Symfoni i verkene til Haydn og Mozart. Mozarts verk: liste. Wolfgang Amadeus Mozart: kreativitet. Kort informasjon om komponisten

Mozart skrev operaer hele livet, fra han var 11 år gammel. Men hans høyeste prestasjoner på dette området går tilbake til wienertiden ("Figaros ekteskap", "Don Giovanni", "Tryllefløyten"). Mozart skrev operaer av forskjellige typer og sjangre:

Singspiel (Bortføringen fra Seraglio, Tryllefløyten)

opera-buffa ("Figaros ekteskap", "Det er det alle kvinner gjør")

operas-seria ("Idomeneo, konge av Kreta", "The Mercy of Titus").

Opera "Don Juan", som kombinerer trekkene til musikalsk tragedie og komedie, kan ikke reduseres til noen av disse typene. Mozart kalte det et «homodrama». Denne operaen ble laget etter ordre fra operahuset i Praha. Operaens høyeste prestasjon er tendensen til ende-til-ende-utvikling med den tradisjonelle inndelingen i komplette tall.

Opera "Figaros ekteskap" skrevet basert på andre del av Beaumarchais sin trilogi "Crazy Day, or The Marriage of Figaro", til tross for at den ble forbudt av sensur (komedien avslører den føydal-aristokratiske ordenen i Frankrike på tampen av den borgerlige revolusjonen i 1789) .

På operaen "Magisk fløyte" Noen aspekter ved frimureriet, den religiøse og etiske læren som Mozart tilhørte og de siste årene skrev flere frimurerkantater, ble reflektert. Operaen er et filosofisk eventyr, hvis betydning er lysets seier over mørket, fornuften og det gode over det onde. Det ideelle riket av rettferdighet, brorskap og vennskap glorifiseres her i en eventyrlig form. I Tryllefløyten tyr Mozart til Singspiel-sjangeren med talt dialog og tysk tekst. Beethoven anså denne operaen som kanskje Mozarts beste opera. Goethe ble så betatt av Tryllefløyten at han unnfanget en oppfølger til den og begynte til og med å skrive librettoen.

Sammen med Gluck var Mozart den største reformatoren av operahuset fra 1700-tallet. Men i motsetning til ham, erklærte han ikke sin reform teoretisk. Hvis Gluck søkte å underordne musikk til dramatisk handling, så var for Mozart tvert imot musikk grunnlaget for opera. Mozart skrev: "I opera må poesi være musikkens lydige datter." Mozart mente at teksten i librettoen skulle være kortfattet og ikke trekke ut handlingen.

En av de høyeste nyskapende prestasjonene i Mozarts operadramaturgi er mestring av musikalske egenskaper skuespillere. Før Mozart ble de musikalske egenskapene til helter nesten fullstendig ignorert. Dette var en slags musikalske "masker" med utviklede teknikker for uttrykksevne. Uten å ty til ledemotiver, utstyrte Mozart heltene i operaene sine med melodiske vendinger som dannet et sammenhengende bilde. Således, i bildet av Don Juan blir hans kjærlighet til livets gleder, mot og mot understreket; i bildet av Suzanne - feminin attraktivitet, utspekulert. De musikalske karakteristikkene til karakterene er konsentrert i ariene. Mozart tildeler også en viktig rolle til ensembler, som vanligvis er rike på intens dramatisk utvikling.

4. Symfoniske verk av Mozart. Symfonier. Konserter.

Sjangrene av symfonisk musikk skapt av Mozart inkluderer symfonier, serenader, divertissementer, cassations (en sjanger nær serenade), konserter for ulike instrumenter med orkester.

Gjennom hele livet jobbet Mozart samtidig med operaer og instrumentalverk, noe som førte til deres gjensidig påvirkning: Operamusikk er beriket med teknikker for symfonisk utvikling, instrumentalmusikk er gjennomsyret av melodiøsitet. Mange musikalske bilder av Mozarts symfoni- og kammerverk er nærme arier og ensembler fra hans operaer (G.P.I-deler av symfoni nr. 40 og Cherubinos arie "I can't tell, I can't explain"; "Aria with a portrait" av Tamino fra "Tryllefløyten" og temaet for den andre delen av symfonien nr. 40).

Bilder av Mozarts symfonier:

lyrisk

danse

dramatisk

filosofisk.

Dramatisme ble ofte oppnådd ved tilstedeværelsen av kontrasterende elementer innenfor ett tema - et karakteristisk trekk ved Mozarts stil, som ble utviklet i arbeidet til Beethoven (G.P. I deler av symfoni nr. 41 "Jupiter", bestående av 2 kontrasterende elementer: modig- heroisk og lyrisk). Tilstedeværelsen av to kontrasterende elementer i ett tema er en stimulans for påfølgende utvikling, sammenligning og kollisjon av ulike musikalske bilder.

Mozart skrev sine første symfonier i en alder av 8 år, under inntrykk av symfoniene til I.K. Bach. Mozarts tidlige symfonier er nær en suite, serenade, divertimento og har ikke en organisk enhet i syklusen.

Mozarts tre mest kjente symfonier ble laget i 1788:

nr. 39 Es-dur – heroisk-dramatisk, lett, basert på dansetema;

nr. 40 g-moll – lyrisk uttrykksfull, ærbødig begeistret. Det kalles noen ganger "Wertherian", fordi den, i likhet med Goethes «The Sorrows of Young Werther», ble født i atmosfæren fra perioden med «Storm and Drang» med sin økte emosjonalitet og utstrømning av følelser, og forutså dermed romantisk symfonisme.

nr. 41 C-dur (“Jupiter”) – majestetisk, monumental (navnet ble ikke gitt av Mozart). Dens særegenhet er at all utvikling fører til en monumental finale, som kroner symfonien, som en majestetisk kuppel som kroner en grandiose katedral (finalen er en kombinasjon av sonata allegro og trippelfuge).

En av de betydelige stedene i Mozarts verk er okkupert av konserter for ulike instrumenter akkompagnert av orkester. Den klassiske konserten inneholder to utstillinger:

I - orkesterutstilling, hvor det tematiske hovedmaterialet presenteres

II – eksponering av soloinstrumentet.

Solodelen ble preget av sin virtuositet. Den frie virtuose kadensen (etter K 6 4 før codaen til første del) ble designet for improvisasjon av solisten. Først på 1800-tallet begynte kadenser å komponeres av komponisten selv.Andre del av konserten er treg, tredje del er sjangerfinalen.

Blant Mozarts tallrike konserter skiller pianoet seg ut - d-moll, c-moll, C-dur, Es-dur; fiolin - D-dur, A-dur. Dette er mesterverk av konsert og symfonisk musikk. Mozarts konserter er ikke mindre symfoniske enn hans symfonier.

Mozarts orkester er den samme komposisjonen som Haydns orkester (paret). Mozart gjorde imidlertid mer bruk av de uttrykksfulle egenskapene til instrumenter, deres melodiøsitet (spesielt strenger).

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)

Mer enn to århundrer skiller oss fra tiden da Mozart levde og virket. Dette var år fylt med de viktigste historiske hendelsene som radikalt endret både menneskers levesett og planetens ansikt. Men kunsten til et av menneskehetens største musikalske genier, Wolfgang Amadeus Mozart, er alltid levende og vakker. "I min dype overbevisning er Mozart det høyeste kulminerende punktet som skjønnhet har nådd innen musikken," sa Tsjaikovskij en gang. En annen briljant skaper, Sjostakovitsj, ga ham følgende definisjon: "Mozart er musikkens ungdom, en evig ung vår, som bringer menneskeheten gleden ved vårfornyelse og åndelig harmoni." Allsidigheten til Mozarts geni er fantastisk. Han er like stor i opera og symfoniske verk, og i kammer- og korverk. I hver av sjangrene han vendte seg til, skapte han mesterverk. Mozarts korte liv var fullt av kontraster. Et vidunderbarn som komponerte sin første cembalokonsert i en alder av fire og også spilte fiolin og orgel, han vant pan-europeisk berømmelse i sin tidlige barndom, og opptrådte på turné i mange land. I sine modne år led han av mangel på anerkjennelse. Kjæret av de kronede hodene, var han i lang tid nesten i livegenskap fra den despotiske erkebiskopen av Salzburg, og da han brøt disse båndene, led han av dårlig vilje og misunnelse, bøyd under åket av desperat nød og til tross for dette, skapte han lys, livsbekreftende musikk, full av optimistisk styrke.

En strålende operakomponist som etterlot seg slike mesterverk som "Figaros bryllup", "Don Giovanni" og "Tryllefløyten", Mozart skapte en æra i symfonien. Han jobbet i denne sjangeren i mer enn tjue år, og skrev rundt femti symfoniske sykluser. De første symfoniene ble skrevet av ham i en alder av seks år og var en etterligning av stilen til Johann Christian Bach, mens sistnevnte påvirket Haydns senere symfonier og forutså fenomenet ikke bare med Beethoven, som på mange måter kom mer fra Haydn, men også fra Schubert. Mozarts førtiende symfoni er en forløper for romantisk symfonisme, den umiddelbare forgjengeren til Schuberts «Uferdig», hvis innflytelse i sin tur er tydelig i Tsjaikovskijs «Vinterdrømmer»-symfoni og Kalinnikovs første symfoni. Den førtiførste symfonien fortsatte i den siste, også i C-dur av Schubert, som nesten høres ut som en Brahms-symfoni. Mozarts symfonisme avgjorde med andre ord utviklingen av denne sjangeren i et helt århundre! Wolfgang Amadeus Mozart ble født 27. januar 1756 i Salzburg, hovedstaden i et lite kirkelig fylke. Faren hans, Leopold Mozart, var medlem av koret til erkebiskopen av Salzburg, en god fiolinist, som senere ble kapelmester, og forfatter av mange musikalske verk. Han var den første læreren til sønnen, som allerede viste fenomenale evner i tidlig barndom. I en alder av fire prøvde barnet å komponere en keyboardkonsert, selv om han ennå ikke visste hvordan han skulle skrive ned noter, og i en alder av syv, etter å ha mottatt en fiolin i gave, kunne han erstatte den andre fiolinisten i trioen, spiller sin rolle direkte fra arket. Heldigvis var faren en utmerket lærer som dyktig veiledet utviklingen av et strålende begavet barn. Ingen komponist på 1700-tallet hadde en så intelligent og følsom lærer.

Fra begynnelsen av 1762 holdt L. Mozart en notatbok der han skrev ned sønnens komposisjoner - først små tastaturstykker, og deretter større. Samme år dro Mozart-familien på konsertturné rundt i Europa. I tillegg til gutten, deltok også hans storesøster Maria Anna (født i 1751), som også var en utmerket musiker og virtuos cembalo på konsertene. Mozart-familien besøkte München og Wien, og sommeren året etter dro de på en lengre reise gjennom München, Augsburg, Stuttgart, Frankfurt am Main til Brussel, London, Paris, og besøkte deretter Lille, Gent, Antwerpen, Haag, Amsterdam . Turen varte i totalt tre år, og lille Wolfgang vekket overalt glede og overraskelse, noen ganger blandet med mistillit – hans geni virket så utrolig.

Broren og søsteren opptrådte foran det mest sofistikerte publikummet – Ludvig XV lyttet til dem i Versailles, markisen av Pompadour i Paris, kongeparet i London og prinsen av Orange i Holland. Lille Mozart opptrådte både som klaverist – alene og med søsteren i fire hender, og som fiolinist. Konsertprogrammene inkluderte ikke bare verk lært på forhånd, andres og hans egne, som han komponerte kontinuerlig, til tross for konstant reise og enorm tretthet fra konserter, men også improvisasjoner over et tema gitt av publikum, og noen ganger ble det ikke bare gitt et tema. , men også en form, der den skal være nedfelt.

