스키, 브람스, 말러의 교향곡에서 계속될 것입니다. 네 악장은 각각 서정적인 주제를 바탕으로 하고 있지만 모두 극적인 전개를 보이고 있어 교향곡 전체가 긴장된 독백처럼 들린다. 이것이 모차르트 교향곡과 베토벤 교향곡의 차이점으로, 다양한 원칙과 낭만주의 이전의 투쟁과 충돌을 바탕으로 하고 있다.
교향곡 1부 가사의 의인화는 elegiac GP이며, 이 주제의 모든 것은 18세기 교향곡에 새로운 것이었습니다. 내용의 주관성을 결정하는 친밀한 실내 캐릭터.
주제의 동음이의적 질감: 노래 아리아, 멜로디와 반주가 있습니다. 먼저 반주, 그다음에 독주자. 일반적으로 교향곡은 고전주의 소나타 교향곡 구조의 모든 규칙에 따라 작성되지만 노래의 풍부함은 19세기의 미래 로맨스 스타일을 예상합니다.
GP는 바이올린의 따뜻한 음색을 통해 인간의 목소리에 더욱 가까워졌다.
주제의 억양 내용:
GP는 설명적이라기보다는 발전적이며 시퀀싱, 변조, uv2, 불안정한 하모니, 일시정지 등을 포함합니다. 합작 투자의 특징은 미래의 PP에 대한 힌트가 없다는 점이며, 음악을 GP 가사의 분위기에서 극화 방향으로, 즉 지배적인 B-dur에서 전체 오케스트라의 정점으로 가져간다는 것입니다. 따라서 잠시 쉬었다가 나장조로 등장하는 PP는 지역적 극적 갈등의 해결로 인식되지만 곧 새로운 갈등의 근원이 된다. GP에 비해 PP는 좀 더 절제되고 객관적이며 노래 시작 부분이 악기와 결합되어 반음계, 기발한 리듬이 어느 정도 세련미를 더해줍니다. GP에서 수평이 우세하다면 PP에서는 수직이 우세합니다. 테마에는 반복되는 합창의 어휘소(특징)가 포함되어 있습니다. 이 주제는 단조로 들립니다. ZP는 m2가 b2로 대체되는 재조화 기술을 기반으로 합니다.
파트 5에 따르면 개발은 톤 변화의 순환을 겪는 GP를 기반으로 합니다. 일반적으로 모차르트의 전개는 제시부보다 낮습니다(하이든의 경우와 동일). 개발 중에는 전압이 전압을 거의 감소시키지 않습니다.
2 부. 안단테. 에스두르
소나타 알레그로(Sonata Allegro), 그러나 장조의 1악장과는 다릅니다. 부분은 부분 1과 대조되는 것처럼 보이지만 GP와 PP는 내용과 주제 주제가 유사합니다. GP에는 세 가지 요소가 있으며, 이는 계속해서 개발되고 있습니다. 첫 번째는 점진적인 상승을 기반으로 하고, 두 번째는 "Mannheim 한숨"을 기반으로 하며, 세 번째는 7번째 소절부터 30초까지의 지속 시간을 기반으로 합니다. PP p.37, bar 3 이전에 Des-dur의 등장과 함께 전환점이 발생하고 설명이 끝나면(p.37의 마지막 두 줄) 이미지가 각색됩니다.
3부. 미뉴에트
겉으로는 미뉴에트, 3부 형식, 중간에 트리오인데, 이것이 춤이라는 것을 나타내는 다른 것은 없습니다. 메인 테마는 세 부분으로 구성된 구조에도 불구하고 당김음으로 인해 속도가 느려집니다. 또한 미뉴에트는 합창의 특징과 빠른 템포, 그리고 미뉴에트와 합창, 행진곡의 합성을 담고 있다. 목관악기와 호른으로 목관 연주를 하는 동명 전공의 트리오.
마지막
전체주기의 일반화, 테마의 억양 개발. GP(소나타 알레그로)는 "만하임 로켓"을 기반으로 한 트라이어드입니다. 여기에는 첫 번째 부분의 GP와 첫 번째 부분의 PP의 두 번째 부분이 있습니다.
^ 교향곡 41번 C-DUR "주피터"
모차르트의 아들에 따르면 이 교향곡의 이름은 하이든이 런던을 방문하여 12개의 런던 교향곡을 작곡한 영국의 작곡가이자 바이올리니스트인 요한 솔로몬(Johann Solomon)이 지어주었다고 합니다. 그 이름은 천둥의 화살과 관련된 초기 장광설과 연관되거나 장엄하고 엄숙하며 숭고한 음악 때문에 붙여졌습니다. 41번은 모차르트뿐만 아니라 동시대 사람들이 발견한 이 시대 최고의 작품을 요약한 것입니다. 표현 수단의 내용과 범위는 무한합니다. 주관적이고 객관적인 시작, 과거 시대와의 연결의 세부화 및 일반화, 그리스 멜로디에 대한 개별 주제의 근접성 및 피날레의 매력 및 다성음악에서 눈에 띄게 나타납니다. 동시에 – 미래에 대한 예측; 낭만적인 이미지와 억양으로.
39번이 내용 면에서 서정적이고 극적이었다면, 41번은 서정성과 서사시, 드라마를 영웅적 행군과 기념비적인 특징과 결합했습니다. 이러한 모든 기능에 대한 요약은 주기가 끝날 때 제공됩니다. 소나타 알레그로 + 3성 푸가라는 복잡한 형식이었던 교향곡의 정점이며, 이 부분의 끝은 5성부이고, 따라서 전체 교향곡은 5템포 푸가토로 끝납니다. 서정적인 시작이 있지만 여기에는 교향곡 40번의 일부 주제에 내재된 주관주의의 가사를 박탈하는 용감하고 강한 의지의 억양 요소가 병치되어 둘러싸여 있습니다.
41번은 연극 원리가 교향곡 형식으로 어떻게 굴절되는지 보여주는 대표적인 예입니다. 40번에서도 이런 일이 일어났지만 주로 주제의 '오페라적 성격'에 영향을 미쳤습니다. 41번에서는 극장과의 연결이 훨씬 더 넓습니다. 박람회에서 모차르트는 관련 테마를 포함하여 4가지 테마 각각의 중요성을 높였습니다. 그는 이 테마를 독립적으로 만들어 우리가 박람회의 4가지 테마를 인식할 수 있도록 했습니다. 4명의 다른 오페라 캐릭터로. 이미지 유형은 오페라 세리아와 동일하며 동시에 파트 번호 41의 박람회 1에는 동일한 코미디 + 드라마 영역이 있습니다. GP - 영웅적 감상, PP - 서정적, ZP - 댄스. 모차르트가 오페라의 시작 부분에 아리아 대신 이중창을 사용하는 것처럼, 1부의 주요 부분은 실제 단조 이중창으로, 여기서는 상충되는 시작이 설명됩니다. PP(p. 4, bar 56) G-dur는 특정 여성 캐릭터를 의인화하고 ZP(p. 5, bar 101)는 기악 아리아인 재미있는 코믹 오페라의 세계에서 온 순수한 민속 무용 이미지입니다. 18세기의. 등장은 엄숙하게 시작되며 주제의 끝은 엄숙한 리토르넬로(엔딩)로 표시됩니다. 첫 번째 부분과 다른 부분 모두에서 새로운 테마(예를 들어 81번째 마디의 PP에 있는 캐릭터)의 갑작스런 출현으로 시퀀스가 파괴됩니다. 전환점이 옵니다. 예리하고 비유적인 변화가 발생합니다(트레몰로, 투티, 팀파니, 플랫 3개, 샤프 5개, 베카르 3개, 날카로운 서브도미넌트, G-dur-th 대신 PP의 시작 부분이 C-dur로 이동하고 마디 8-9 p.5 SP-ZP가 PP 영역을 침범합니다. PP와 동일한 G-dur이지만 새로운 독립 이미지입니다. 개발이 시작되는 것은 GP입니다. 두 번째 섹션에서만 GP 및 SP의 요소가 나타납니다. 일반적으로 개발은 일부이므로 작습니다. 기능은 Exposition으로 이어졌습니다. 첫 번째 부분의 개발은 안정적이며 모든 주제는 C-dur에 있습니다.