Spesielt i det etterlatte programmet fra en av konsertene står det: «En arie som Mr. Amadeo umiddelbart vil komponere på versene som ble tilbudt ham og deretter fremføre, og akkompagnere seg selv på klavikordet... En sonate over et tema som den første fiolinisten i orkesteret vil frigjøre etter eget valg, komponere og fremføre Mr. Amadeo... Fugue på et tema foreslått av lytterne..." Så mye improvisasjon måtte gjøres fordi noen lyttere mistenkte en falsk, og trodde at et så lite barn kunne ikke komponere, men fremførte sin fars musikk. En gang da han hørte at verket ble skapt rett på konserten, foreslo noen at saken ikke var uten onde ånder og krevde at ringen ble fjernet fra fingeren - han bestemte at det var magisk og kontrollerte guttens hender.

Mens han var i utlandet, lærte lille Mozart å spille orgel og skrev, i tillegg til mange klaververk, sine første symfonier. På dette tidspunktet var hans første sonater allerede publisert. Arbeidet var kolossalt, helt utenfor et barns styrke. Kanskje hun undergravde helsen hennes, noe som førte til en så tidlig død. Men faren, godt klar over hvor vanskelig en slik livsstil var for sønnen, fortsatte hardnakket å turnere. Dette reflekterte ikke bare et ønske om å tjene penger: han tenkte på å skape europeisk berømmelse for sønnen, og dermed gjøre livet hans lettere i fremtiden. Tiden har vist at han feilberegnet. Det raffinerte publikummet som barna opptrådte for, oppfattet dem ikke som seriøse musikere, men som en slags nysgjerrighet, et naturmirakel, som vekket forfengelig nysgjerrighet, og kom ikke for å høre på musikk, men for å se på babyen i en hoffkostyme ( Wolfgang opptrådte i en pulverisert parykk, med en liten med et sverd på siden), som er i stand til slike triks. I løpet av turen holdt Mozart ikke bare konserter og studerte, men hørte også på mye musikk. Han ble kjent med italiensk opera, spesielt fullt representert i London, i Stuttgart hørte han fremføringer av den fantastiske fiolinisten Nardini, hvoretter han ble for alvor interessert i fiolinmusikk, i Mannheim hørte han det beste orkesteret i Europa fremføre symfonier, i Paris likte han å lytte til de komiske operaene til Dunya og Philidor, som presenterte er en helt annen kunst sammenlignet med italiensk opera. Alt dette utvidet den unge musikerens horisont, ga nye inntrykk, mat til ettertanke og ble umiddelbart reflektert i hans egne komposisjoner.

Da gutten kom tilbake til Salzburg, begynte han en seriøs studie av kontrapunkt og poengsummene til fortidens store mestere. Arbeidet hans frigjør seg gradvis fra øyeblikkelig fremføringsavhengighet – han skriver ikke lenger hva som må fremføres på neste konsert, og er ikke begrenset til keyboardverk. Fra pennen hans dukker datidens hverdagsmusikk opp - kassasjoner og serenader for instrumentalensembler, samt italienske arier og spirituelle kantater. I 1767 tok faren, oppmerksom på sønnens ville suksess i Wien, ham igjen til hovedstaden i det østerrikske imperiet, men denne gangen var håpet hans ikke berettiget. Og neste år, da Mozarts dukket opp igjen i Wien, begynte intriger mot det unge geniet, ikke lenger et morsomt vidunderbarn, men en 12 år gammel gutt - hoffmusikerne følte i ham en alvorlig rival.

«The Imaginary Simpleton», en treakters italiensk operabuffe, som ble Mozarts første teaterverk, til tross for en kontrakt med en gründer, ble ikke satt opp i Wien - den ble fremført året etter i Salzburg. Samtidig skrev den unge komponisten enaktersoperaen "Bastien og Bastienne" i en helt annen stil - basert på modellene fra fransk komisk opera. Dette var selvfølgelig ikke selvstendige essays – hva kunne en gutt som ikke hadde livserfaring, som ennå ikke hadde realisert sin gave, tilby? Han stolte på det han hørte og brukte kjente mønstre. Men musikken hans avslørte en stor musikalsk teft, følsomhet for alt virkelig interessant og åndelig respons.

Samme år skrev han symfonier, sanger og en messe. I begynnelsen av 1769 vendte han tilbake med sin far til Salzburg, hvor erkebiskopen vervet ham til å tjene som kapelmester, men uten å betale en krone for det. Han mener at han har gjort nok for Mozarts ved barmhjertig å la sin dirigent, Mozart den eldre, være fraværende i så lang tid.

I Salzburg fortsetter gutten sine vanlige aktiviteter – han komponerer mye i ulike sjangre, fra kassasjoner og menuetter til messer og Te Deum. Faren, som ønsker å fullføre sønnens utdanning, tar ham med til musikklandet Italia på slutten av året. Turen varer til mars 1771, deretter, samme år 1771 og i sesongen 1772–1773, besøker unge Mozart Italia to ganger til. Og der overrasker han musikerne med sin dyktighet som utøver, improvisator og komponist. I Roma forbløffer han alle, inkludert sin egen far, ved å spille inn Allegris berømte Miserere, hørt bare én gang. Denne komposisjonen, skrevet spesielt for Det sixtinske kapell, var pavens eiendom, og notatene var strengt forbudt å tas ut av kapellet eller vises til noen. Mozart får i oppdrag å fremføre operaserien "Mithridates, King of Pontus", som settes opp i Milano. Hun er en stor suksess, roper publikum: «Bravo, maestrino». Bestillinger kommer inn fra alle kanter. Samtidig som han komponerte operaer, studerte Mozart de gamle italienske mesternes korpolyfoni, studerte med den berømte Padre Martini og besto den vanskeligste testen ved Bologna-akademiet: i en tradisjonell akademisk konkurranse skrev han på bare en halvtime en polyfonisk korverk med temaet gregoriansk sang, utformet i en streng gammel stil. Og noe enestående skjer - den unge musikeren får ikke bare et eksamensbevis: han blir valgt til medlem av Bologna Music Academy.

Da han kom hjem som vinner, skrev Mozart operaer, konserter, symfonier, kammerverk, men forble samtidig hoffakkompagnatøren til erkebiskopen av Salzburg. De passerer år etter år i de samme klassene, på samme sted. Hans materielle saker er ikke strålende, og faren tenker på en ny turné i europeiske land, men erkebiskopen nekter ham permisjon. I 1777 følte Mozart at han ikke lenger kunne vegetere i Salzburg – han lengtet etter et bredere aktivitetsfelt. Og faren, tvunget til å adlyde sin herre, sender sønnen sin på en reise til Europa med sin mor. De drar til München, Augsburg, deretter til Mannheim og til slutt til Paris. Mozart prøver å finne en betalt stilling, men kan ikke få jobb noe sted. Han dveler spesielt lenge i Mannheim. Og det er ikke bare herligheten til det lokale orkesteret som tiltrekker ham. Etter å ha etablert vennskap med mange musikere, besøker han hjemmene deres og møter en ung sanger, datteren til en teatersufflør og kopist, Aloysia Weber. Han komponerer arier for henne, og skriver et entusiastisk brev til sin far, som svar på at han får en streng irettesettelse. L. Mozart tenker på fremtiden til sønnen sin, og ikke på kjærligheten hans - og krever umiddelbar avgang: "Ditt brev er skrevet akkurat som en roman," skriver han. - Mars til Paris. Og raskt... Enten Cæsar eller ingen! Den eneste tanken på å se Paris bør beskytte deg mot alle tilfeldige oppfinnelser. Fra Paris sprer talentets berømmelse og navn seg over hele verden, der henvender edle mennesker genialitet med den største nedlatenhet, dyp respekt og høflighet, der vil du se utmerkede sosiale manerer, som er overraskende forskjellig fra uhøfligheten til våre tyske herrer og damer, og der vil du styrke ditt franske språk."

Og Mozart drar til Paris, men håpet hans bedrar ham. Den kjente franske pedagogen Grimm skriver om dette til Mozarts far: «Han er for tillitsfull, lite aktiv, lar seg lett lure, vet ikke hvordan han skal utnytte muligheten... Her, for å være i tide, du må være utspekulert, initiativrik, vågal. Jeg skulle ønske at skjebnen skulle gi ham halvparten så mye talent og dobbelt så mye fingerferdighet... Offentligheten... legger kun vekt på navn.» I tillegg til mislykkede forsøk på å bryte gjennom på en eller annen måte, desto mer nytteløst fordi den parisiske offentligheten i disse dager var fullstendig opptatt av den såkalte «krigen mellom Gluckister og Piccinister», det vil si heftige stridigheter mellom tilhengere av Glucks operareform og de som foretrekker operaene til italienske Piccini, i I Paris lider han et stort tap - moren dør. Foreldreløs og skuffet vendte Mozart tilbake til Salzburg i begynnelsen av 1779, hvor han gjennom farens innsats fikk stillingen som organist og kapelmester.

Nå er han ikke lenger fri: pliktene til rettstjenesten regulerer livet hans strengt. Komponisten skriver mye. Oppholdet i Paris viste seg likevel å være nyttig, siden Glucks musikalske dramaer gjorde et enormt inntrykk på ham og fikk ham til å tenke nye veier, sammenlignet med italiensk opera. Dette påvirker hans opera Idomeneo (1780). Han komponerer symfonier, instrumentalkonserter, serenader, divertissementer, kvartetter og hellig musikk. Og for hver dag blir hans avhengighet av erkebiskopen mer og mer uutholdelig, desto vanskeligere fordi den tidligere herskeren i Salzburg, opplyst og tolerant, som sendte sin far på mange års reise, døde, og hans plass ble tatt av en begrenset og despotisk mann.

Mozart ble behandlet som en tjener, og enda mer jo mer hans berømmelse vokste i utlandet. Dette ble spesielt ydmykende i Wien, hvor erkebiskopen i 1781 dukket opp sammen med hoffet sitt. Komponisten led ydmykelse, hovedsakelig på grunn av sin far, som han var lidenskapelig knyttet til, men til slutt tok tålmodigheten hans slutt og han krevde avskjed. Han skrev til sin far, som ble igjen i Salzburg: «Jeg er fortsatt full av galle! Og du, min beste og mest elskede far, sympatiserer selvfølgelig med meg. Tålmodigheten min hadde blitt satt på prøve så lenge at den til slutt brast. Jeg er ikke lenger så ulykkelig å være i Salzburg-tjenesten. I dag er den lykkeligste dagen for meg." Som svar på innvendingene fra faren, som ikke forsto handlingen hans, som var enestående og uhørt i de årene da alle musikerne forsøkte å innta en slags rettsstilling for å ha en sikker inntekt, snakket Mozart om det opprørende grev Arcos holdning til ham, som var en mellommann mellom ham og erkebiskopen, og avsluttet brevet med betydelige ord der Beethovens ukuelige ånd allerede kan høres: «Hjertet foredler en person, og hvis jeg fortsatt ikke er en telle, da er nok mitt indre ærligere enn grevens; Han kan være en hofftjener eller en greve, men hvis han fornærmer meg, er han en jævel. Først skal jeg presentere for ham ganske høflig hvor dårlig og dårlig han gjør jobben sin, men til slutt må jeg skriftlig forsikre ham om at han forventer et spark fra meg ... eller et par slag i ansiktet. ”

Et fritt, uavhengig liv begynte. Det var nå Mozart skapte sine beste toppverk innen alle sjangere, spesielt de siste store operaene, de siste symfoniene og Requiem. I 1782 giftet han seg med Constanze Weber, Aloysias yngre søster, som allerede hadde giftet seg. Og i dette handler han i strid med farens ambisjoner. Samme år dukket operaen "Bortføringen fra Seraglio" opp, der komponisten realiserte sin mangeårige idé om å lage en virkelig tysk opera basert på den nasjonale sjangeren - Singspiel. «Bortføringen fra Seraglio» er en suksess i Wien, og settes opp i Praha, Mannheim, Bonn, Leipzig og deretter i Salzburg. Mozart regner med omfattende konsertvirksomhet, invitasjoner til London og Paris, arbeid i adelshus, operaordner, men de egenskapene som den innsiktsfulle Grimm skrev om griper inn her også - intriger, misunnelse, smålige beregninger av wienermusikerne og komponisten kommer inn i spille det er veldig vanskelig. De siste årene av livet, til tross for frihet og familielykke, er langt fra velstående. Uttaket viser seg å være vennskapet som begynte mellom Mozart og den ærverdige Haydn, som var på høyden av sin berømmelse. Mozart lærte mye av Haydns senere verk, men sistnevntes innflytelse kan også merkes i verkene til maestroen skrevet etter Mozarts død.

Bortføringen fra Seraglio etterfølges av den strålende The Marriage of Figaro (1786). Arbeidet med den begynte i 1785, da Mozart ble kjent med Beaumarchais sin frihetselskende komposisjon. Produksjon av komedie ble forbudt i Wien, da det ble ansett som politisk farlig. Imidlertid klarte librettisten Da Ponte, en talentfull forfatter og en utspekulert forretningsmann, å overvinne sensurens sprettert. Operaen ble satt opp, men i Wien forsvant den, til tross for den rungende suksessen med de første forestillingene, raskt fra scenen på grunn av intriger. Men den hadde en lang og varig suksess i Praha, hvor den ble satt opp samme år. Fra da av ble Mozart forelsket i Praha og dets publikum, som han kalte «mine Praha-innbyggere». For Praha, hvor han reiste i 1787, ble "Don Giovanni" skrevet - "et muntert drama", som forfatteren definerte sjangeren - et nyskapende verk, et av de beste i verdens operatiske repertoar.

Tilbake til Wien begynte Mozart sine plikter som hoffkammermusiker. Denne stillingen ble gitt til ham etter døden til Gluck, som hadde den. Imidlertid var han tynget av arbeid: komponisten, som allerede hadde skapt de største verkene, måtte skrive musikk til baneballer og andre uviktige verk. Selvfølgelig skrev han også helt annen musikk – i 1788 dukket hans tre siste symfonier opp, som markerer toppen av Mozarts symfonisme og baner vei, sammen med Haydns symfoni, for Beethoven, og til og med på noen måter varsler Schubert.

Verken en rettsposisjon, eller tallrike ordre, eller operaproduksjoner redder Mozart fra fattigdom. De siste årene har han slitt med å skaffe den nødvendige inntekten for å forsørge familien, som vokser med fødselen av barn. I håp om å forbedre forholdene hans tok han i 1789 en tur til sin elskede Praha, og dro deretter til Berlin, Dresden, Leipzig. Konsertene hans er en stor suksess, men gir lite penger. Han opptrer i Potsdam, ved det prøyssiske hoffet, og kongen inviterer ham til å forbli i retten, men komponisten synes det er upraktisk å slutte i tjenesten i Wien.

Da han kom tilbake fra turneen, begynte han å skrive den komiske operaen "Dette er hva alle kvinner gjør", og i 1791, tilbake til den tradisjonelle sjangeren av italiensk operaseria, skrev han "La Clemenza di Tito." På dette tidspunktet var han sliten, utmattet og syk. Men han har fortsatt nok styrke til å skrive et poetisk filosofisk opera-eventyr i Singspiel-sjangeren - "Tryllefløyten". Det reflekterte komponistens frimurerfølelser (han var medlem av Crowned Hope-losjen).

I løpet av de samme dagene mottar han en mystisk ordre: en fremmed som ikke ønsket å oppgi navnet sitt, tilbyr seg å skrive et Requiem. Den helt syke komponisten kan ikke la være å tenke på at han skriver Requiem for seg selv. Først senere ble det klart at bestillingen ble laget av grev Walseg, en amatør som inkognito bestilte verk fra profesjonelle komponister og deretter ga dem ut som sine egne. Dette mislyktes med Requiem – Mozart hadde ikke tid til å fullføre det, selv om han jobbet til de siste dagene av sitt liv.

Han døde 5. desember 1791 i Wien. De begravde ham i en felles grav, siden det ikke var penger til begravelse. Kona hans, som ikke hadde det bra, dro ikke til kirkegården, og snart gikk selve sporet av asken hans tapt. Mange år etter Mozarts død ble det reist et monument på kirkegården som et tegn på at den store komponisten var gravlagt et sted her.

Rett etter komponistens død spredte det seg rykter om at Salieri forgiftet ham av misunnelse. De sa at før hans død, tilsto Salieri forgiftningen. Han var imidlertid døende på en psykiatrisk klinikk, og legen og ordensvaktene sverget at de ikke hadde hørt noen tilståelse, og fremmede fikk ikke se pasienten. Den berømte uttalelsen fra Pushkin, overbevist om forbrytelsen som hadde funnet sted, om at personen som buet "Don Juan" kunne ha forgiftet skaperen, er bare basert på rykter. På Wien-premieren var Don Giovanni en fiasko, og selv om Salieri plystret, ville ingen ha lagt merke til, derfor kunne ikke data om dette bevares; i Praha, hvor operaen var en fantastisk suksess, var ikke Salieri der. Dessuten hadde han ingenting å misunne - han ble ansett som den første komponisten av Wien, var hoffdirigent, mer enn velstående økonomisk, mens Mozart var fattig og levde nesten i fattigdom. Og Salieris operaer ble fremført på scenen til Wien-teateret etter hverandre, mens med Mozart var alt mye mer komplisert. Og den siste forskningen fra forskere tvinger oss til å helt forlate denne romantiske legenden.

Etter Mozart gjensto det et stort antall verk som komponisten ikke merket som opus. Mange av dem er i samme nøkkel. For å systematisere Mozarts arv, foretok forskeren av hans verk Köchel en kolossal innsats og kompilerte en universell katalog. Numrene for denne katalogen er gitt, sammen med serienummeret til hver symfoni med indeksen KK (Köchel-katalogen).

Symfoni nr. 34

Symfoni nr. 34, C-dur, KK 338 (1780)

skapelseshistorie

Komponisten skrev symfoni nr. 34 i C-dur i august 1780. Dette var en vanskelig tid i Mozarts liv. Året før hadde han kommet tilbake fra nok en lang utenlandsreise. Selv i en alder av seks år, erobret han mange europeiske byer med sin gave som ble avslørt utover hans alder. Så var det den oppsiktsvekkende mottakelsen av tittelen medlem av Bologna Academy of Music i en alder av 13 og pan-europeisk berømmelse som voksen musiker. Men da han på forespørsel fra faren la ut på denne siste reisen, ble han alvorlig skuffet: Paris, som applauderte mirakelbarnet i seremoniell uniform, ville ikke kjenne den modne komponisten.

Den franske hovedstaden hadde ikke tid til ham: lidenskaper blusset opp der mellom tilhengere av Glucks operareform og de som foretrakk tradisjonell italiensk opera – både seriøs og komisk. Den største representanten for italiensk opera i Paris var Piccini. Uenigheten mellom representanter for disse to bevegelsene ble kalt Gluckistenes og Piccinistenes krig, og Mozart hadde ingenting mellom dem å gjøre.

For å toppe det hele fikk han et alvorlig slag - moren, som fulgte ham på turen, døde. Plaget av sorg og skuffet vendte han tilbake til hjemlandet Salzburg, og etter farens eksempel gikk han inn i gudstjenesten i kapellet til erkebiskopen av Salzburg. Det var imidlertid ikke noe annet valg for ham: bare et fast tjenestested kunne gi ham et stabilt levebrød. Men erkebiskopen var preget av en lunefull og despotisk karakter, og komponisten, som allerede hadde fått verdensanerkjennelse og var fullt klar over sitt geni, kunne ikke forsone seg med livet til en underordnet, en tjener som kunne dyttes rundt. Svært snart, om bare et år, bryter han brått med erkebiskopen, men i mellomtiden jobber han for ham, skriver musikken som kreves av ham - åndelig, underholdende, for å akkompagnere ball og gallamiddager. Men Si er allerede forfatter av flere operaer som har fått anerkjennelse i sjangerens hjemland i Italia, forfatteren av mange verk i en rekke sjangere, inkludert symfonier, hvorav mer enn tretti er skrevet.

Symfoni nr. 34 viste seg å være det siste verket skrevet til erkebiskopens kapell. Dette bestemmer den beskjedne sammensetningen av orkesteret - det var ingen fløyter eller klarinetter i kapellet. Symfonien ble fremført for første gang, tilsynelatende, allerede i Wien, hvor Mozart endte opp med erkebiskopens følge: det var sannsynligvis om det Mozart skrev at premieren fant sted 3. april 1781 på teatret «Ved Kärntenporten ”, men det er ingen mer nøyaktig informasjon om dette, dessverre, er ikke bevart.

Den trettifjerde symfonien skapt av den 26 år gamle komponisten er et fantastisk verk. Den er i tre deler, med alle tre delene skrevet i sonateform, hver gang løst annerledes.

Det er ingen langsom introduksjon, vanlig for datidens symfoniske sykluser, andre sats, som tidligere representerte et øyeblikk av hvile fra konflikten, rolig lyrisk eller pastoral, er mettet med dybde, som bestemmer bruken av den mest komplekse, dialektiske av alle musikalske former. I tillegg til hoved- og sekundærdelen, spiller den siste delen en stor rolle, og får betydningen av et uavhengig bilde. Alt dette er helt klart nyskapende trekk, som varsler trekkene til romantiske symfonier, opp til Bruckners, selv om skalaen og orkestrale virkemidler fortsatt er svært beskjedne her, begrenset av datidens instrumenters kapasitet.

Musikk

Den første delen begynner bestemt, selvsikkert. Hovedtemaet for fanfaren, fremført av hele orkesteret, minner om begynnelsen av Mozarts mest kjente C-dur-symfoni, nr. 41, «Jupiter». I skarp kontrast kommer den gjennomsiktige sekundære, bestående av to elementer - en jevn bevegelse, som også fremkaller en assosiasjon til "Jupiter" (bare, i motsetning til sistnevnte, her er kromatikken synkende), og myk, som om flagrende synkopering. Utstillingen avsluttes med et vidt utvidet sluttparti. I en utvikling basert på individuelle sekundære motiver dukker det opp trekk som man gjerne vil kalle romantiske - begeistring, heftig beven. Herfra strekker det seg kanskje til en annen berømt Mozart-symfoni - "The Fortieth".