비유적인 의미에서 새롭고 독립적인 Tonic의 상충되는 원리의 침입은 교향곡 Andante cantabile(p. 11)의 두 번째 부분에서도 관찰됩니다. 소나타 형식, 외관은 성격상 GP와 PP에 의해 결정됩니다. F와 C-Dur의 미뉴에트 문자인 밝은 짧은 서사시를 연상시킵니다(p. 12, 위에서 두 번째 줄). 그러나 그들 사이에 C 단조의 우울하고 불길한 독립 합작 투자가 침입합니다. 1부에서와 같이 일종의 악마적인 시작: 불안정한 하모니, 리듬 13페이지에 있는 이 부분의 전개는 작습니다. 단 15마디만 있고 그 다음에는 역동적인 재현이 있습니다. .
세 번째 악장은 미뉴에트입니다. 교향곡의 두 번째 부분에서 SP가 독립적인 신소재를 기반으로 했다면, 4악장에서는 SP의 기능이 더욱 확장됩니다. SP의 시작은 주요 2개 주제에 대한 푸가토, GP + 새로운 3악장입니다. SP의 깊이에 있는 테마는 독립적이지만, p.19 bar 13 각각은 동음이고 다음에는 다성입니다. 피날레의 전체 질감이 다성화되었습니다. GP의 주제는 그리스 합창으로, 교향곡 이전에도 모차르트가 그의 미사 D장조 "Credo"에서 사용했습니다. 박람회의 4가지 주제는 오페라와 교향곡 모두에서 독립적입니다. 더욱이 그 중 일부는 대화로 구성됩니다. GP는 5성 푸가토로 발전합니다. 4부의 코다는 오페라 피날레처럼 파트의 모든 주요 주제를 하나로 묶습니다.
교향곡가 모차르트는 오페라 극작가 모차르트보다 열등하지 않습니다 - 작곡가는 아직 아주 어렸을 때 교향곡 장르로 전환하여 발전의 첫 걸음을 내디뎠습니다. 그는 하이든과 함께 유럽 교향곡의 기원에 섰고, 모차르트 최고의 교향곡은 더 일찍 등장했습니다. 모차르트는 하이든을 복제하지 않고 자신만의 방식으로 교향악 주기의 문제를 해결했습니다.
교향곡 장르에서 모차르트의 작품은 8세의 작곡가가 런던에서 첫 번째 교향곡을 작곡하고 지휘했던 1764년부터 마지막 세 개의 교향곡이 등장한 1788년 여름까지 25년 동안 지속되었습니다. . 교향곡 분야에서 모차르트의 가장 높은 업적이 된 것은 바로 그들이었습니다. 그의 교향곡의 총 수는 50개가 넘지만, 러시아 음악학에서 인정되는 연속 번호 매기기에 따르면 마지막 교향곡인 "Jupiter"는 41번째로 간주됩니다. 모차르트 교향곡의 대부분은 그의 작품 초기로 거슬러 올라갑니다. 비엔나 시대에는 "Linzskaya"(1783), "Prague"(1786) 및 3개의 1788 교향곡을 포함하여 마지막 6개의 교향곡만 만들어졌습니다.
모차르트의 첫 번째 교향곡은 I.K. 바흐. 그것은 주기의 해석(3개의 작은 부분, 미뉴에트 부재, 작은 오케스트라 구성)과 다양한 표현 세부 사항(테마 멜로디, 장조와 단조의 표현 대조, 바이올린의 주역)에서 모두 나타났습니다.
유럽 교향곡의 주요 중심지(비엔나, 밀라노, 파리, 만하임) 방문은 모차르트 교향곡 사고의 발전에 기여했습니다.
- 교향곡의 내용이 풍부해졌습니다.
- 감정적 대조가 더욱 밝아집니다.
- 보다 활동적인 - 주제별 개발;
- 부품의 규모가 더 커집니다.
- 오케스트라의 질감이 더욱 발전됩니다.
모차르트의 젊은 교향곡의 정점은 교향곡 25번(그의 두 개의 단조 교향곡 중 하나. 40번과 마찬가지로 사단조)과 29번(A장조)입니다. 창작 후(1773-1774) 작곡가는 다른 악기 장르(콘서트, 피아노 소나타, 실내악 앙상블 및 일상 기악)로 전환했으며 가끔 교향곡으로 전환했습니다.
일반적으로 발전하는 하이든의 런던 심포니와는 달리 한 가지 유형교향곡, 모차르트 최고의 교향곡(38~41번)은 유형화를 거부하며 절대적으로 독특합니다. 그들 각각은 구현 근본적으로 새로운예술적 아이디어:
- 39번(Es-dur)은 모차르트의 가장 명랑하고 화창하며 하이든의 유형에 가장 가까운 곡 중 하나입니다.