Den andre, langsomme satsen er full av sjarmerende sang. Dette er en instrumental romanse med en bred, fritt utfoldende melodi, ensartet i stemningen, men skrevet i sonateform uten utvikling. (Tidligere ble sonateformen i den langsomme delen av symfonien kun brukt av Haydn i Farvelsymfonien, som Mozart ikke hørte.) Hoveddelen utspiller seg rolig i strykernes kammerklang, støttet av fagotten. Den sekundære, som fortsetter stemningen til hovedfiolinen, er enda mer kammer: det er en to-stemmig fremføring av første og andre fiolin. Den siste delen introduserer et nytt preg - en litt leken ynde - og fører til en reprise som gjentar utstillingen nesten nøyaktig (med et sideparti nå i hovedtonearten), men den siste delen utvides til en coda, i de siste taktene av som hovedtemaet igjen lyder.

Symfonien avsluttes med en virvelvindende, spennende finale, der danseelementene og tarantellaens fascinerende rytme dominerer. Hoveddelen i klangen til et fullt orkester er erstattet av en sidestemme i samme kontinuerlige sats av åttendetoner, men med en mer beskjeden klang – kun fioliner og bratsj, som så er forbundet med to fløyter, og deretter en fagott. Det tredje bildet - den siste delen - en mild melodi av fløyter i tredjedeler, gir plass til en munter run-dans med muntre triller. Utviklingen er basert på det endelige temaet. På slutten skaper bevegelsen gjennom kromatiske halvtoner spenning, som løses av utseendet til en reprise. Den korte codaen høres ut som en gledelig bekreftelse.

Symfoni nr. 34

Symfoni nr. 35, D-dur, KK 385, Haffner (1872)

Orkestersammensetning: 2 fløyter, 2 oboer, 2 klarinetter, 2 fagotter, 2 horn, 2 trompeter, pauker, strykere.

skapelseshistorie

Haffnersymfonien ble skapt i en av de lyseste periodene i komponistens liv. Han er forfatter av operaer, anerkjent selv i Italia, trettifire symfonier, utallige andre mindre verk, instrumental, vokal, inkludert spirituell, som har vunnet all-europeisk berømmelse, en av de største utøverne i vår tid. Og han er fri! Etter flere års arbeid i hoffkapellet til erkebiskop grev Coloredo i Salzburg, ble han rasende over behandlingen av seg selv som tjener, brøt opp med ham og ble igjen for å bo i Wien, og ga det første eksemplet i musikkhistorien til en gratis musiker som ikke var i noens tjeneste. Samtidig er dette en veldig vanskelig situasjon, siden bare tjenesten kan gi en permanent inntekt, og nå er Mozart avhengig av kunder, av organisering av konserter, av mange ulykker. Men han er fri, og ville vært fornøyd med dette alene, om ikke for en til, ikke mindre viktig omstendighet - etter bruddet med erkebiskopen gifter han seg med sin elskede Constance Weber.

Symfonien, skrevet i 1782, var ment for en familiefeiring i huset til Haffner, borgmester i Salzburg. For seks år siden komponerte Mozart en serenade i forbindelse med ekteskapet til en av Haffners døtre. Som den gang hadde komponisten til hensikt å lage en serenade i form av en suite bestående av uavhengige stykker. I løpet av arbeidet ble det imidlertid dannet en symfonisk syklus i de tradisjonelle fire satsene, og åpningsmarsjen og en av de to menuettene skrevet for den tidligere ble ikke inkludert i den endelige utgaven av verket. Symfonien ble første gang fremført offentlig i Wien 30. mars 1783. Komponisten ble positivt overrasket over å motta partituret fra Salzburg. "Den nye Haffner-symfonien overrasket meg veldig," skrev han til sin far. "Jeg glemte henne helt, men hun burde definitivt gjøre et godt inntrykk." Komponisten tok ikke feil - symfonien, full av glitrende optimisme, nyter fortsatt kjærligheten til lytterne og inntar en stabil plass i konsertprogrammene.

Musikk

Den første satsen åpner med lyden av hele orkesteret, og toner med kraftige unisone hovedtema-tesen, ikke av den vanlige, firkantede (multippel av fire) struktur, men okkuperer fem takter, lett husket takket være den kantete, skarpe melodien og skarp, jaget rytme. Tutti er erstattet av monofoni, støttet av reserveakkorder. Sonoriteten øker raskt. Den sekundære delen manifesterer seg i hovedsak bare ved utseendet til en annen toneart, siden hoveddelen fortsetter å bli hørt av fiolinene, og det nye temaet til fiolinen utføres i kontrapunkt, som om det ledsager de lyse intonasjonene til hovedmelodien. Utviklingen, også bygget på et oppgavetema, er gjennomsyret av polyfoniske teknikker og fører raskt til en reprise, enda mer enhetlig karakter, takket være tonal enhet. Dermed viser sonaten allegro seg å være monotematisk.

De milde lydene fra den langsomme (andante) andre satsen flyter jevnt. Dette er en slags serenade der elskernes lyriske utgytelser blir hørt på bakgrunn av en rolig frossen natur. Andante er skrevet i tredelt form med en coda. Det første temaet er fleksibelt, uttrykksfullt, det andre, likt i stemningen, utvikler seg mot bakgrunnen av begeistret synkopert akkompagnement.

Tredje sats er en menuett. Hovedtemaet kombinerer vittig en viss stivhet og ruhet med ynde, til og med sofistikert det melodiske mønsteret. Trioen er full av sjarm og oppriktig varme, der temaet i utgangspunktet ledes av oboer, fagotter og fioliner og bratsj som klinger mykt i tredjedeler.

Finalen er fylt med jublende glede. I en rask virvelvind blir bilder av ulik karakter erstattet: et heftig hovedtema i lyden av en strykegruppe og et gjennomsiktig, grasiøst sekundært tema. Begge er underordnet en enkelt puls, levende, og trekker seg frem. I utviklingen er fargeleggingen noe formørket – et sidetema høres i moll, men dette er en kort episode, før reprise. Hovedtemaet høres gledelig ut i codaen, og fullfører rondosonateformen.

Symfoni nr. 36

Symfoni nr. 36, C-dur, KK 425, Linz

Orkestersammensetning: 2 oboer, 2 fagotter, 2 horn, 2 trompeter, pauker, strykere.

skapelseshistorie

Mozart skrev symfonien, som senere ble kjent som Linz-symfonien, i 1783. På dette tidspunktet er han en anerkjent mester, forfatteren av mange verk i en rekke sjangre. Han er kjent i mange europeiske land, erobret av musikeren i en alder av seks år, under sin første konsertturné sammen med sin eldre søster Maria Anna (Nannerl). Alt dette gir ham imidlertid verken materiell velvære eller uavhengighet. For å skaffe seg et ekte levebrød, blir han tvunget til å gå i tjeneste i hoffkapellet til erkebiskopen av Salzburg, grev Colorado. Men han tålte ikke denne tjenesten i lang tid.

Vant til respekt under mange reiser, kjent med sin egen verdi, og nå tvunget til å ofre ikke bare frihet, men også selvkjærlighet, stolthet, selvrespekt, behandlet som en tjener av den arrogante sjefen grev Arco, og til og med av erkebiskopen selv , som ble enda mer frekk mot Mozart enn hans berømmelse spredte seg mer og mer, brøt han i 1781 med erkebiskopen, giftet seg med Constance Weber og slo seg ned i Wien, hvor han forventet å få suksess.

Disse beregningene gikk ikke i oppfyllelse - hovedstaden i Østerrike satte ikke pris på hans geni. I tillegg kunne faren - en stor musiker, fiolinist og komponist, som var den eneste mentor og pedagog for den strålende Mozart - ikke forstå sønnens avgang fra tjenesten han tilbrakte hele livet i. Han var også imot å gifte seg med Constance. Alt dette, til tross for den enorme kjærligheten og respekten som den yngre Mozart følte for den eldste, førte, om ikke til en pause, så i det minste til en alvorlig nedkjøling av forholdet.

I slutten av juli 1783 dro Mozart og hans unge kone for å besøke faren hans, som fortsatte å tjene i Salzburg, tilsynelatende for å få tilgivelse og forene den gamle Mozart med ekteskapet hans, og introduserte ham for den sjarmerende, muntre og bekymringsløse Constance . På vei tilbake fra Salzburg til Wien stoppet Mozart i Linz i noen dager. Der, i palasset til grev Thun, ble symfonien komponert, som ble fremført under ledelse av forfatteren den dagen den ble fullført, 4. november 1783. Tilsynelatende bestemte fraværet av fløyter og klarinetter i grev Thuns orkester sammensetningen til symfoniens utøvere, som var mer beskjeden sammenlignet med forgjengeren.

Musikk

Symfonien begynner med en langsom introduksjon, der de majestetiske akkordene til hele orkesteret viker for uttrykksfulle melodier fra fiolinene. Sonaten allegro utmerker seg ved sin tematiske rikdom. I sin omfattende utstilling avløser mange avgjørende og muntre, Mozart-aktige klare melodier hverandre, og forbereder gradvis overgangen til mer fleksible og milde motiver av sidepartiet. I det siste spillet går alt tilbake til den generelle livsbekreftende flyten. En utvikling basert på en mindre versjon av et sidetema bringer forskjellige farger til musikken. Men dette er kun en kort episode, hvoretter hovedbildene kommer tilbake i en reprise.

Den andre delen – andante – er skrevet i en jevn, lett svaiende barcarolle-rytme, i sonateform, som komponisten velger i de langsomme satsene til sine modne symfonier for å understreke opplevelsens dybde. Andante-melodier er fulle av kunstløs sjarm, uttrykksfulle og grasiøse. Hovedtemaet i den rolige lyden av strykerne er en fleksibel, uttrykksfull, rytmisk variabel, typisk Mozartiansk melodi. Gradvis dukker det opp spenning og beven, noe som understrekes av myke synkopasjoner. Et sidetema gjør stemningen litt mørkere med mindre farger. Den samme spenningen fyller utviklingen, basert på hovedtemaet og flyter jevnt inn i reprise.

Menuetten, skrevet i tredelt da capo-form, er en munter, enkeltsinnet dans med et røft lapidært tema som beveger seg langs lydene av en triade, en fanfare og en morsom "krøll" av en triller som fullfører motivet. I konturene av trioens melodi, som ikke skaper en kontrast, men gir inntrykk av en fortsettelse av det første temaet i en mer kammerlyd, kan man gjette fremtidens Ländlers av østerrikske symfonier, helt opp til Bruckner og Mahler.

Finalen begynner med en stille, nesten kammerlyd. Hoved- og sidedelene utfyller hverandre, noe som understrekes av deres identiske begynnelse - i lyden av en strenggruppe. Gradvis utfolder det seg et bilde av festlig moro som fullfører symfonien.

Symfoni nr. 38

Symfoni nr. 38, D-dur, KK 504, Praha (1786)

Orkestersammensetning: 2 fløyter, 2 oboer, 2 fagotter, 2 horn, 2 trompeter, pauker, strykere.

skapelseshistorie

I 1781 begikk Mozart, en alleuropeisk berømt komponist med en enorm kreativ bagasje, inkludert flere operaer, mer enn tretti symfonier, sakral musikk, instrumentalkonserter og ensembler, en handling som var helt uhørt på den tiden: han brøt med rettstjeneste av erkebiskopen av Salzburg og ble værende i Wien uten permanente midler til livsopphold. På 1700-tallet og tidligere var alle komponister i tjeneste et sted - i staben ved en av de tallrike kongelige, fyrstelige eller grevedomstolene i det da fragmenterte Tyskland, som for eksempel Haydn, som var dirigent for prins Esterhazy nesten alle. hans liv, eller, som i sin tid den store Bach, - kantorer, organister og lærere ved katedraler.