- 특히 낭만주의로 이어집니다.
- 베토벤의 영웅적 행위를 기대합니다. g-mol-th 교향곡이 하나의 이미지 원에 집중되어 있는 것처럼 "Jupiter" 교향곡의 비유적 세계도 마찬가지로 다면적입니다.
모차르트의 마지막 4개 교향곡 중 2개는 도입부가 느리지만 나머지 2개는 그렇지 않습니다. 교향곡 38번(“프라하”, D장조)은 3악장(“미뉴에트 없는 교향곡”)으로 구성되고 나머지는 4악장으로 구성됩니다.
모차르트의 교향곡 장르 해석의 가장 특징적인 특징은 다음과 같습니다.
ㅏ) 갈등 극작. 대조와 갈등은 주기의 일부, 개별 주제, 다양한 주제 요소 등 다양한 수준에서 모차르트 교향곡에 나타납니다. 내부에주제. 모차르트의 교향곡 주제 중 다수 처음에는"복잡한 캐릭터"로 행동합니다. 그들은 여러 가지 대조되는 요소(예: 교향곡 "Jupiter"의 첫 번째 악장인 40번 피날레의 주요 주제)를 기반으로 구축되었습니다. 이러한 내부 대조는 이후의 극적인 발전, 특히 발전에 대한 가장 중요한 자극입니다.
비) 소나타 형식 선호 . 일반적으로 모차르트는 그녀에게로 향합니다. 전체적으로미뉴에트를 제외한 교향곡의 일부. 인간의 영적 세계를 가장 심오하게 드러낼 수 있는 것은 초기 주제를 변형시키는 엄청난 잠재력을 지닌 소나타 형식입니다. 모차르트의 소나타 전개에서는 독립적인 의미를 획득할 수 있다 어떤 주제라도박람회를 포함하여 연결 및 최종 (예를 들어 교향곡 "Jupiter"에서 첫 번째 부분 개발에서 z.p. 및 s.p.의 주제가 개발되고 두 번째 부분-s.t.)
모차르트는 그의 전개에서 많은 주제를 사용하려고 노력하지 않습니다(교향곡 40번의 극단적인 부분에서 - 단일 주제의개발); 그러나 주제를 선택한 후 그는 그것을 최대한의 드라마로 포화시킵니다.
V) 다성 기술의 엄청난 역할. 다양한 다성음악 기법은 특히 후기 작품에서 드라마에 크게 기여합니다(가장 눈에 띄는 예는 목성 교향곡의 피날레입니다).
G) 출발 열려 있는 장르 교향곡의 미뉴에트와 피날레에서. 하이든의 작품과는 달리 '일상적인 장르'라는 정의가 적용될 수 없다. 그와 반대로, 미뉴에트에서 모차르트는 종종 춤의 원리를 "중화"하여 그들의 음악을 드라마(교향곡 40번)나 서정성("주피터" 교향곡)으로 채웁니다.
e) 최종 스위트 로직 극복 다양한 부분이 교대로 나타나는 교향곡 주기. 모차르트의 교향곡 4악장은 유기적인 통일성을 나타냅니다(이는 교향곡 40번에서 특히 두드러졌습니다).
이자형) 보컬 장르와 밀접한 관련이 있습니다. 클래식 기악은 오페라의 강한 영향을 받아 형성되었습니다. 모차르트에서는 오페라 표현력의 이러한 영향이 매우 강하게 느껴집니다. 그것은 특징적인 오페라 억양의 사용에서만 나타나는 것이 아닙니다(예를 들어, 교향곡 40번의 주요 주제는 종종 케루비노의 주제인 "말할 수 없고 설명할 수 없습니다..."와 비교됩니다). ). 모차르트의 교향곡은 비극과 익살스러움, 숭고함과 평범함의 대조되는 병치로 스며들어 그의 오페라 작품과 분명히 유사합니다. 새로운 캐릭터가 등장하면 즉시 음악의 성격이 바뀐다.)
외국 음악학에서는 개정된 Köchel-Einstein 카탈로그에 따라 더 다양하고 정확한 번호 매기기가 확립되었습니다.
I.K 본인 바흐는 교향곡 장르의 이탈리아 사례에 의존했습니다.
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