Mozart var den første som følte ydmykelsen av en slik situasjon, da en komponist, en skaper, begavet ovenfra, befant seg i posisjonen som en tjener til en mester, ofte ubetydelig, som noen ganger ydmyket ham utilsiktet, ganske enkelt fordi han betraktet alle født i "lavklassen" ikke lik seg selv, men noen ganger og ganske bevisst, for å "slå ned arrogansen til de som tenker på seg selv."

Etter å ha forlatt erkebiskopen begynte et selvstendig liv, likt røff seiling i et stormfullt hav. Mozart var alltid på grensen til fattigdom, han ble overvunnet av gjeld, for uten en konstant inntekt måtte han lete etter bestillinger som ikke alltid var godt betalt, og gi konserter som noen ganger, selv om de trakk til seg et stort publikum, nesten ikke ga inntekter. Og likevel var det en lykkelig tid med frihet og kreativ start. Det var i disse årene, etter 1781, at hans beste kreasjoner ble skapt. Blant dem er selvfølgelig operaen "Figaros bryllup". Men i Wien, hvor operaen først ble satt opp, til tross for suksessen med de første forestillingene, forlot den raskt scenen - intrigene til lokale musikere, mye mindre talentfulle, men mye mer fingernemlige og praktiske enn Mozart, spilte en rolle.

Men premieren på "Figaros bryllup" i Praha fant sted i 1786 med enestående triumf. Komponisten møtte en slik glede og entusiasme blant innbyggerne i Praha som han aldri hadde drømt om i hjemlandet. En ny opera ble umiddelbart bestilt for ham - med et plot som han selv ønsket å velge (denne operaen var "Don Giovanni", satt opp i Praha et år senere). Samtidig, den 19. januar 1787, fant Mozarts originalkonsert sted i Praha, som han skrev en tredelt symfoni i D-dur for, som forble i historien under navnet Praha.

I sin helhet og modenhet ligger den nær de tre siste symfoniene. Tilsynelatende hadde nærheten til fremtiden "Don Juan", tanker som allerede hadde begynt å forstyrre komponistens fantasi, også en viss innflytelse på henne.

Musikk

Likheten i musikalsk og dramatisk henseende mellom første sats av symfonien og ouverturen til «Don Giovanni» er spesielt slående: den kraftige, truende introduksjonen, kanskje inspirert av musikken til Gluck, sammenlignes direkte med det hemningsløst muntre hovedtemaet sonaten allegro. Sidetemaet, mykt og melodiøst, ligger tett opp til folkesangmelodien - du kan høre slaviske trekk i den, og samtidig kan du kjenne den italienske smaken. I en dramatisk utvikling gjennomgår hovedtemaet aktiv utvikling, men i en reprise får musikken igjen sitt originale utseende.

Den andre satsen, en vidtfavnende andante, er også skrevet i sonateform - en sak uten sidestykke før Mozart, som ved hjelp av denne mest komplekse musikkformen med spesiell dybde fyller en sats som tidligere hadde vært en øy av hvile og stillhet eller stille, kunstløs tristhet. Temaene, forent av en jevn barcarolle-rytme, er ikke motarbeidet, men utfyller hverandre, og skaper ett komplett bilde - en poetisk idyll.

Den glitrende finalen, der komponisten igjen, for tredje gang gjennom syklusen, bruker sonateformen, som om han hadde til hensikt å vise sine ulike muligheter, er en av de mest karakteristiske for Mozart. Hovedtemaet ligner melodien til duetten mellom Susanna og Cherubino fra første akt av The Marriage of Figaro . Et sidetema minner om tsjekkiske folketoner. Den geniale utviklingen er full av lyse overraskelser. Nesten umerkelig blir det til en reprise, der hovedtematisk materiale høres i en lett modifisert form.

Symfoni nr. 39, nr. 40, nr. 41

Symfoni nr. 39, Es-dur, KK 543 (1788)

Orkestersammensetning: fløyte, 2 klarinetter, 2 fagotter, 2 horn, 2 trompeter, pauker, strykere.

Symfoni nr. 40, g-moll, KK 550 (1788)

Orkestersammensetning: fløyte, 2 oboer, 2 klarinetter, 2 fagotter, 2 horn, strykere.

Symfoni nr. 41, C-dur, KK 551, “Jupiter” (1788)

Orkestersammensetning: fløyte, 2 oboer, 2 fagotter, 2 horn, 2 trompeter, pauker, strykere.

Skapelseshistorie (nr. 39)

Symfonien i Es-dur er den første av tre som Mozart skrev sommeren 1788. Disse månedene var svært vanskelige i komponistens liv. I lang tid allerede verdensberømt, etter å ha skapt på den tiden 38 symfonier, mange instrumentalkonserter, ensembler, pianosonater og andre verk som fikk den bredeste distribusjonen, og viktigst av alt, to av hans tre beste operaer - "Figaros bryllup ” og “Don Giovanni”, som utgjorde en hel epoke i historien til denne sjangeren, var han imidlertid økonomisk i ekstremt trange omstendigheter. I Wien forsvant "The Marriage of Figaro" raskt fra scenen på grunn av intriger og fikk reell anerkjennelse bare i Praha, hvor den ble mottatt varmt og med interesse. Etter sin rungende suksess ble Mozart bedt om å skrive en opera om ethvert plott som passet ham. Og han valgte Don Juan. Operaen, helt original i sjangeren og kalt et "morsomt drama" av komponisten, var en triumferende suksess blant innbyggerne i Praha. Den 7. mai 1788 fant premieren på Don Juan sted i Wien. Men her fant ikke operaen forståelse. Konserten, annonsert med abonnement, trakk ikke lyttere.

Å bli ansatt som hoffkomponist i stedet for nylig avdøde Gluck ga heller ikke lettelse – lønnen viste seg å være mager. Familien sto bokstavelig talt i fare for å sulte. Mozart skriver til venner og beskyttere av kunsten, ber dem om å hjelpe ham, om å gi ham penger i det minste for en kort stund... Og i denne grusomme tiden, på overraskende kort tid, dukker tre av hans beste symfonier opp, bokstavelig talt en etter en annen.

Tidligere hadde komponisten aldri skrevet flere symfonier på rad. Disse siste symfoniene utgjør, som det var, tre kapitler av én kolossal komposisjon, som viser de forskjellige tilstandene til sjelen til deres skaper. De kan kalles en trilogi, der forfatteren fremstår som en søkende, misfornøyd, spent og likevel full av urokkelig optimisme, til tross for alle vanskeligheter og lidelser.

Symfonien i Es-dur ble fullført 25. juni. Den skulle fremføres om sommeren, samtidig med to andre, på en konsert med abonnement til fordel for forfatteren. Men denne konserten fant ikke sted - komponisten klarte ikke å samle et tilstrekkelig antall lyttere. Premieredatoen for den trettiniende symfonien er ennå ikke satt.

Musikk (nr. 39)

Symfonien åpner med en sakte utfoldende introduksjon. Hans patetiske høytidelighet er teatralsk, lys og fyldig. Etter en generell pause, som på lang avstand, kommer det livlige hovedtemaet i sonatens allegro stille inn, først fra fiolinene, ekko av horn og fagott. Så går det over i basser – til celloer og kontrabasser; de er imitert av klarinetter og fløyter. Denne pastorale melodien er erstattet av jublende utrop fra orkesteret. Det sekundære temaet, som fiolinene begynner på den langvarige tonen til hornene, er ømt og luftig. Hele delen er bygget på et stemningsskifte – fra lyrisk til militant, fra pastorale sketsjer til dramatiske episoder. I en liten utvikling forsterkes motsetningene. Det oppstår en energisk dialog mellom de lave strykerne og fiolinene, basert på et hardnakket lakonisk motiv. Akkorder av trefløyter som glir i kromatisk harmoni med sukk forbereder reprise.

Den andre delen utmerker seg ved sin begeistrede følelsesmessige struktur. Den er også skrevet i sonateform, en nyvinning uhørt før Mozart. Komponisten dramatiserer dermed musikken, og gir den en større skala, et bredere pust. Hovedtemaet, toner av de første fiolinene, foregriper romantikernes musikk med sin flukt, forlenget, men avbrutt av pauser, som for et sukk, utplassering. Sidetemaet er fullt av patos, stor indre styrke og energi, med energiske oppturer på bakgrunn av kontinuerlig sekstendetone-akkompagnement. I den siste delen, innledningsvis intonert av treblåserne som kommer kanonisk inn etter hverandre, dukker det opp en pastoral tone, understreket av orkestreringen. I utviklingen setter sidetemaet sitt preg på hovedtemaet, noe som gjør det mer dramatisk. I reprisen flettes alle tre temaene sammen og kompliseres av nye tillegg. Bare det første temaet gjenstår i codaen, og understreker dets forrang i musikkens figurative struktur.

Den tredje delen - menuetten - er preget av en festlig karakter og oppriktig moro. Konflikter har opphørt i ham, og uklar lykke fyller hjertet hans. Den gledelige lyden av hele orkesteret veksler med mer gjennomsiktige fraser fra en strenggruppe. I den midterste episoden - trioen - synger klarinetten en enkel og ukomplisert melodi, som minner om en landsbyvals (den andre klarinetten akkompagnerer den), og fløyten, støttet av horn og fagott, ser ut til å imitere den... Og den første delen av det tredelte da capo-skjemaet returnerer. Finalen er den lyseste og mest muntre delen av symfonien. Den er basert på ett tema, flyter i et kontinuerlig løp, et tema som endrer utseendet, flytter inn i forskjellige tonearter, tar på seg forskjellige orkesterantrekk. Med en endring i orkestrering og tonalitet endres også funksjonen - den begynner å spille rollen som en siderolle. Leende passasjer av fløyter og fagott, iriserende rulader av fioliner, skarpe angrep av horn og trompeter – alt snurrer, haster et sted, syder av uhemmet moro. R. Wagner sa at i finalen av denne Mozart-symfonien «feirer den rytmiske satsen sin orgie». Den raske finalen fullfører den harmoniske strukturen til symfonien, og glorifiserer gleden ved å være.

Skapelseshistorie (nr. 40)

Den andre symfonien i g-moll, skrevet sommeren 1788, ble fullført i slutten av juli. I likhet med forgjengeren var den førtiende symfonien ment for fremføring i et stort "akademi" av forfattere, som det ble annonsert et abonnement på. Men abonnementet ga ikke de nødvendige midlene, alt var opprørt. Det er mulig at den ble fremført i et av de private husene til velstående musikkelskere, men informasjon om dette er ikke bevart, og datoen for verdenspremieren er ukjent. I motsetning til den forrige, lyse, gledelige, som spiller rollen som en slags introduksjon i treklangen, er g-moll-symfonien skjelvende, som om den vokser ut av Cherubinos arie «I can't tell, I can't explain ” med sin direkte, livlige ungdommelige følelse - en strålende forkynner for mange romantiske sider med musikk fra 1900-tallet, som starter med Schuberts "Uferdige" symfoni. Symfonien ble skrevet for et beskjedent orkester. Den inneholder de tradisjonelle fire satsene, men mangler den langsomme introduksjonen som er vanlig for datidens symfonier.

Musikk (nr. 40)

Den første delen begynner så å si med et halvt ord: en spent, intermitterende, som lett kvelende melodi av fiolinene. Den dypt uttrykksfulle, oppriktige, tilsynelatende bedende melodien - hoveddelen av sonatens allegro - er knyttet til den nevnte Cherubino-arien. Likheten forsterkes av det faktum at hoveddelen utvikler seg uvanlig bredt, med stor pust, som en opera-aria. Det sekundære temaet er fullt av melankoli, lyrikk, det inneholder drømmer, ydmykhet og stille tristhet. Utviklingen åpnes av en kort klagende melodi av fagott. Brå, skarpe utrop, dystre, alarmerende, sørgmodige intonasjoner dukker opp. En stormfull, dramatisk handling utspiller seg. Reprise bringer ikke fred og opplysning. Tvert imot: det høres enda mer intenst ut, siden sekundærtemaet, som tidligere lød i dur, her er farget i molltoner, underordnet satsens generelle tonalitet.

Den andre delen domineres av en myk, rolig og kontemplativ stemning. Likevel bruker Mozart, som i tidligere symfonier, sonateform her. Bratsjene, med sin unike, lett kvele klang, synger en mild melodi – hovedtemaet. Fiolinene henter henne. Et sidetema er et flagrende motiv som gradvis overtar orkesteret. Det tredje og siste temaet er igjen en melodiøs melodi, full av tristhet og ømhet, først hørt av fiolinene og deretter av blåseinstrumentene. Spenning, ustabilitet og angst dukker opp igjen i utviklingen. Men her er det bare et øyeblikk. Reprisen går tilbake til lett omtenksomhet.

Tredje sats er en menuett. Men ikke søt eller sofistikert hoffdans. Funksjonene til marsjering vises i den, selv om de er fritt implementert i en danserytme med tre takter. Melodien, avgjørende og modig, tones av fioliner og fløyte (en oktav høyere) med akkompagnement av et fullt orkester. Bare i trioen, skrevet i den tradisjonelle trestemmige formen, opptrer transparente pastorale lyder med en myk rull av strykere og treinstrumenter. Den fartsfylte finalen mangler den vanlige munterheten til sluttsatsene til klassiske symfonier. Han fortsetter den midlertidig avbrutte dramatiske utviklingen, så levende i første sats, og bringer den til klimakset, sentralt i symfonien. Det første temaet i finalen er selvsikker, svevende oppover med stor indre energi, som en avslappende vår. Sidetemaet, mykt, lyrisk, vekker assosiasjoner til både sidetemaet i første sats og den innledende andante-melodien. Men dens utseende er kortvarig: tekstene blir revet med av den nylig virvlende virvelvinden. Dette er konklusjonen på utstillingen, som går over i en stormfull, urolig utvikling. Angst og spenning fanger også reprise av finalen. Bare de siste taktene i symfonien gir bekreftelse.

Skapelseshistorie (nr. 41)

Den store symfonien i C-dur ble fullført av Mozart 10. august 1788. I denne symfonien søker Mozart igjen å bevege seg bort fra det personlige og subjektive. Den er stolt majestetisk og har den samme optimistiske karakteren som den første i triaden, og foregriper Beethovens symfonier med sin heroiske karakter, perfeksjon, kompleksitet og nye komposisjonsteknikker. Denne symfonien skulle, i likhet med de to foregående, fremføres for første gang sommeren samme år, på en konsert med abonnement, men den var ikke bestemt til å finne sted: tilsynelatende ga ikke abonnementet det nødvendige midler. Det er ingen bevis for den første fremføringen av et av Mozarts største verk.

I hjertet av denne symfonien, kalt "Jupiter" (det er informasjon om at navnet "Jupiter" ble gitt til den av J. P. Salomon, en berømt engelsk fiolinist og gründer, som noen år senere organiserte Haydns konserter i London) for dens enestående majestetisk skala, konseptets storhet og legemliggjøringens episke harmoni, løgnens triumf og heltemot. Hennes modige, optimistiske, festlige musikk, hennes monumentale lapidariske stil minner om sidene i Beethovens symfonier med deres heltemot, vedvarende optimisme og lyse, viljesterke begynnelse. Tsjaikovskij, som var veldig glad i alt av Mozarts verk, kalte denne symfonien «et av underverkene til symfonisk musikk».

Musikk (nr. 41)

Begynnelsen av første sats - avgjørende akkorder som svever oppover og ømme sukk fra fiolinene som klinger - er som en tese som så vil finne sin utvikling. En annen kontrast følger faktisk: det modige, viljesterke hovedtemaet, fremført av hele orkesteret, erstattes av en grasiøs, sjarmerende melodi av fiolinene (sideparti), som låter transparent i det lette, blondeaktige orkesterakkompagnementet. Det siste temaet er lekent, lekent og fullt av munter lur. Første del av symfonien er bygget på utviklingen av disse tre tema-bildene.

Den andre delen - andante - utmerker seg ved sin inspirerte lyrikk, poesi og billedadel. Som i tidligere symfonier er dette en slags sonateform, i hovedsak nyskapende, for før Mozart var det bare sonata allegro, det vil si at man trodde at en slik struktur bare kunne være i første del, noen ganger i finalen. Hovedtemaet er sakte, gjennomtenkt, med en fleksibel melodi som utvikler seg i fri improvisasjon. Sidesporet som erstatter det er Mozartsk i begeistring og frykt, fylt med dyp, men behersket følelse. Den siste delen bringer fred - rolig, opplyst. Utviklingen er liten. I reprise kommer spenningen og sløvheten tilbake, men tutti-episoden med sin kraftige fanfarelyd minner om de modige episodene i første del. Koden gjentar kort hovedtemaene i delen.

Tredje sats er en menuett, ikke helt vanlig. Det begynner lett, naturlig, med en sløv, kromatisk synkende melodi av de første fiolinene, akkompagnert av den andre. Deretter kobles andre instrumenter sammen, veldig sparsomt. Orkesterlyden øker gradvis, og når tutti med høye fanfarer. Trioen er grasiøs, kanskje til og med flørtende, med en lett, enkeltsinnet melodi av fioliner og obo, men den er også erstattet av fanfarer. Reprisen av den tredelte formen (da capo) går tilbake til bildene i den første delen.

Den store finalen, munter, heftig, overrasker med rikdommen av bilder og dyktigheten som de introduseres med av komponisten. Den inneholder så mange som fem hovedtemaer, som er utviklet ved hjelp av ulike kontrapunktiske triks, tidligere brukt av komponister kun i strengt polyfoniske former. Det første temaet, med bare fire toner toner av fiolinene, er strengt, likt temaet for en Bach-fuge eller epigraftemaet til Sjostakovitsj, men strengt diatonisk, og er som en mini-introduksjon til den viktigste, den andre, også klang i fiolinene, er energisk og variert i rytme. Den tredje har en avgjørende prikkete rytme, og blir til et jevnt løp av åttendetoner. Den fjerde er en stigende oppover skarp staccato med en triller. Alle av dem utgjør hoveddelen, og utvikler seg i de mest intrikate teknikkene for polyfoni. Allerede i begynnelsen av forbindelsesdelen dukker det opp en fugato, hvis tema er et av elementene i hoveddelen av finalen. Deretter høres en sidestemme (det femte temaet) - som vises i en annen - dominerende - toneart og en mer transparent klang av orkesteret. Utbyggingen er hovedsakelig bygget på de to første temaene. Kompleksiteten i formen blir aldri selvforsynt: en kontinuerlig flyt flyter lett, fritt, naturlig, der ulike temaer forenes i én bevegelse, underordnet en enkelt stemning. Toppen av finalen, og med den hele den symfoniske syklusen, er en coda som er unik i sin mestring, der alle fem temaene er kontrapunktisk sammenvevd, fengslende med sin munterhet.

Den fremragende østerrikske komponisten W. A. ​​Mozart er en av representantene for skolen. Hans gave manifesterte seg fra tidlig barndom. Mozarts verk gjenspeiler ideene til Sturm und Drang-bevegelsen og den tyske opplysningstiden. Den kunstneriske opplevelsen fra ulike tradisjoner og nasjonale skoler omsettes til musikk. De mest kjente, hvis liste er enorm, har tatt sin plass i musikkkunstens historie. Han skrev mer enn tjue operaer, 41 symfonier, konserter for forskjellige instrumenter og orkester, kammerinstrumental- og pianoverk.

Kort informasjon om komponisten

Wolfgang Amadeus Mozart (østerriksk komponist) ble født 27. januar 1756 i den vakre byen Salzburg. Foruten å komponere? han var en utmerket cembalist, kapelmester, organist og virtuos fiolinist. Han hadde et helt fantastisk minne og en lidenskap for improvisasjon. Wolfgang Amadeus Mozart er en av de mest, ikke bare i sin tid, men også i vår tid. Hans geni gjenspeiles i verk skrevet i ulike former og sjangre. Mozarts verk er fortsatt populære i dag. Og dette indikerer at komponisten har bestått «tidens prøve». Navnet hans nevnes oftest i samme åndedrag som Haydn og Beethoven som en representant for wienerklassisismen.

Biografi og kreativ vei. 1756-1780 leveår

Mozart ble født 27. januar 1756. Jeg begynte å komponere tidlig, fra jeg var omtrent tre år gammel. Faren min var min første musikklærer. I 1762 dro han sammen med sin far og søster på en stor kunstnerisk reise til forskjellige byer i Tyskland, England, Frankrike, Sveits og Nederland. På denne tiden ble Mozarts første verk skapt. Listen deres utvides gradvis. Siden 1763 har han bodd i Paris. Skaper sonater for fiolin og cembalo. I perioden 1766-1769 bodde han i Salzburg og Wien. Han liker å fordype seg i å studere komposisjonene til store mestere. Blant dem er Handel, Durante, Carissimi, Stradella og mange andre. I 1770-1774. hovedsakelig lokalisert i Italia. Han møter den da kjente komponisten Josef Mysliveček, hvis innflytelse kan spores i det videre arbeidet til Wolfgang Amadeus. I 1775-1780 reiste han til München, Paris og Mannheim. Opplever økonomiske vanskeligheter. Mister moren sin. Mange av Mozarts verk ble skrevet i denne perioden. Listen over dem er enorm. Dette:

• konsert for fløyte og harpe;
• seks tastatursonater;
• flere spirituelle kor;
• Symfoni 31 i tonearten D-dur, som er kjent som Paris-symfonien;
• tolv ballettnummer og mange andre komposisjoner.

Biografi og kreativ vei. 1779-1791 leveår

I 1779 arbeidet han i Salzburg som hofforganist. I 1781 fant premieren på hans opera Idomeneo sted i München med stor suksess. Dette var en ny vending i skjebnen til den kreative personligheten. Da bor han i Wien. I 1783 giftet han seg med Constance Weber. I denne perioden presterte Mozarts operaverk dårlig. Listen over dem er ikke så lang. Dette er operaene L'oca del Cairo og Lo sposo deluso, som forble uferdige. I 1786 ble hans utmerkede "The Marriage of Figaro" skrevet basert på en libretto av Lorenzo da Ponte. Den ble satt opp i Wien og hadde stor suksess. Mange anså dette for å være Mozarts beste opera. I 1787 ble det utgitt en like vellykket opera, som også ble skapt i samarbeid med Lorenzo da Ponte. Så fikk han stillingen som «keiserlig og kongelig kammermusiker». Som han får 800 floriner for. Han skriver danser for maskerader og komisk opera. I mai 1791 ble Mozart ansatt som assisterende dirigent for katedralen.Det ble ikke betalt, men ga en mulighet etter Leopold Hofmanns død (som var svært syk) til å ta hans plass. Dette skjedde imidlertid ikke. I desember 1791 døde den strålende komponisten. Det er to versjoner av årsaken til hans død. Den første er en komplikasjon etter en sykdom med revmatisk feber. Den andre versjonen ligner legenden, men støttes av mange musikkforskere. Dette er forgiftningen av Mozart av komponisten Salieri.

Hovedverk av Mozart. Liste over essays

Opera er en av hovedsjangrene i hans verk. Den har en skoleopera, singspiel, opera seria og buffa, samt grand opera. Fra pennen til komposisjonen:

• skoleopera: "The Metamorphosis of Hyacinth", også kjent som "Apollo and Hyacinth";
• operaserie: "Idomeneo" ("Elijah og Idamant"), "The Mercy of Titus", "Mithridates, King of Pontus";
• buffa-operaer: «Den imaginære gartneren», «Den forførte brudgommen», «Figaros ekteskap», «De er alle som dette», «Kairogåsen», «Don Giovanni», «The Feigned Simpleton»;
• Singspiel: "Bastien og Bastienne", "Zaida", "Bortføringen fra Seraglio";
• grand opera: "opera Tryllefløyten";
• pantomime-ballett "Trinkets";
• messer: 1768-1780, opprettet i Salzburg, München og Wien;
• Requiem (1791);
• oratorium "Vetulia Liberated";
• kantater: «Penitent David», «The Joy of the Masons», «To You, Soul of the Universe», «Little Masonic Cantata».

Wolfgang Amadeus Mozart. Jobber for orkester

W. A. ​​Mozarts verk for orkester er slående i omfanget. Dette:

• symfonier;
• konserter og rondoer for piano og orkester og fiolin og orkester;
• konserter for to fioliner og orkester i tonearten C-dur, for fiolin og bratsj og orkester, for fløyte og orkester i tonearten obo og orkester, for klarinett og orkester, for fagott, for horn, for fløyte og harpe (C-dur );
• konserter for to pianoer og orkester (Es-dur) og tre (F-dur);
• divertissementer og serenader for symfoniorkester, stryke- og blåseensemble.

Stykker for orkester og ensemble

Mozart komponerte mye for orkester og ensemble. Kjente verk:

• Galimathias musicum (1766);
• Maurerische Trauermusik (1785);
• Ein musikalischer Spa (1787);
• marsjer (noen av dem ble med på serenader);
• danser (motdanser, landeiere, menuetter);
• kirkesonater, kvartetter, kvintetter, trioer, duetter, variasjoner.

For klaver (piano)

Mozarts musikkverk for dette instrumentet er veldig populært blant pianister. Dette:

• sonater: 1774 - C-dur (K 279), F-dur (K 280), G-dur (K 283); 1775 - D-dur (K 284); 1777 - C-dur (K 309), D-dur (K 311); 1778 - A-moll (K 310), C-dur (K 330), A-dur (K 331), F-dur (K 332), B-dur (K 333); 1784 - c-moll (K 457); 1788 - F-dur (K 533), C-dur (K 545);
• femten variasjonssykluser (1766-1791);
• rondo (1786, 1787);
• fantasier (1782, 1785);
• forskjellige skuespill.

Symfoni nr. 40 av W. A. ​​Mozart

Mozarts symfonier ble laget fra 1764 til 1788. De tre siste ble den høyeste prestasjonen i denne sjangeren. Totalt skrev Wolfgang mer enn 50 symfonier. Men i henhold til nummereringen av russisk musikkvitenskap regnes den siste for å være den 41. symfonien ("Jupiter").

Mozarts beste symfonier (nr. 39-41) er unike kreasjoner som trosser den typifiseringen som ble etablert på den tiden. Hver av dem inneholder en fundamentalt ny kunstnerisk idé.

Symfoni nr. 40 er det mest populære verket i denne sjangeren. Første sats begynner med en begeistret melodi av fioliner i en spørsmål-og-svar-struktur. Hoveddelen minner om Cherubinos arie fra operaen «Figaros bryllup». Sidedelen er lyrisk og melankolsk, i kontrast til hoveddelen. Utviklingen starter med en liten fagottmelodi. Dystre og sørgmodige intonasjoner oppstår. Den dramatiske handlingen begynner. Reprisen øker spenningen.

I andre del råder en rolig og kontemplativ stemning. Sonateformen brukes også her. Hovedtemaet fremføres av bratsj, deretter tas opp av fioliner. Det andre emnet ser ut til å være "fladder".

Den tredje er rolig, mild og melodiøs. Utvikling bringer oss tilbake til en spent stemning, angst dukker opp. Reprisen er igjen en lys ettertanke. Tredje sats er en menuett med marsjtrekk, men på trekvart tid. Hovedtemaet er modig og avgjørende. Den fremføres med fioliner og fløyte. Transparente pastorale lyder kommer frem i trioen.

Den fartsfylte finalen fortsetter den dramatiske utviklingen, og når det høyeste punktet - klimakset. Angst og spenning er iboende i alle deler av fjerde del. Og bare de siste taktene gir et lite utsagn.

W. A. ​​Mozart var en utmerket cembalist, kapelmester, organist og virtuos fiolinist. Han hadde et absolutt øre for musikk, en utmerket hukommelse og et ønske om improvisasjon. Hans utmerkede verk har tatt sin plass i musikkkunstens historie.

SYMFONISK VERK AV MOZART

Mozarts symfonier var betydelig påvirket av operasjangeren. Dette merkes i allsidigheten til innholdet, overfloden av kontrasterende bilder-temaer, temaer-karakterer, i kombinasjonen av de instrumentelle og vokale elementene i tematikken. Mozart forsterket i sine symfonier kontrasten mellom temaer, innenfor temaer, mellom seksjoner og deler, og i symfoniene hans er det en tendens til å kombineres til en syklus. I symfoni nr. 40 kommer dette til uttrykk i følgende:

1. 
   Nytt romantisk innhold, fraværet av hverdagsbilder, bilder av kamp, ​​heroiske konfrontasjoner, et skifte i vekt på den menneskelige sjelens verden (fra objektiv til subjektiv). Dette innholdet er skissert i de første taktene i symfoniene, og dekker alle deler og når sitt klimaks.
2. 
   Tre av de fire satsene i symfonien er skrevet i form av en sonata allegro, selv om de er forskjellig oppløst i del 1, 2 og 4.
3. 
   I alle tre delene er det et prinsipp om aktiv utvikling av temaer og de samme prinsippene for å bytte gjennom enharmonisitet i del 1 og 4.
4. 
   Konsekvent intonasjonsdannelse av finalens tema fra quart-motivet til 2. del, gjennom den konsekvente utvidelsen av 3. del, med deltakelse av intonasjonene til GP i første del. M2, uv2, m6.
5. 
   Syklusens klimaks flyttes til finalen, som bare Beethoven hadde.
6. 
   Menuettsats i GP 2 deler, som en forventning om sjangeren i tredje del
7. 
   Den lyriske sjetteheten som ligger i del 1 fra 5. trinn til tredje vil bli bevart både i tredje og fjerde del.
8. 
   Den andre intonasjonen av hoveddelen av 1. sats vil bli leitintonasjonen til symfonien.
9. 
   Alle delene inneholder temaer som tar sikte på å stige til toppen og deretter synke.

Mozarts orkesterkomposisjon er den samme som i Haydns senere symfonier, med hovedrollen som fioliner med aktiv deltagelse av treblåsere i nr. 40, fløyter, oboer, fagott dominerer, det er horn, men det er ingen pauker eller trompeter. Mozart overlater noen temaer helt til én gruppe av orkesteret, dvs. bruk rene klangfarger, for eksempel GP 1 del = strykere, andre temaer representerer klangdialog, for eksempel PP 1 del. Dialogen observeres for eksempel i andre sats – strykere – treblåsere.

SYMFONI nr. 40. g-moll

Som en lyrisk sjanger vil den finne sin fortsettelse i symfoniene til Tsjaikovskij, Brahms og Mahler. Hver av de fire satsene er basert på lyriske temaer, men de får alle dramatisk utvikling og derfor høres symfonien som helhet ut som en spent monolog. Dette er forskjellen mellom Mozart og Beethovens symfonier, basert på kampen og sammenstøtet mellom ulike prinsipper og førromantikk.

Personifiseringen av tekstene i 1. del av symfonien er en elegisk GP, alt i dette temaet var nytt for symfonisk musikk på 1700-tallet. Intim kammerkarakter som bestemmer innholdets subjektivitet.

1. 
   Homofonisk tekstur av temaet: sang-ariat, det er en melodi og akkompagnement. Først akkompagnementet, så solisten. Sangfullheten foregriper den fremtidige romantikkstilen på 1800-tallet, selv om symfoniene generelt er skrevet i henhold til alle reglene for den sonatasymfoniske strukturen til klassisismen.
2. 
   I sangen bringes GP nærmere den menneskelige stemmen gjennom fiolinenes varme klang.
3. 
   Intonasjonsinnhold i emner:

Rent romantisk sextvo, innrammet av beklagelige små sekunder. Denne m2 konsentrerer i seg selv hovedintonasjonsinnholdet ikke bare av 1 del, men også av hele delen = ZP, Development, Reprise, SP...

Fastlegen er ikke så mye eksposisjonell som den er utviklingsmessig; den inkluderer sekvensering, modulasjon, uv2, ustabile harmonier, pauser, etc. Det særegne ved joint venture er at det ikke er noen antydninger til fremtidens PP, det tar musikken bort fra atmosfæren til GP-tekstene mot dramatisering - til kulminasjonen av hele orkesteret på den dominerende B-duren. Derfor blir PP, som dukker opp i B-dur etter en pause, oppfattet som en løsning på den lokale dramatiske konflikten, men snart blir den kilden til en ny konflikt. Sammenlignet med GP er PP mer behersket, objektiv, sangens begynnelse er kombinert med det instrumentale, kromatikk, lunefull rytme gir den en viss sofistikering. Hvis det horisontale dominerer i GP, så dominerer det vertikale i PP. Temaene inneholder leksemer (trekk) av koraler i reprise. Dette temaet vil høres ut i moll. ZP er bygget på teknikken for re-intonasjon m2 er erstattet av b2.

Utviklingen er basert på fastlegen, som går gjennom en sirkel av toneskift, ifølge del 5. Generelt er Mozarts utvikling mindre enn utstilling (Haydns er lik). I utvikling reduserer spenningen spenningen nesten ingenting.

Del 2. Andante. Es-Dur

Sonata Allegro, men i motsetning til 1. sats i dur; del ser ut som en kontrast til del 1; dens GP og PP er nære i innhold og tematiske tema. Fastlegen har tre elementer, som er under utvikling. Den første er basert på en gradvis stigning, den andre på "Mannheim-sukkene", den tredje - fra den syvende takten til trettisekunders varighet. Før PP s. 37, takt 3, med opptreden i Des-dur, oppstår et vendepunkt, og på slutten av eksposisjonen (de to siste linjene på s. 37) dramatiseres bildet.

Del 3. Menuett

Utad er det en menuett, en tredelt form, en trio i midten, det er ingenting annet som skulle tilsi at dette er en dans. Hovedtemaet, til tross for sin tredelte struktur, bremses ned av synkopasjoner. I tillegg inneholder menuetten trekk av en koral, et raskt tempo og en syntese av menuetten med en koral og en marsj. Trio i samme dur, på pastorale opprop fra treblåsere og horn.

Finalen

Generalisering av hele syklusen, intonasjonsutvikling av temaer. GP (sonate allegro) er basert på "Mannheim-raketten" - i triade. Her er det en andre fra GP av 1. del og PP av 1. del.

^ SYMFONI nr. 41 C-DUR “JUPITER”

I følge Mozarts sønn ble navnet på symfonien gitt av Johann Solomon, en engelsk komponist og fiolinist, på hvis invitasjon Haydn besøkte London og skrev 12 London-symfonier. Navnet ble gitt enten ved assosiasjon med de første tiradene med tordenens piler, eller på grunn av musikken: majestetisk, høytidelig, sublim. Nr. 41 oppsummerte det beste som ble funnet i denne epoken, ikke bare av Mozart, men også av hans samtidige. Innholdet og spekteret av uttrykksmidler er ubegrenset: den subjektive og objektive begynnelsen, detaljeringen og generaliseringen av forbindelser med tidligere tidsepoker, følbar i nærheten av individuelle temaer til greske melodier og appell og polyfoni i finalen; og samtidig – projeksjon inn i fremtiden; inn i romantiske bilder og intonasjon.

Hvis nr. 39 var lyrisk og dramatisk i innholdet, så kombinerte nr. 41 lyrikk, epos og dramatikk med trekk av heroisk marsj og monumentalitet. En oppsummering av alle disse funksjonene er gitt på slutten av syklusen; det er kulminasjonen av symfonien, som var en kompleks form - sonate Allegro + trestemmig fuga, slutten av denne delen er femstemmig og delen, og derfor avsluttes hele symfonien med en femtempo fugato. Det er en lyrisk begynnelse, men her er den sidestilt og omgitt av modige, viljesterke, intonasjonselementer, som fratar tekstene subjektivismen som var iboende i enkelte temaer i symfoni nr. 40.

Nr. 41 er et prakteksempel på hvordan teatralske prinsipper brytes til symfonisk form. I nr. 40 fant dette også sted, men det påvirket hovedsakelig tematikkens «operatiske natur». I nr. 41 er forbindelsene med teatret mye bredere: I utstillingen tar Mozart opp viktigheten av hvert av de fire temaene, inkludert de relaterte – han gjør dem uavhengige, noe som gjør at vi kan oppfatte utstillingens 4 temaer. som 4 forskjellige operakarakterer. Bildetypene er de samme som i operaseria, samtidig er det i utstilling 1 av del nr. 41 de samme sfærene av komedie + drama: GP - heroisk-patetisk, PP - lyrisk, ZP - dans. Akkurat som i begynnelsen av sine operaer Mozart har en duett i stedet for arier, er hoveddelen av 1. del en ekte moll duett, der en motstridende begynnelse er skissert. PP (s. 4, takt 56) G-dur, personifiserer en viss kvinneskikkelse, og ZP (s. 5, takt 101) er et rent utmattet folkedansbilde som kom hit fra en verden av morsomme komiske operaer, en instrumental arie av 1700-tallet. Fremkomsten er høytidelig innledet av pauser, og slutten av temaet er preget av høytidelige ritornelloer (avslutninger). Både i den første og i andre deler blir sekvensen ødelagt av en plutselig opptreden av et nytt tema - en karakter, for eksempel i PP i takt 81, kommer et vendepunkt: et skarpt, figurativt skifte skjer (tremolo, tutti, pauker, tre flater, fem skarpe, tre bekar, en skjerpet subdominant, i stedet for G-dur-th begynner PP flyttes til C-dur, og i takt 8-9 p.5 SP-ZP invaderer PP-sonen, samme G-dur som i PP, men nytt uavhengig bilde. Det er hos fastlegen utviklingen starter. Først i andre seksjon dukker det opp elementer fra fastlegen og SP Generelt er Utviklingen liten, siden en del av dens funksjoner ble overtatt av utstillingen Utviklingen av første del er stabil, alle emner er i C-dur.

Invasjonen av det motstridende prinsippet om en ny, uavhengig i overført betydning, Tonic, observeres også i andre del av symfonien Andante cantabile (s. 11) - sonateform, utseendet bestemmes av GP og PP i karakter, minner om en lys idyll, karakteren til en menuett i F og C-Dur (s. 12, 2. linje fra toppen). Men mellom dem trer et dystert, illevarslende selvstendig joint venture i c-moll inn, som i del 1 = en slags demonisk begynnelse: ustabile harmonier, rytme Utviklingen i denne delen på side 13 er liten - bare 15 takter, deretter en dynamisk reprise .

Tredje sats er en menuett. Hvis SP i den andre delen av symfonien var basert på uavhengig nytt materiale, så utvides funksjonene til SP ytterligere i fjerde sats: begynnelsen av SP er en fugato på de to hovedtemaene, GP + en ny tredje. tema i dypet av SP, mens uavhengig, s. 19 takt 13 Hver av dem er homofon, deretter polyfon. Hele teksturen til finalen er polyfonisert. Temaet for GP er en gresk koral, som allerede før symfonien ble brukt av Mozart i hans messe i D-dur i "Credo". De 4 temaene i utstillingen er uavhengige, både i operaen og i symfonien. Dessuten er noen av dem konstruert som dialoger. Fastlegen utvikler seg som en femstemmers fugatto. Codaen til del 4, som en operafinale, samler alle hovedtemaene i delen.

Symfonisten Mozart er ikke dårligere enn operadramatikeren Mozart.- Komponisten vendte seg mot symfoni-sjangeren da han fortsatt var veldig ung, og tok de første skrittene i sin utvikling. Sammen med Haydn sto han ved opphavet til den europeiske symfonismen, mens Mozarts beste symfonier dukket opp enda tidligere. Uten å duplisere Haydn løste Mozart problemet med den symfoniske syklusen på sin egen måte.

Mozarts arbeid i den symfoniske sjangeren varte et kvart århundre: fra 1764, da den 8 år gamle komponisten skrev og dirigerte sine første symfonier i London, til sommeren 1788, som var preget av utseendet til de tre siste symfoniene hans. . Det var de som ble Mozarts høyeste prestasjon innen symfonisk musikk. Det totale antallet symfonier hans overstiger 50, selv om i henhold til den kontinuerlige nummereringen som er akseptert i russisk musikkvitenskap, regnes den siste symfonien - "Jupiter" - som den 41. Utseendet til de fleste av Mozarts symfonier går tilbake til de første årene av arbeidet hans. I løpet av Wien-perioden ble bare de siste 6 symfoniene laget, inkludert: "Linzskaya" (1783), "Praha" (1786) og tre symfonier fra 1788.

Mozarts første symfonier var sterkt påvirket av verket til I.K. Bach. Det manifesterte seg både i tolkningen av syklusen (3 små deler, fravær av en menuett, liten orkesterkomposisjon) og i forskjellige uttrykksfulle detaljer (melodi av temaer, uttrykksfulle kontraster av dur og moll, fiolinens hovedrolle).

Besøk til de viktigste sentrene for europeisk symfoni (Wien, Milano, Paris, Mannheim) bidro til utviklingen av Mozarts symfoniske tenkning:

• innholdet i symfonier er beriket;
• følelsesmessige kontraster blir lysere;
• mer aktiv - tematisk utvikling;
• skalaen til delene blir større;
• Orkesterteksturen blir mer utviklet.

Toppen av Mozarts ungdommelige symfonisme er symfoniene nr. 25 (en av hans to mollsymfonier. Som nr. 40 - i g-moll) og nr. 29 (A-dur). Etter opprettelsen (1773-1774) byttet komponisten til andre instrumentalsjangere (konsert, pianosonate, kammerensemble og hverdagsinstrumentalmusikk), og vendte seg bare av og til til symfonisk musikk.

I motsetning til Haydns London Symphonies, som generelt utvikler seg én type symfonisme, Mozarts beste symfonier (nr. 38-41) trosser typifisering, de er helt unike. Hver av dem legemliggjør fundamentalt nytt kunstnerisk idé:

• nr. 39 (Es-dur) er en av Mozarts mest muntre og solfylte, nærmest Haydns type;
• fører til romantikerne, spesielt til;
• foregriper Beethovens heroikk. Så mye som g-mol-te symfonien er konsentrert i én sirkel av bilder, er den figurative verdenen til "Jupiter" symfonien like mangefasettert.

To av Mozarts fire siste symfonier har langsomme introduksjoner, de to andre har ikke. Symfoni nr. 38 ("Praha", D-dur) har tre satser ("symfoni uten menuett"), resten har fire.

De mest karakteristiske trekkene ved Mozarts tolkning av symfoni-sjangeren inkluderer:

EN) konfliktdramaturgi. Kontrast og konflikt vises i Mozarts symfonier på en rekke nivåer - deler av syklusen, individuelle temaer, ulike tematiske elementer innsiden Emner. Mange av Mozarts symfoniske temaer i utgangspunktet fungerer som en "kompleks karakter": de er bygget på flere kontrasterende elementer (for eksempel hovedtemaene i finalen av 40. første sats av symfonien "Jupiter"). Disse interne kontrastene er den viktigste stimulansen for den påfølgende dramatiske utviklingen, spesielt i utviklingen.

b) preferanse for sonateform . Som regel henvender Mozart seg til henne i alt deler av symfoniene deres, bortsett fra menuetten. Det er sonateformen, med dens enorme potensial for å transformere innledende temaer, som er i stand til den mest dyptgripende åpenbaringen av menneskets åndelige verden. I Mozarts sonateutvikling kan den få selvstendig betydning hvilket som helst emne utstillinger, inkl. kobling og endelig (for eksempel i symfonien "Jupiter", i utviklingen av den første delen, utvikles temaene z.p. og s.p., og i andre del - s.t.)

Mozart streber ikke etter å bruke mange temaer i sin utvikling (i de ekstreme delene av symfoni nr. 40 - monotematisk utvikling); men etter å ha valgt et emne, metter han det med maksimal dramatikk.

V) den enorme rollen til polyfonisk teknologi. Ulike polyfoniske teknikker bidrar sterkt til drama, spesielt i senere verk (det mest slående eksemplet er finalen i Jupitersymfonien).

G) avgang fra åpen sjanger i symfoniske menuetter og finale. I motsetning til Haydns verk, kan ikke definisjonen av "genre-hverdag" brukes på dem. Tvert imot «nøytraliserer» Mozart i sine menuetter ofte danseprinsippet, og fyller musikken deres med enten drama (i symfoni nr. 40) eller lyrikk (i «Jupiter»-symfonien).

e) endelig overvinne suitelogikk symfonisk syklus, som en veksling av forskjellige deler. Mozarts fire satser av symfonien representerer en organisk enhet (dette var spesielt tydelig i symfoni nr. 40).

e) nær forbindelse med vokalsjangre. Klassisk instrumentalmusikk ble dannet under sterk påvirkning av opera. Hos Mozart merkes denne påvirkningen av operaisk uttrykksevne veldig sterkt. Det manifesteres ikke bare i bruken av karakteristiske operatiske intonasjoner (som for eksempel i hovedtemaet til den 40. symfonien, som ofte sammenlignes med Cherubinos tema "Jeg kan ikke fortelle, jeg kan ikke forklare ..." ). Mozarts symfoniske musikk er gjennomsyret av kontrasterende sammenstillinger av det tragiske og det bufflige, det sublime og det vanlige, som tydelig ligner hans operaverk (den kontrastfylte utstillingen av første sats av Jupiter-symfonien kan sammenlignes med operafinalen, der utseendet til en ny karakter endrer umiddelbart karakteren til musikken).

I utenlandsk musikkvitenskap er det etablert en annen, mer nøyaktig nummerering i henhold til den reviderte Köchel-Einstein-katalogen.

I.K. selv Bach stolte på italienske eksempler på den symfoniske sjangeren.